Contrapunto analítico y, en cierto modo, necesario a la brillante, pero un tanto errática y fragmentaria, autobiografía que escribiera el trompetista, de la mano de Quincy Troupe; proporcionándonos una equilibrada y muy amena relectura de la vida y obra de uno de los grandes íconos de la cultura y el arte del siglo XX. La edición revisada de este exhaustivo ejercicio de investigación -que ve la luz, por primera vez, en lengua castellana, en esta edición especial-, aporta nuevas y muy enriquecedoras aproximaciones a la vida y sin par carrera del más revolucionario e infatigable renovador del Jazz. Carr abunda, con profundidad y erudición encomiables, en multitud de detalles y aspectos de la obra del artista que trascienden el ámbito de la mera investigación biográfica, y que no escapan a su aguda percepción como músico, para deleitarnos con una minuciosa reconstrucción de las extraordinarias e innovadoras propuestas y estilos que se suceden en su obra desde mediados de los 50; para retomar el hilo argumental de la biografía en el punto en el que el irreductible trompetista resurge, de nuevo, de las cenizas, protagonizando un épico retorno a los escenarios y a los estudios de grabación, y sacudiendo de nuevo los cimientos de todo cuanto los más ortodoxos y dogmáticos músicos, críticos y aficionados consideraban irrenunciable e intocable en el jazz, sin temor a embarcarse en nuevas experiencias y a colaborar con las nuevas generaciones de músicos de jazz que le acompañan en los últimos años de su carrera. Carr ha mantenido reveladoras conversaciones con quienes conocieron mejor a Miles y su música - Bill Evans, Joe Zawinul, Keith Jarrett, Jack DeJohnette-, y, para esta nueva edición, se entrevistó también con Ron Carter, Max Roach, John Scofield y muchos otros colaboradores. Obra de consulta imprescindible para quienes deseen conocer al hombre, su obra y buena parte de la historia del jazz. Ian Carr nació en Escocia y se graduó en el King's Collage de Newcastle. Es, además de un excelente y reputado músico, uno de los periodistas y críticos de mayor renombre en el Reino Unido, donde colabora regularmente con BBC Radio 3 y escribe también para BBC Music Magazine. Es el autor de Music Outside (1973) y de ketty Jarrett, The Man and his Music (1991), de próxima aparición en esta colección, también en nueva edición revisada.

Hurgando hace un par de años en sus archivos, el fotógrafo Barry Feinstein exhumó un manojo de fotografías tomadas en Hollywood a principios de los años sesenta. Junto a ellas yacían veintitrés poemas compuestos en 1964 por su amigo Bob Dylan como glosa o complemento de esas imágenes. «Era el manuscrito perdido: todos lo habían olvidado», explicaría Feinstein. Tan perdido estaba, al menos en los laberintos de la memoria, que el propio autor no recordaba haberlo escrito. Las fotos retratan con desolada frialdad, a veces con afable ironía, el ocaso de una época («dorada» según la adjetivación canónica). Hay estrellas dentro o fuera del plató, pero el objetivo las contempla como si se hubieran caído del cielo. Hay también aspirantes al estrellato, idólatras, maniquíes, decorados ya inútiles y lugares intensamente deshabitados: una explanada vacía reservada a los coches del «talento», la piscina de Marylin el día de su muerte con dos peluches luctuosos que permanecen sobre el césped como las camisas aún colgadas en el armario de un muerto. Los versos se atienen a la partitura del desconcierto lírico que Dylan forjaba por aquellas fechas, una poética de la arbitrariedad (o sea, del libre arbitrio) que le permitía sacudir metáforas rigurosamente aleatorias, oraciones estrictamente agramaticales, neologismos inclementes, puntuaciones feroces, hermetismos, equívocos, juegos o jugarretas de palabras, pasajes narrativos, sarcasmos, penas, cariños, bromas, vulgaridades, anécdotas privadas, alusiones literarias o cinematográficas (cómo no), maneras del blues, tonos de balada e influencias líquidas o gaseosas (aunque la de Ginsberg era entonces bastante sólida). Los poemas, en fin, son Dylan sin banda sonora, Dylan en un formidable estado impuro.

