Una biografía imprescindible para todos los fans de los Rolling Stones. El interés sobre la figura de Mick Jagger probablemente se ha incrementado tras la aparición de las memorias de Keith Richards y también tras la reciente reedición del mítico álbum de 1978, Some girls. Se trata de una biografía amena y bien documentada, centrada en la carrera de Jagger como artista, en el nacimiento de los Rolling Stones, sus influencias musicales, el proceso de creación de sus canciones, así como en algunos aspectos de su vida privada y de su relación con los músicos que han pasado por la banda.

Un vampiro del rock. Orfeo de vuelta entre los vivos tras una épica estancia en el infierno. Contra todo pronóstico, una leyenda viviente. Su singladura vital traza un descarnado recorrido por los tugurios y guaridas más infectas de Melbourne, Londres y Berlín, donde ejercitábanse los adictos al arte de la esgrima intravenosa, enhebrando a un tiempo el relato de su formación y su incontestable consagración como uno de los grandes creadores de la cultura contemporánea. Cantante, cantautor, compositor de bandas sonoras, guionista, novelista y poeta, Nick Cave cuenta con un destacado lugar entre los artistas más carismáticos, reverenciados y singulares de las últimas tres décadas. Esta antología de entrevistas inéditas no sólo desgrana las andanzas de tan excéntrico creador sino que presenta aspectos desconocidos e igualmente fascinantes del proceso creador del artista y de su poliédrica personalidad.

Desde las columnas de Melody Maker, The Wire, Spin, Rolling Stone, y en cada uno de sus libros publicados, Simon Reynolds se propuso deconstruir el discurso del pop sometiéndolo a una disección ideológica que sin embargo no le ha impedido abandonarse a sus placeres. Su mayor logro deconstructivo es haber eludido las dos grandes metodologías analíticas de la crítica de rock (el 'lirocentrismo' y la interpretación sociológica) para focalizarse en la materialidad sonora y considerar las políticas del sonido implicadas en las distintas estrategias compositivas del pop. La suspensión del lenguaje en el noise, las regresiones oceánico-místicas del acid-rock, la preponderancia de la tríada timbre/textura/cromatismo por sobre la melodía y el mensaje en el post-rock y la música electrónica conforman un continuum psicodélico que recorre la historia del pop y que manifiesta la fascinación de Reynolds por las cualidades extáticas de la música, su potencia alucinatoria de disolución del ego y de las estructuras de poder que se alojan en la mente. Junto con estos aspectos sonoros y de manera complementaria, cuestiones como el fascismo de la imagen en Madonna, el dog fight y la esquizofrenia paranoica del hip hop, la atracción del postpunk por la cultura negra, los modos de sociabilidad implicados en la cultura rave y la función de la interfase tecnología-droga en el desarrollo de la música permiten a Reynolds indagar en la economía política del pop y las políticas de clase, raza y género que esconde. En su primera traducción al español, los textos seleccionados en este volumen recorren las principales líneas de reflexión del crítico de rock de habla inglesa más importante de los últimos veinte años y sus inquietudes actuales respecto del futuro de la música, en un contexto en el que las posibilidades de las nuevas tecnologías ha transformado sus potrones de producción, circulación y recepción para siempre.

Esta es una historia del flamenco para todos los públicos, contada en el sentido más razonable, por inteligible: del hoy al ayer. Una visión global y actualizada sobre lo que se sabe del género llamado flamenco en sus diferentes facetas, y que dista mucho de todo lo publicado hasta el momento. Los creadores, el cante, sus músicas y sus coplas, el baile y el toque, la guitarra? sin olvidar el piano, el cajón o las castañuelas, la flamencología, la discografía, dramaturgias, concursos, festivales y demás elementos que han contribuido al desarrollo de este arte. En definitiva, un manual enciclopédico del flamenco, arte andaluz que nació con vocación universal. PREMIO DE INVESTIGACIÓN FESTIVAL INTERNACIONAL DE CANTE DE LAS MINAS PREMIO "FLAMENCO HOY" DE LOS CRÍTICOS NACIONALES DE FLAMENCO PREMIO DE LOS LECTORES DeFlamenco.com EDICIÓN TOTALMENTE ACTUALIZADA

La rebeldía y el flamenco no siempre han ido de la mano, pero obviar en la historia del flamenco la importancia del pensamiento crítico y la acción política es eliminar de un plumazo lo que siempre se quiere quitar de la Historia: el compromiso del arte p

Este libro, cuya primera edición apareció en forma anónima y es atribuido a Esther Meynell, nos presenta una imagen exacta, humana y psicológica de la vida y obra de Juan Sebastián Bach. Nos da a conocer al Bach hombre en su vida cotidiana: la disciplina del artista, sus alegrías, sus sinsabores así como las fuerzas materiales y espirituales que impulsaron a este hombre tierno, apasionado y vital, en su destino y en su obra, y que afloraron a la superficie en una sublime armonía.

