"Columbine" es el libro definitivo sobre uno de los episodios más traumáticos y, por desgracia, recurrentes de la historia negra de los Estados Unidos. El 20 de abril de 1999, Eric Harris y Dylan Klebold, dos estudiantes de último curso del Instituto Colu

«El Quentin Tarantino de la literatura alemana.» Andreas Ammer (Deutschlandfunk) A finales de los años sesenta, Harry Gelb comparte adicciones y un mísero alojamiento en Estambul con un amigo que pinta. Harry quiere ser escritor, y para ello rellena cuadernos con frases interminables en un intento de emular a sus ídolos de la generación beat. Tras ser detenido y expulsado del país, regresa a una Alemania en plena efervescencia política y cultural: surgen las primeras comunas, se ocupan casas, nacen revistas, y Harry participa de todo ello, aunque solo sea para ligar y tener un techo. Mientras intenta publicar su primera novela y sobrevive a base de trabajos insulsos o precarios, únicamente encuentra sosiego frente a la máquina de escribir o en las tabernas de barrio donde se reúne «la sociedad sin clases de los bebedores de toda condición». Publicada originalmente hace más de cuarenta años e inédita hasta ahora en castellano, Materia prima es una novela de culto que bebe de la experiencia vital de su controvertido autor, un espíritu libre que desafió al establishment literario alemán.

Considerado el padre del realismo ruso y a la vez el precursor más genial del absurdo moderno, Nikolái Gógol (1809-1852) dinamitó las convenciones literarias del siglo xix. Su obra es el puente fundamental por el que transitaron después autores como Dostoievski, Bulgákov o el propio Kafka. Esta edición –que reúne la totalidad de su narrativa breve abarca desde el folclore colorista y demoníaco de sus primeros ciclos ucranianos (Veladas en el caserío cerca de Dikanka y Mírgorod), hasta las alucinadas estampas urbanas de sus relatos petersburgueses. El lector encontrará aquí obras maestras universales como «Tarás Bulba», «La Avenida Nevski», «La nariz» o «Diario de un loco», junto a piezas imprescindibles como «El retrato» o «El Vii» –donde el terror y la sátira se dan la mano–, así como una sección dedicada a todos aquellos textos dispersos o inconclusos, voluntaria o involuntariamente, a su muerte. La escritura de Gógol, capaz de transitar en un mismo párrafo de la risa incontenible al horror existencial, disecciona la burocracia, la corrupción moral y la pequeñez humana con una agudeza visual sin precedentes. Gógol es el inventor de un realismo grotesco donde lo sobrenatural irrumpe con naturalidad en la grisura cotidiana, y este es un volumen esencial para comprender el origen de la literatura moderna.

El miembro fantasma es la amputación que permanece como dolor y como presencia. ¿Se trata de un dolor imaginario? No, es real. Los personajes de estos cuentos cargan con lo perdido. Dolores que quedan enquistados, latiendo sordamente en el ámbito más íntimo; que permanecen alojados en la memoria de las familias, los amantes, las amistades; que se inscriben en la historia de una nación herida. En ese universo, las adicciones, las huidas o los desapegos son la anestesia para lo que no se puede soportar o borrar: porque algunos fantasmas no se ven, deambulan dentro de nosotros.