Bob Marley grabó los temas que formarían parte de Exodus en Londres durante los meses de enero y febrero de 1977 tras un intento de asesinato del que había escapado con heridas leves. El álbum salió a la calle el 3 de junio y provocó de inmediato una avalancha de elogios entusiastas que lo elevaron hasta cimas casi legendarias de las que hasta ahora no ha descendido (basta decir que, en 1999, la revista Time lo designó "mejor álbum del siglo XX"). Muchos colaboradores y amigos de Bob Marley han aportado su contribución a este libro ilustrado concebido como homenaje a una de las figuras más revolucionarias e influyentes de la música popular. Admirado por los Rolling Stones y los Beatles, con sus canciones interpretadas por Eric Clapton o Stevie Wonder, la sombra de Marley se ha proyectado sobre generaciones enteras de músicos. Y Exodus, un disco aparecido cuando el cantante era ya un icono profético e incluso un mesías para su pueblo, es Marley en estado puro y en la cumbre de su creatividad.

De acuerdo con el crítico Steve Voce, « Charlie Parker fue tal vez el genio más ingobernable desde Van Gogh. Los flagelados por el ciclón de su vida podían estar seguros de padecer cualquiera de las calamidades situadas entre la consternación y la muerte, aunque algunos afortunados lograran escapar con lesiones menos graves. [...] La palabra "pantagruélico" podría haberse inventado para calificar sus apetitos: todo lo llevaba al extremo, ya fuera la música, las drogas, la comida o el sexo». Y sin embargo, quienes lo amaron, admiraron y sufrieron no conseguirían recordarlo sin nostalgia: aquel endiablado torbellino, aquel desvarío filarmónico, aquel monstruo, había sido demasiado bello para alojar el rencor en la memoria. La memoria que recorre estas páginas. Charles Parker Jr. murió derrotado por la explosiva intensidad de su propia existencia mientras veía la televisión en el apartamento neoyorquino de la baronesa Nica de Koenigswarter. Sólo tenía treinta y cuatro años, y durante los diez anteriores había revolucionado el jazz con su saxo alto y la valiosa colaboración de individuos como Miles Davis, Charles Mingus, Dizzy Gillespie o Thelonius Monk. Fue este último quien supo definir el programa y el espíritu de aquel disturbio mediante esta declaración de malas intenciones: «queríamos hacer una música que ellos no pudieran tocar». «Ellos» eran los músicos blancos que ocupaban las ondas y los escenarios con el amable swing de sus grandes orquestas. Bird se fue de este mundo con el cuerpo vencido, pero había ganado la batalla del bebop, una victoria cuyas notas nunca han dejado de sonar desde entonces. Y esa batalla lo convirtió en el icono del artista hechizado por sus propios demonios e inmolado en el altar de la energía creadora, en el santo casi fantasmal venerado por los poetas de la generación beat, Julio Cortázar, Jean-Michel Basquiat o Clint Eastwood. Este libro, originalmente publicado en 1962, es la historia de Charlie Parker contada por sus colegas, familiares y amigos, incluidas las celebridades arriba citadas. A través de esos testimonios (siempre cálidos, a veces cómicos, con frecuencia dramáticos) emerge la figura de un ser humano tan contradictorio como cautivador y el aire de un período mítico en la historia del jazz.

«Este libro es un retrato asombrosamente vívido del proceso creativo, tanto el del artista como el de quienes trabajan bajo su sombra o contra ella. [...] Pasará de mano en mano.» Luc Sante ¿Por qué John Coltrane continúa siendo objeto de piadosa veneración cuarenta años después de su muerte? ¿Qué hay en sus grupos, sus composiciones o sus piezas improvisadas para que tantos músicos y tantos oyentes sigan colgados de esas notas? ¿Cuál fue su papel en la historia del jazz y, más allá, en la de Estados Unidos? ¿Es posible que surja hoy otro Coltrane (es decir, otro mesías) o la pregunta carece de sentido? El prestigioso crítico Ben Ratliff aborda ésas y otras cuestiones recorriendo la trayectoria del saxofonista desde sus primeras actuaciones con una olvidada banda de la marina hasta los discos grabados a las puertas de la muerte, cuando ya lo envolvía un halo de santidad. Durante la década anterior había ido hilvanando una prodigiosa sucesión de hitos (y mitos) musicales en una búsqueda casi religiosa de la perfección. A esos años dedica Ratliff buena parte de su artillería. La segunda parte de este libro contiene otra historia, la del legado e influencia de Coltrane, que se inicia ya a mediados de los cincuenta y se manifiesta en las extremadas reacciones de compañeros, expertos y aficionados. ¿Por qué Coltrane ocupa tanto espacio en la identidad del jazz? Ratliff acomete la respuesta entendiendo que la fuerza de aquella música (fuerza técnica, compositiva, conceptual o sencillamente sonora) sólo es explicable situando el jazz junto a las demás expresiones artísticas dentro de la historia social norteamericana y colocando a Coltrane no sólo entre sus colegas, sino también entre los grandes creadores de su época. Y eso hace. Primeras reseñas «Ben Ratliff resucita lúcidamente una época volátil, a veces cuestionando con agudeza las ideas recibidas, pero prestando siempre atención a las aventuras y desventuras de los músicos.» Geoffrey O'Brien «Un análisis formidable que captura con palabras bien escogidas el carisma de Coltrane, la emoción de su búsqueda y la importancia excepcional de su legado sin rendirse jamás a esas efusiones verbales tan comunes en los libros de jazz.» Phillip Lopate