Esta edición ofrece al fin la posibilidad de explorar en inglés y en castellano el inabarcable universo creado por la imaginación poética de Dylan: su temeridad verbal, su sarcasmo, su lirismo y, sobrevolando por encima de todo, su omnívora mirada.

Pasará mucho tiempo antes de que otra biografía coseche tan encendidos elogios como los obtenidos por esta obra definitiva (el adjetivo no es por una vez hiperbólico) sobre la fulgurante ascensión y la apoteósica decadencia de un cantante ya instalado en la mitología popular contemporánea. Basten dos muestras extraídas del New York Times: «Un triunfo del arte biográfico [...] un libro profundo y conmovedor» (Stephen Wright); «hagamos un poco de ruido [...] la mejor biografía jamás escrita sobre una estrella del rock» (Gerald Marzorati). Incluso el huraño Bob Dylan ha abandonado su guarida para unirse al coro de apologistas: «[Elvis] parece salir de estas páginas, notamos cómo respira; este libro anula todos los demás». Tras una meticulosa investigación, Pete Guralnick afronta las luces y las sombras de Elvis para devolvernos a la persona silenciada por su máscara y rescatar la realidad sepultada bajo el templo de la idolatría. Guralnick no juzga ni declama: se limita a mostrar los hechos con apasionado rigor o con piadosa objetividad sin caer jamás ni en la crueldad exhibicionista ni en el sentimentalismo devoto. El resultado es un retrato magistral del individuo y de la sociedad que lo elevó a los abismos del trono.

«Moriré a los setenta porque después sólo hay dolor»; y, en efecto, a esa edad se apagó en el sur de Francia la turbulenta vida de una mujer que conoció la gloria y la humillación, la dicha, la violencia y, desde luego, también el dolor. Nacida en el Sur norteamericano cuando arreciaba la Gran Depresión, Eunice Waymon fue una niña prodigio que soñaba con ser la primera gran concertista negra de música clásica, pero un exquisito conservatorio neoyorquino le cerró las puertas (tal vez, como ella pensaba, por el color de su piel): ese rechazo la condujo en 1954 hasta el piano de un garito donde empezó a interpretar lo que su devotísima madre llamaba «música del diablo» y nosotros conocemos como jazz. Para encubrir tan singular pecado adoptó entonces un nuevo nombre que rendía homenaje a su admirada Simone Signoret. Así vino al mundo Nina Simone. Después llegarían los vaivenes entre el cielo y el infierno, los amores ardientes y los maridos abyectos, las sonoras protestas y las rabias calladas, los comportamientos erráticos, los exilios y las reacciones paranoicas... Fue un mito, pero también una bruja africana engañada y rota que nunca agachó la cabeza, ni siquiera cuando el personaje que había construido se desmoronaba poco a poco, combate tras combate. De Carolina del Norte a Nueva York, de Barbados a Liberia, de Ginebra a Ámsterdam, de Aix-en-Provence a Carry-le-Rouet, la existencia de Nina Simone fue una larga búsqueda de la serenidad que nunca le sería otorgada. Esta obra es un intento de comprender las muchas paradojas de aquella sacerdotisa que con voz desgarrada cantaba «please don't let me be misunderstood». Y lo consigue.

¿Qué es el tango? Negro, de arrabal y de las clases marginadas; indecoroso por su origen portuario y orillero, surge de una heterogénea mezcla de inmigrantes europeos llenos de esperanza que llegaron por oleadas a las orillas del Río de la Plata, y que allí convivieron con ex-esclavos negros y con ex-soldados y gauchos pobres llegados del campo en busca de trabajo. El tango rioplatense prosperó así en lugares de mala nota, bailes de soldados, cafetines de suburbios y prostíbulos. Al principio, comenzó a ser bailado solo por hombres, por falta de mujeres. Después se asentó en los lupanares y enseguida, al danzar, escenificó el deseo, el encuentro erótico, mientras sus letras ofrecían una visión escéptica de la vida, en la que el amor es fuerza irracional, fuego, nutriente, locura, hechizo y embriaguez, olvido, desengaño, y la relación amorosa es volátil, paraíso artificial, juego, dominación y lucha. Muestra de filosofía popular, el tango alcanzó una dimensión universal, que aún hoy perdura.