Una historia sobre la dificultad de hacerse un lugar cuando no se nace con uno. Desde que ganó un concurso de dibujo en segundo de primaria, Anna ha sabido que tener un talento es también cargar con una promesa: la de no decepcionar. Ese primer premio, un maletín de rotuladores, se convirtió súbitamente en la obligación autoimpuesta de pintar siempre mejor, de superar aquel listón. Por eso, cuando, ya treintañera, le ofrecen una oportunidad que podría catalizar su carrera como artista plástica, algo dentro de ella se rompe.La llamada de Maria Manzoni, la galerista más importante del país y figura de gran relevancia en el coleccionismo privado de arte contemporáneo, desencadena una profunda crisis creativa y existencial. Anna se enfrenta entonces no solo a la presión del mercado, sino al recuerdo de una infancia atravesada por el rechazo y la culpa, a una amistad fundacional que se resquebraja y a la sospecha de que tal vez haya traicionado algo importante por el camino.La boca llena de trigo es la historia de una niña prodigio convertida ahora en una mujer atrapada en un lienzo en blanco. Una historia sobre el azar, sobre la tensión entre libertad y obediencia, sobre el deseo de ser honesta con lo que una es y con lo que arrastra. Una reflexión en torno a la autoexigencia, la impostura y la precariedad emocional y económica que debe afrontar quien trata de abrirse paso en un mundo todavía anclado a la ficción de la meritocracia.Con una escritura plástica, irónica y afilada, Mayte Gómez Molina debuta en la narrativa de la mano de una novela profundamente íntima en la que el vértigo de ser vista y el miedo a no estar a la altura se convierten en una apuesta radical por el cuidado, a una misma y a los demás, como forma de resistencia. Una novela en la que el arte no es un tema, sino una herida: lo que duele, lo que salva, lo que nos une.

Tras quedar huérfano de madre, Moisés vive con su padre y su hermana Luzia en Tapera do Paraguaçu, una aldea cuyas tierras son propiedad de la Iglesia, que posee allí un monasterio desde el siglo xvii. Todos los hermanos se han marchado en busca de una vida mejor, pero Luzia se ve obligada a quedarse para cuidar de su padre y del niño. A pesar de cargar con el estigma de unos presuntos poderes sobrenaturales, lleva una vida de profundo sentir religioso, trabajando como lavandera del monasterio y educando rigurosamente a Moisés con el objetivo de matricularlo en el colegio de los curas y garantizarle la educación que ninguno de ellos pudo tener. Sin embargo, la vida en este colegio marcará al niño de tal manera que acabará abandonando su hogar inesperadamente. Varios años después, tras un grave suceso que sirve de pretexto para que toda la familia se reúna, Moisés se reencuentra con Luzia, una Luzia arrepentida de sus silencios y herida por las mentiras, pero también combativa, que lucha como nunca contra las injusticias y por la posesión de la tierra de sus antepasados.

En lo pequeño y lo insignificante: ahí es donde se esconde la vida, ahí es donde construye su nido. Nuestro narrador padece un extraño síndrome: sufre de empatía patológica, es capaz de adentrarse sin permiso en los recuerdos de los demás. Así, viaja de un recuerdo a otro, desde una feria rural búlgara en 1925 —donde conoce a un minotauro— hasta el interior de la mente de una babosa que es devorada por su propio abuelo. A partir de esa materia insólita, Gueorgui Gospodínov construye en Física de la tristeza un prodigioso laberinto donde la memoria personal se funde con la historia colectiva. En parte relato de madurez, en parte crónica familiar y en parte reflexión sobre la vida en la Europa del siglo XX, la novela salta de época en época y de identidad en identidad, trazando un mapa de pérdidas, migraciones y nostalgias. Física de la tristeza es un raro artefacto literario —a la vez íntimo y panorámico— que redefine la novela como museo de voces. Esta nueva edición celebra la energía polifónica de un texto que confirma a Gospodínov como una de las voces más singulares e imprescindibles de la narrativa europea. Una novela-laberinto sobre la memoria, la melancolía y el asombro. CRÍTICA «Imposible dejar de leerlo.» —The New York Times «Sobre la desintegración, los finales y la futilidad de la vida cotidiana.» —Al Majalla «Gospodinov ha conseguido capturar la más profunda esencia de la tristeza.» —Andrés Seoane,El Cultural «Absolutamente original.» —Alberto Manguel «La de Gospodínov es la literatura más exquisita sobre nuestra percepción del paso del tiempo, escrita con un estilo magistral y totalmente imprevisible..» —Olga Tokarczuk «Un humorista de la desesperaciónque se aleja de las tierras de lo convencional.» —Neue Zürcher Zeitung «Gospodínov entiende sus obras como un arca de Noé en la que conviven en armonía “especies” distintas, llámense absurdo, fábula, lo onírico, lo poético, lo cotidiano o lo metaliterario.» —Marta Rebón, La Lectura «Es uno de los narradores más fascinantes e insustituibles de Europa.» —Dave Eggers