Este es un libro sobre música pop. Todo aquel que no sea fan de ésta entra aquí por su cuenta y riesgoUn paseo del autor por las canciones de su vida.Las canciones son el eje alrededor del cual gira todo, y el nexo de unión entre las diversas historias (ficticias o no) que se cuentan. El libro no pretende ser ensayístico ni autobiográfico en cada uno de los caminos que va tomando, así que el autor puede permitirse incorporar narrativa, diálogos, listas, y lo que se le vaya ocurriendo graciosamente. También tienen cabida situaciones cotidianas. Estas pueden ser similares en tono y contenido a la serie de columnas que al autor realizó para La Vanguardia y Catorcephenia. Es decir, basarse en la misma línea temática: la relación del autor y sus canciones con otra persona, en este caso su mujer, que aparecería regularmente en cada capítulo, incluso situando la acción en el momento de escribir el libro.

«Bon Scott fue tal vez la escoria andante más entrañable que jamás haya deambulado entre sus paisanos. Clinton Walker traza una espléndida semblanza no solo del hombre aquí escrutado, sino también de cuanto se cuece en la gestación de una banda de rock», proclamaba Who Weekly cuando se lanzó Camino del infierno en Australia. La semblanza que Walker ha compuesto con los esperpénticos desvaríos de esa piltrafa refleja sin duda las luces diabólicas del personaje retratado, pero brilla también por méritos propios, tanto que ya se codea (inopinadamente) con los grandes clásicos de la rockología. Podemos decir sin exagerar que estamos ante la obra definitiva sobre la ascensión de AC/DC al estrellato y el descenso de Scott a los infiernos, sobre los años en que su carismática presencia y la visceral declamación de aquellas letras se hermanó con la imparable fuerza que irrumpía desde las cuerdas atormentadas por los hermanos Young. Fue entonces cuando cristalizó un sonido inconfundible y una nueva manera de entender el rock. Con la inestimable colaboración de quienes tuvieron el privilegio de soportar al biografiado y el ornamento de un material fotográfico apenas conocido, Walker reconstruye la sonora epopeya de la banda siguiendo las peripecias vitales del cantante desde su (no demasiado) tierna niñez en la Escocia que también fue cuna de los díscolos Young. El éxodo proletario a los confines de un imperio extinguido nos regalaría, con el tiempo, el nacimiento de la dureza por antonomasia en una Australia aún mecida por las brisas melódicas del pop. A finales de los setenta, el vendaval de la canalla acabó con la calma y con el orden establecido. Pero Bon Scott no pudo saborear las mieles del triunfo porque en 1980 murió a manos de su antojo. Una pena y un nuevo mito.

Este ensayo se propone analizar los elementos que componen la estructura de la vida humana, teniendo en cuenta que ésta es siempre una tarea, una posibilidad abierta. La vida, convertida de ese modo en "cuestión vital", se perfila como una suerte de indagación cuyo objetivo son las formas de la racionalidad (el cómo), el sujeto del vivir (el quién) y los contenidos (el qué) que van definiendo, determinando esa vida que no se deja simplemente vivir, sino que aspira a ser conducida hacia su logro. Esta última cuestión, la de una vida lograda, añade a las anteriores preguntas aquella otra que versa sobre la verdad. ¿Qué es lo que integra la definición de una vida lograda? ¿Quién y cómo logra esa vida? ¿Qué significa ajustar o adecuar la vida a la verdad?

"Una semana en el motor de un autobús" fue la consagración de "Los Planetas". Pero, ¿cuantós obstáculos tuvieron que superar para grabarlo?¿Qué obtuvieron a cambio?y, más importante, ¿a cuánto tuvieron que renunciar? Las tensiones y dudas del grupo son la materia prima sobre la que se construirá el disco más épico y amargo de la escena alternativa española de los años 90.