En la edición digital que adjuntamos al libro, el lector encontrará una aplicación interactiva para navegar por sus 33 videos y 18 archivos flash. Se abre con una simulación de vuelo sobre el camino del siglo XVI entre Málaga y Sevilla tal como lo docume

Greil Marcus ha escrito la biografía de una canción mítica. Grabada el 16 de junio de 1965, «Like a Rolling Stone» se incorporó inmediatamente a la iconografía de su época, y con tanta fuerza que varias décadas después sigue evadiendo los zarpazos del tiempo. Los músicos reunidos en el estudio deambularon por una veintena de pruebas baldías persiguiendo algo inasible que sólo atraparon durante la cuarta toma del segundo día. Habían dado inopinadamente en el clavo, y ahí quedó una versión que nadie ha mejorado, ni siquiera el proteico Dylan con sus veleidosas interpretaciones. El itinerario de Dylan como cantante folk y la prelatura que le habían asignado como «voz de su generación» llegaban entonces a un callejón sin aparente salida: el nuevo paisaje que los Beatles y otros grupos habían diseñado representaba para él un desafío y un llamamiento. Marcus evoca en estas páginas la atmósfera cordial y ferozmente competitiva en que se movían los astros de la música hacia 1965 (año, conviene recordarlo, sacudido también por conmociones como «Help!» o «Satisfaction»): Dylan vibraba en ese medio, absorbía todas las influencias, reaccionaba a todos los estímulos y supo destilar la energía, la rabia y la ansiedad que lo embargaban en una composición de seis minutos que cuarenta y cinco años después permanece como un hito imborrable en la memoria (no sólo musical) del hombre contemporáneo. Aquí se narra la aventura de esa canción. Primeras reseñas «Su obra crítica es, seguramente, la más imaginativa entre las realizadas hoy día, pero hay más que eso: es una luz en un tiempo oscuro.» Luc Sante, New York Magazine «Una aproximación esencial a la historia viva del rock.» Rolling Stone «Greil Marcus, crítico de formidable erudición y escritor de envidiable maestría, ha construido sobre los cimientos del rock y a lo largo de tres décadas su propia escuela de estudios norteamericanos. [...] Su libro es una hazaña no menor que la propia canción de Dylan.» Los Angeles Times «Magistral, hipnótica e inacabada, la canción merece hasta la última coma del minucioso examen que Marcus le dedica con una pasión tan elocuente como infecciosa. [...] Una lectura ineludible para quien quiera aproximarse a la vitriólica obra maestra de Dylan.» The Nation «Marcus posee el armamento de un crítico (un formidable conocimiento del arte, la literatura, el cine o la política) y el instinto de un poeta [...]. Nos ha suministrado un libro mucho más refrescante y provocador de lo que podría esperarse de un sujeto con sesenta años a cuestas hablando sobre una grabación de cuarenta y cinco años atrás.» London Independent «Impregnado con el vertiginoso ímpetu primario del rocanrol [...], este libro es tan valioso como las Crónicas del propio Dylan [...]. Marcus atiza el fuego de Like a Rolling Stone.» London Times «El genio de Marcus consiste en conducir al lector por ese mítico y pantanoso latigazo. Aunque el mundo de "Like a Rolling Stone" ya no sea el nuestro, Marcus nunca cede a la tentación de apagar un fenómeno tan rico e intemporal con respuestas inmaculadas o conclusiones muertas.» Mojo «El complemento perfecto de Crónicas [...]. Que la lectura de este libro sea tan gratificante acredita el inmenso talento de Marcus como crítico de rock.» Montreal Gazette «El relato de Greil Marcus es una variante de la libertad que él halla en la canción. De acuerdo con esa versión, la vengativa filípica del narrador se convierte en la más electrizante y agresiva de las epopeyas: la historia de una América que se inventa a sí misma.» New York Observer «Una perspectiva deslumbrante [...]. Su visión acústica de «Like a Rolling Stone» nos obliga a apreciar la ya añeja canción con oídos nuevos.» Alan Light, New York Times Book Review