T.E.D. Klein (Nueva York, 1947) fue de niño un ávido lector de revistas pulp y, ya en la adolescencia, descubrió la obra de Lovecraft y cayó totalmente hechizado por su mundo fantástico y terrible. En los primeros ochenta fue editor jefe de Rod Sherling’s Twilight Zone Magazine y en 1984 publicó su primera y única novela, The Ceremonies, que fue recibida con auténtico entusiasmo por críticos, aficionados y colegas como Stephen King o Ramsey Campbell. Klein se convirtió entonces en un autor de culto, a pesar de que su estilo y temáticas, influido por autores como Machen o M.R. James, iban a contracorriente de las tendencias imperantes del género. En 2012 fue galardonado con el premio Grand Master de la World Horror Convention a toda su carrera. El presente volumen reúne las dos únicas colecciones de relatos publicadas por Klein hasta la fecha: Dioses oscuros (1985) e Historias reconfortantes (2006). Relatos como “Hijos del Reino”, una narración en primera persona con guiños a los Mitos de Cthulhu, “Petey”, que transcurre durante una fiesta en una casa de campo rodeada por un bosque que oculta un secreto insospechado, “Los incidentes en la granja Poroth”, en la que un profesor que se retira al campo para escribir siente cómo su sosiego se ve alterado con una serie de episodios cada vez más inquietantes, o “El fin de Nat Crumley”, un relato ingenioso y retorcido en torno a la figura del doble y del asesino en serie psicópata convertido en estrella mediática, son historias que proponen un retorno a los miedos y terrores cósmicos, arcanos y esotéricos de Lovecraft y Machen pero rehuyendo los tópicos argumentales y efectismos del género.

Greta García (Solo quería bailar, 11.000 ejemplares vendidos) vuelve con su humor mordaz y mucho que decir sobre el trauma padre-hija en este libro ilustrado. Mi padre dibuja. Yo escribo. Él lleva años en horizontal. Sin salir de casa. De pronto se me ocurre que podríamos hacer un libro. Decido que se llame Muere, papá, como si se tratara de un juego. Fantaseo con su muerte. Si escribo sobre sus miedos, quizá los exorcize, me digo. Así, mi padre resurgirá del viscolátex con una columna vertebral espigada y unos abdominales nuevos, con actitud zen y una luz emanando por los poros, cual figura santa. Pero pasan los días y dudo. ¿Y si he invocado lo contrario? ¿Y si de tanto recrearme lo he matado? Sería de un morbo repugnante. Pornografía familiar. Hay gente que no sabe hasta dónde es mi persona y hasta dónde el personaje. El problema es que yo tampoco lo sé. Greta García, autora de la novela Solo quería bailar, vuelve incisiva y mordaz con este libro ilustrado por su padre, el artista José Toro, en el que se adentra en las tinieblas de la familia. «Un padre singular. Una hija que escribe sin filtros. Un libro que mezcla humor, traumas existenciales, amor filial y memes internos. Muere, papá es autoficción experimental con una voz propia, descarada, estrafalaria y tierna a la vez, acompañada por ilustraciones del propio padre. Vorágine doméstica convertida en ARTE». —Joaquín Reyes «Greta García vuelve siendo más ella, más multidimensional, compleja, juguetona, ácida, irónica y profunda. Nos invita a jugar con la idea preconcebida de las jerarquías de poder con ese lenguaje tan suyo que atrapa porque es verdadero». —Brenda Navarro «Nunca el trauma padre-hija fue más divertido». —Kiko Amat «Esto es lo que pasa cuando un padre dibuja y una hija escribe con un humor más negro que mi corazón. Un libro que se bebe». —Violeta Niebla