Los códigos de la memoria, ese delicado mecanismo para la administración del olvido, impiden que un libro conquiste la interminable fortaleza de una vida, pero hay vidas que toman al asalto las terminables páginas de un libro, y además no dejan prisioneros. El narrador de esta historia, por ejemplo, embiste contra su propio pasado blandiendo una sinceridad tan brutal que incluso sus mentiras ejercen como auténticas delatoras de un personaje fiscalizado a la vuelta de cada esquina por los testimonios de amigos, parientes o colegas. Ese personaje es un héroe que ha dimitido de la virtud, un títere sin cabeza que exhibe sus polvos y sus lodos con la fruición de un pornógrafo, sus fechorías con el orgullo de un santo, sus chutes con la añoranza de un sibarita, sus cárceles con el realismo de un cirujano, sus disparates con la inocencia de un párvulo, sus viejos amores con la piedad de una hiena, su música con la pasión de un amante incansable y siempre perplejo... No hay pelos en la lengua.

Tal vez el jazz sea el género musical que mejor refleje la transformación de la cultura occidental a lo largo del siglo XX. Su nacimiento y desarrollo fue paralelo al de los sistemas y tecnologías de la comunicación de la modernidad. A través de los medio

Omega biografía oral el mítico disco de Enrique Morente y Lagartija Nick, firmado por Bruno Galindo y con prólogo de Santiago Auserón. Contiene una de las últimas entrevistas al legendario cantaor granadino, ya que fue en mitad de su gestación cuando murió.

Nacido en Aston, Birmingham, en 1948, Osbourne es uno de los pocos roqueros del ala dura que ha vendido más. . . de 100 millones de discos junto al mítico grupo Black Sabbath y a lo largo de su laureada carrera en solitario.. . . «Mi padre siempre me dijo

Con una vasta documentación y una prosa. que aúna la precisión del historiador y la. sensibilidad del poeta, el autor recorre la. historia del flamenco desde sus inicios,. analizando la riqueza musical y la. conflictividad social de la Baja Andalucía

La poesía del flamenco pretende ser una indagación en algunas de las letras del cante gitano-andaluz. Los textos del flamenco, que necesitan para alcanzar su plena potencialidad el instrumento de la música, constituyen algunas de las muestras más singulares de la poesía de todos los tiempos. Para el autor de este libro, las letras del flamenco alcanzan una especial dimensión en el contexto de la literatura de tipo popular. Así se ilustra con varios ejemplos. Se analiza los contenidos fundamentales de estas composiciones que, en síntesis, responden a lo que Antonio Machado llamaba universales del sentimiento. Se presta igualmente atención a los aspectos formales de este arte, es decir, al código expresivo al que se ajustan sus manifestaciones literarias. En este apartado se lleva a cabo una presentación métrica de los principales versos y estrofas que configuran la poesía flamenca así como de los principales recursos estilísticos en los distintos planos.

Asombrando a propios y extraños, Keith Richards ha escrito sus memorias: asombro porque ha podido (ya que a estas alturas nadie sospechaba que iba a conservar la vida o la lucidez suficiente para empuñar el teclado) y asombro porque ha querido (ya que los entes satánicos no suelen acudir al confesionario). El crítico Nick Kent compendia así su imagen en los años setenta: «Era el gran lord Byron; era un demente, era un depravado y era peligroso conocerlo». El aludido disiente con irónica sonrisa, otros insisten, y este libro viene a aclarar posibles malentendidos. Porque aquí se disipan varias nieblas (transfusiones, efusiones, agresiones, etc.) y se presentan finalmente los hechos que el foco de la leyenda había nublado: el uso y abuso de sustancias tonificantes o estupefacientes no adquiridas en farmacias; las variadas discrepancias con autoridades más o menos sanitarias; los encuentros, desencuentros y encontronazos con gendarmes de diferentes países; la empedernida coalición con Mick Jagger; los intermitentes, y a menudo explosivos, contubernios con personajes como Dylan, Lennon, Clapton, McCartney, Marley, Berry o Bowie, por citar a algunos de los más ruidosos; las afinidades electivas con sujetos de mucha cara o siniestra catadura; los amoríos pasajeros, las semanas de pasión y los dos amores contumaces (Anita Pallenberg y Patti Hansen); las extenuantes sesiones de grabación; la apacible vida rural en una mansión de Connecticut franqueados los umbrales de la senectud (aunque no de la madurez si consideramos las penúltimas inhalaciones); los cuentos contados por idiotas... Pero al final, más allá del ruido y la furia (que, como es de rigor, nada significan) emerge la música de los Rolling Stones, esa incesante banda sonora que acompaña nuestras convulsiones desde hace casi medio siglo.