La singladura vital de Ray Charles (1930 - 2004) es, sin duda, una de las más extraordinarias de cuantas surcan el panteón de los grades mitos de la música popular afroamericana. En Brother Ray es el propio artista quien, conversando con David Ritz, desgrana, con su característica y desinhibida energía,la crónica de su peripecia vital. Relato que arranca con los trágicos recuerdos de su accidentada infancia, sus primeros tientos profesionales, y se centra en el largo y tortuoso camino que recorre hasta su consagración como uno de los grandes de la música popular de todos los tiempos; sin soslayar algunos de los episodios más oscuros de su vida -como la adicción a la heroína y sus siempre difíciles relaciones con las mujeres-. Una pobreza turbadora, la ceguera, la pérdida de los suyos y el abrasivo e inmisericorde racismo de la época confieren a la personalidad del artista una serie de rasgos que marcarán el desarrollo de su carrera profesional y la estructura de su carácter. Con todo, Ray Charles fue aclamado mundialmente como uno de los grandes genios de música norteamericana a los 32 años. Al combinar intuitiva y caprichosamente el gospel con el jazz, el blues y el country, dio con los ingredientes de lo que acabaría por conformar, y denominarse posteriormente, música soul. A lo largo de una carrera profesional que se prolongaría durante más de medio siglo, Ray Charles siempre mantuvo las riendas de su vida personal y profesional bajo su control, sin consentir ningún tipo de injerencia o de consejo sobre lo que debía hacer o dejar de hacer con su carrera artística, y menos aún con su propia vida. Tal como rezaba la reseña del Chicago Sun-Times, Brother Ray es un relato no exento de "cierta candidez, rebosa sinceridad, en ocasiones se antoja incluso vergonzoso y sonrojante, pero es con frecuencia muy hilarante, de una envolvente calidez, muy conmovedor y profundamente humano, como su música". David Ritz es un autor de éxito, cuyas obras se han basado en las vidas de leyendas del soul como Etta James, The Neville Brothers, Smokey Robinson o Aretha Franklin. Ha publicado Faith in Time: The Life of Jimmy Scott y Divided Soul: The Life of Marvin Gaye, entre otros. Actualmente vive en Los Ángeles.

En junio de 2007 se cumplió el cuadragésimo aniversario del álbum Sgt. Pepper`s Lonely Hearts Club Band, para muchos la obra cumbre de los Beatles y, de acuerdo con buena parte de la crítica especializada, el disco de rock-pop más influyente de todos los

Contrapunto analítico y, en cierto modo, necesario a la brillante, pero un tanto errática y fragmentaria, autobiografía que escribiera el trompetista, de la mano de Quincy Troupe; proporcionándonos una equilibrada y muy amena relectura de la vida y obra de uno de los grandes íconos de la cultura y el arte del siglo XX. La edición revisada de este exhaustivo ejercicio de investigación -que ve la luz, por primera vez, en lengua castellana, en esta edición especial-, aporta nuevas y muy enriquecedoras aproximaciones a la vida y sin par carrera del más revolucionario e infatigable renovador del Jazz. Carr abunda, con profundidad y erudición encomiables, en multitud de detalles y aspectos de la obra del artista que trascienden el ámbito de la mera investigación biográfica, y que no escapan a su aguda percepción como músico, para deleitarnos con una minuciosa reconstrucción de las extraordinarias e innovadoras propuestas y estilos que se suceden en su obra desde mediados de los 50; para retomar el hilo argumental de la biografía en el punto en el que el irreductible trompetista resurge, de nuevo, de las cenizas, protagonizando un épico retorno a los escenarios y a los estudios de grabación, y sacudiendo de nuevo los cimientos de todo cuanto los más ortodoxos y dogmáticos músicos, críticos y aficionados consideraban irrenunciable e intocable en el jazz, sin temor a embarcarse en nuevas experiencias y a colaborar con las nuevas generaciones de músicos de jazz que le acompañan en los últimos años de su carrera. Carr ha mantenido reveladoras conversaciones con quienes conocieron mejor a Miles y su música - Bill Evans, Joe Zawinul, Keith Jarrett, Jack DeJohnette-, y, para esta nueva edición, se entrevistó también con Ron Carter, Max Roach, John Scofield y muchos otros colaboradores. Obra de consulta imprescindible para quienes deseen conocer al hombre, su obra y buena parte de la historia del jazz. Ian Carr nació en Escocia y se graduó en el King's Collage de Newcastle. Es, además de un excelente y reputado músico, uno de los periodistas y críticos de mayor renombre en el Reino Unido, donde colabora regularmente con BBC Radio 3 y escribe también para BBC Music Magazine. Es el autor de Music Outside (1973) y de ketty Jarrett, The Man and his Music (1991), de próxima aparición en esta colección, también en nueva edición revisada.