*En la longlist del International Booker Prize 2026 por su edición en inglés* *National Book Award a mejor obra traducida 2025* *Premio Sor Juana Inés de la Cruz 2024* *Premio Fundación Medifé Filba 2024* *Premio Ciutat de Barcelona 2023* EN LA LISTA DE LOS MEJORES LIBROS DEL AÑO SEGÚN BABELIA Abordaje lírico e irreverente del personaje histórico de la Monja Alférez, que nació en España como niña en 1592 y se sumó travestida como varón a la Conquista de América. «Tan aguda, tan urgente, tan valiente. Gabriela Cabezón Cámara es una de las voces más auténticas escribiendo en español en este momento, y de todos sus talentos hay uno cada día más difícil: no solo hurga y desafía, no solo se anima a la oscuridad, sino que entrega a cambio la subversiva valentía de pensarnos más humanos, más vivos y luminosos que nunca». Samanta Schweblin Para cumplirle a su Virgen del naranjel —lo ha salvado de la horca— Antonio huye con dos niñas famélicas. En la selva, tan viva como un animal hecho de muchos, comienza una carta a su tía, priora del convento del que escapó siendo novicia. Arriero, tendero, soldado, grumete y paje, ha empuñado la espada y hundido la daga. Ahora debe cuidar de una manada y de Michi y Mitãkuña, que lo interrumpen una y otra vez con sus preguntas difíciles. La autora encuentra en Catalina de Erauso, la legendaria Monja Alférez, quien narre la cruel destrucción de América y le permita avanzar contra los géneros. Donde la avaricia colonial destruye, esta novela monumental funda una nueva gramática amorosa en la que el cine de Miyazaki, los rezos en latín, las canciones en vasco y las palabras del guaraní rompen la métrica del Siglo de Oro.Reseñas: «Las niñas del naranjel es una lectura exigente, hay crueldad, sexo y sangre, retuerce el lenguaje y la tradición y ahonda en el sentimiento de soledad del ser humano, además de explorar temas como el género o la colonización de América. [...]. Cabezón Cámara ha escrito una crónica de Indias desde el futuro». Aloma Rodríguez, El Mundo«Las niñas del naranjel es, sin embargo, una novela de una enorme belleza, tanto que en algunos momentos pensé que habría que poner fragmentos en un marco y colgarlos en alguna sala de arte». Patricia Kolesnicov, Infobae «Es una de las más interesantes voces de la literatura argentina actual. Con su nueva novela, Las niñas del naranjel, Gabriela Cabezón Cámera demuestra su calidad como narradora con una historia inspirada en la aventura de Catalina de Erauso, la conocida como Monja Alférez, uno de los pocos personajes femeninos que dio el Siglo de Oro». Víctor Fernández, La Razón «La escritura de Gabriela Cabezón es única en la lengua española: un latido intrépido que nos cimbra y nos desarma ante el poder mudo, a la vez tremendo e inocente, de la selva y las criaturas que retrata». Fernanda Melchor«La poética cautivante de Cabezón Cámara nos demuestra cómo experimentar con la historia puede ser a la vez mágico y áspero». The New York Times «La escritura queer en su momento más emocionante». The Times Literary Supplement

Una serpiente en Alemdag es uno de los libros más irreverentes de la literatura turca; en él, Sait Faik se enfrenta contra el orden establecido retratando los fragmentos no asimilados de la sociedad turca. Organizado como un compendio de narraciones breves, publicado el mismo año de la muerte del autor, convoca a los personajes más diversos: provincianos ridículos pero entrañables, mujeres disolutas y madres de familia, pescadores griegos, proxenetas de Estambul, peces moribundos y gaviotas. Y a la manera de Fellini, como el pintor que en sus últimos cuadros ya no se preocupa por los contornos definidos, sino que expone en su máximo esplendor el color, el movimiento y la cadencia visual, Sait Faik despliega su pequeño mundo de perdedores como un espectáculo abigarrado y fascinante. Un libro de corte surrealista donde las imágenes impresionistas conquistan la narración, asistiendo así a una liberación en la que la pulsión creadora se abre paso rompiendo las tradiciones y los tabúes.

En el corazón de la vieja Europa, entre los palacios de Viena, las sombras espectrales de las iglesias y los laboratorios alquímicos de Praga, el joven Francis Galston nos narra su encuentro con Manfred Macmillen, un aristócrata errante, dandi refinado y adepto de las ciencias ocultas obsesionado con la figura del mítico Cagliostro. A través de una prosa delicada y envolvente, Jirí Karásek desafía los límites de la razón y del arte para sumergirnos en un universo donde la belleza se confunde con la locura, el amor con la posesión y la magia con la desesperación, sirviéndose de la ficción literaria como vehículo para explorar con lucidez filosófica el amor entre iguales, la mística medieval y la identidad nacional checa. Esta primera novela del ciclo La historia de tres magos es un canto gótico y decadente a la imaginación, el deseo y la fatalidad.

La aparición de Humus, (que conoció tres ediciones diferentes, hasta que el autor publicó la versión definitiva en 1926), dejó al descubierto un nuevo espacio en la historia de la ficción portuguesa. La radical originalidad de la obra rompió las estructuras narrativas tradicionales, hasta desdibujar las fronteras entre la poesía y la narrativa. Esta ruptura permite en el texto la convivencia de lo onírico y lo fantasmagórico, junto a historias de un realismo crudo, cercano a la herencia naturalista del autor. Llena de pasajes de gran profundidad filosófica y poética, la obra, escrita bajo la forma de un diario fragmentado, toma como espacio central una villa sin nombre. Este lugar, que representa toda la escala social y existencial de lo humano, será el escenario que pueblen distintos personajes. Entre figuras desdibujadas hasta lo grotesco, detenidas por costumbres e imperativos morales absurdos, se erige una voz fundamental: la de Gabiru, dispuesto a descender hasta lo más profundo de la conciencia humana, para llegar al humus existencial que media entre la vida y la muerte. De esta forma, el autor realiza su búsqueda en los espacios que quedan entre los ángulos opuestos de la existencia, ya que, tal como se afirma en el libro: «El mundo está hecho de dolor -la vida está hecha de ternura».

Este compendio de narraciones breves, encuadrado en la corriente del diabolismo búlgaro, se adentra en las simas de la subjetividad explorando la desintegración de la personalidad, el miedo a lo desconocido, la tensión erótica, los estados límite de conciencia y el conflicto del individuo entre el bien y el mal. A diferencia del realismo socialmente comprometido, se centra en la subjetividad y en el mundo interior de los personajes; a menudo explorándolos a través de sueños, alucinaciones o dilemas morales. El diabolismo estuvo muy influenciado por el pensamiento de Nietzsche, Schopenhauer y Freud, el expresionismo europeo y el romanticismo alemán, tomando como referentes a autores como E. T. A. Hoffmann y Edgar Allan Poe. Gueorgui Ráichev fue uno de los pioneros del diabolismo en Bulgaria y, aunque el movimiento fue breve, tuvo una influencia fundamental en el desarrollo de la prosa psicológica y moderna del país. El movimiento amplió los límites de la literatura búlgara, abriéndola a las inquietudes culturales europeas y planteando interrogantes sobre las dimensiones más oscuras del alma.

Este volumen reúne por primera vez en castellano la prosa completa de Na Hye-sok, pionera del feminismo coreano. Sus cuentos, desde «Kyeonghee» hasta «Madre e hija», abordan la emancipación femenina y la tensión entre tradición y modernidad. Una obra esencial para comprender el feminismo y la literatura coreana del siglo, que refleja un mundo donde amor y dolor se confunden con rebeldía y ternura.