Hurgando hace un par de años en sus archivos, el fotógrafo Barry Feinstein exhumó un manojo de fotografías tomadas en Hollywood a principios de los años sesenta. Junto a ellas yacían veintitrés poemas compuestos en 1964 por su amigo Bob Dylan como glosa o complemento de esas imágenes. «Era el manuscrito perdido: todos lo habían olvidado», explicaría Feinstein. Tan perdido estaba, al menos en los laberintos de la memoria, que el propio autor no recordaba haberlo escrito. Las fotos retratan con desolada frialdad, a veces con afable ironía, el ocaso de una época («dorada» según la adjetivación canónica). Hay estrellas dentro o fuera del plató, pero el objetivo las contempla como si se hubieran caído del cielo. Hay también aspirantes al estrellato, idólatras, maniquíes, decorados ya inútiles y lugares intensamente deshabitados: una explanada vacía reservada a los coches del «talento», la piscina de Marylin el día de su muerte con dos peluches luctuosos que permanecen sobre el césped como las camisas aún colgadas en el armario de un muerto. Los versos se atienen a la partitura del desconcierto lírico que Dylan forjaba por aquellas fechas, una poética de la arbitrariedad (o sea, del libre arbitrio) que le permitía sacudir metáforas rigurosamente aleatorias, oraciones estrictamente agramaticales, neologismos inclementes, puntuaciones feroces, hermetismos, equívocos, juegos o jugarretas de palabras, pasajes narrativos, sarcasmos, penas, cariños, bromas, vulgaridades, anécdotas privadas, alusiones literarias o cinematográficas (cómo no), maneras del blues, tonos de balada e influencias líquidas o gaseosas (aunque la de Ginsberg era entonces bastante sólida). Los poemas, en fin, son Dylan sin banda sonora, Dylan en un formidable estado impuro.

Bob Marley grabó los temas que formarían parte de Exodus en Londres durante los meses de enero y febrero de 1977 tras un intento de asesinato del que había escapado con heridas leves. El álbum salió a la calle el 3 de junio y provocó de inmediato una avalancha de elogios entusiastas que lo elevaron hasta cimas casi legendarias de las que hasta ahora no ha descendido (basta decir que, en 1999, la revista Time lo designó "mejor álbum del siglo XX"). Muchos colaboradores y amigos de Bob Marley han aportado su contribución a este libro ilustrado concebido como homenaje a una de las figuras más revolucionarias e influyentes de la música popular. Admirado por los Rolling Stones y los Beatles, con sus canciones interpretadas por Eric Clapton o Stevie Wonder, la sombra de Marley se ha proyectado sobre generaciones enteras de músicos. Y Exodus, un disco aparecido cuando el cantante era ya un icono profético e incluso un mesías para su pueblo, es Marley en estado puro y en la cumbre de su creatividad.

De acuerdo con el crítico Steve Voce, « Charlie Parker fue tal vez el genio más ingobernable desde Van Gogh. Los flagelados por el ciclón de su vida podían estar seguros de padecer cualquiera de las calamidades situadas entre la consternación y la muerte, aunque algunos afortunados lograran escapar con lesiones menos graves. [...] La palabra "pantagruélico" podría haberse inventado para calificar sus apetitos: todo lo llevaba al extremo, ya fuera la música, las drogas, la comida o el sexo». Y sin embargo, quienes lo amaron, admiraron y sufrieron no conseguirían recordarlo sin nostalgia: aquel endiablado torbellino, aquel desvarío filarmónico, aquel monstruo, había sido demasiado bello para alojar el rencor en la memoria. La memoria que recorre estas páginas. Charles Parker Jr. murió derrotado por la explosiva intensidad de su propia existencia mientras veía la televisión en el apartamento neoyorquino de la baronesa Nica de Koenigswarter. Sólo tenía treinta y cuatro años, y durante los diez anteriores había revolucionado el jazz con su saxo alto y la valiosa colaboración de individuos como Miles Davis, Charles Mingus, Dizzy Gillespie o Thelonius Monk. Fue este último quien supo definir el programa y el espíritu de aquel disturbio mediante esta declaración de malas intenciones: «queríamos hacer una música que ellos no pudieran tocar». «Ellos» eran los músicos blancos que ocupaban las ondas y los escenarios con el amable swing de sus grandes orquestas. Bird se fue de este mundo con el cuerpo vencido, pero había ganado la batalla del bebop, una victoria cuyas notas nunca han dejado de sonar desde entonces. Y esa batalla lo convirtió en el icono del artista hechizado por sus propios demonios e inmolado en el altar de la energía creadora, en el santo casi fantasmal venerado por los poetas de la generación beat, Julio Cortázar, Jean-Michel Basquiat o Clint Eastwood. Este libro, originalmente publicado en 1962, es la historia de Charlie Parker contada por sus colegas, familiares y amigos, incluidas las celebridades arriba citadas. A través de esos testimonios (siempre cálidos, a veces cómicos, con frecuencia dramáticos) emerge la figura de un ser humano tan contradictorio como cautivador y el aire de un período mítico en la historia del jazz.