El adolescente Glafkos llega con su tía a la casa de campo de sus padres fallecidos, donde no veraneaba desde su infancia. Lo que iba a ser un estío tranquilo para recuperarse de una crisis nerviosa deviene, lentamente, un viaje a una madurez precoz forzada por un amor no correspondido. Viaje con Venus ocupa un lugar particular en la producción narrativa de Ánguelos Terzakis. Novela de formación, combina la ternura con la gracia narrativa, el lirismo con la escritura austera e insinuante, elementos que colocaron a Terzakis entre los grandes novelistas griegos del siglo xx y, en especial, de la generación del 30, equivalente a la generación del 27 española.

Pabellón nueve de cirugía es la obra más laureada de Peyami Safa, ocupando un lugar preferente en la literatura turca por ser la primera novela que logró adentrarse en el laberinto del alma humana. Fue publicada en 1930 aunque la acción se sitúa en 1915. El protagonista de la novela, un joven asediado por el sufrimiento físico, acudirá a innumerables médicos para encontrar la cura de su dolencia, una enfermedad crónica que le impide llevar la vida normal de los muchachos de su edad. Su enfermedad será a la vez un camino que le conducirá por los vericuetos del sufrimiento, el amor y la esperanza. La novela, que tiene claros tintes autobiográficos, ofrece una singularísima descripción de la psicología humana llevada hasta el límite de lo soportable.

Bulgaria en el preludio de la Segunda Guerra Mundial. Un grupo de jóvenes bohemios y alcoholizados trata de orientarse errando de taberna en taberna. Víctor es un gandul cuyos padres no saben qué hacer para reconducir su vida. Una noche va a una fiesta y acaba hechizado por el atractivo de Grígori, un muchacho alto y esbelto que hipnotiza a quienes lo miran con su forma de bailar y su elegante figura. Víctor se integra en el grupo de amigos de Grígori, pero este pronto es hospitalizado por tuberculosis. Tania y Nikolái, una pareja con idas y venidas, sumergen a Víctor en los antros más excéntricos de la noche sofiota. Grígori sale pronto del sanatorio y el grupo de amigos continúa sus andanzas por las calles, parques y tabernas de la ciudad, tratando de dilucidar sus sentimientos. Ojos que lloran es una novela con tintes autobiográficos donde, por primera vez, el sentimiento homoerótico logra materializarse con esplendor en la literatura búlgara. Una narración donde abundan imágenes y descripciones en las que el silencio, los gatos callejeros, la lluvia, las farolas y la intensidad del color azul trasladan al lector a la decadente vida nocturna de la ciudad y sus tabernas repletas de prostitutas, conciertos improvisados y ebrias trifulcas. El poeta búlgaro Aleksándar Vutimski logra retratar, con una prosa excelsa y alambicada, la compleja naturaleza de las relaciones humanas.

Publicada en 1937 y jamás traducida a lengua alguna hasta ahora, La ciudad violeta devino un clásico fundacional de la novela ateniense que marcó época. La obra se erige en testimonio de una Atenas que perdió el aspecto de ciudad idílica de principios de siglo para tornarse en una cosmópolis moderna donde los problemas del hombre contemporáneo comenzaban a recomponer la vida misma. Con esta maravilla, Terzakis transmitió a la posteridad el encanto del tiempo perdido y la nostalgia melancólica de lo que pudo haber sido y, efectivamente, fue. Terzakis, influido por Dostoyevski, Nietzsche y Freud, llevó al máximo de sus consecuencias el leitmotiv de la Generación del 30, que es a Grecia lo que la Generación del 27 es a España: una modernidad literaria radical que culminó en un progreso creativo de dimensiones históricas. En 1954 Terzakis estrenó Peripecia nocturna, la versión cinematográfica de la novela, con música del celebérrimo Manos Jatzidakis, y en 1975 se produjo una serie televisiva que llegó a contar con treinta y seis episodios.