Este libro es un viaje. A los guetos de Jamaica, en el corazón del Caribe, pero también al eco hipnótico de los tambores y los graves primigenios del África profunda. En "Bass Culture: La historia del reggae", Lloyd Bradley cuenta la apasionante historia de la música jamaicana en su contexto social, político, económico y espiritual, desde los sound systems de los años cincuenta, pasando por el ska, el rocksteady y el dub, hasta el éxito internacional de Bob Marley y el posterior nacimiento del dancehall. Más allá de documentar la evolución musical, Bradley se sumerge en una historia de Black Power, altavoces que retumban, cantantes con agujeros en los zapatos, vudú anticolonialista, ligoteo en la pista de baile, rastas antisistema, productores avariciosos, espiritualidad profunda, filrteos con el puk, malotes barriobajeros, estudios de grabación envueltos en marihuana, skinheads que bailan música negra, tejemanejes de la guerra fría, pistoleros en las chabolas, miembros de los Rolling Stones locos por el reggae, revueltas en las calles británicas, reciclaje sonoro y cultura del pueblo para el pueblo. Cargado de testimonios de los grandes del género (Prince Buster, Horace Andy, Bunny Lee, Jimmy Cliff, Lee Scratch Perry), "Bass Culture" captura en una narración narcótica la historia de una comunidad del llamado "tercer mundo" que alzó la voz para decir que no solo existían, sino que tenían ganas de dar guerra y bailar hasta el amanecer.

Hace treinta años The Smiths publicaron su primer disco, uno de los mejores álbumes de la década de los ochenta y, por qué no decirlo, de todos los tiempos. Hace treinta años que pudimos escuchar por primera vez esas vocales extrañamente moduladas al final de las frases. Hace treinta años que pudimos entender (o no) esas letras ambiguas, inquietantes, frenéticas, liberadoras. Hace treinta años, sí. Ya no hacemos fanzines fotocopiados ni compramos cintas TDK, pero seguimos escuchando a The Smiths. Porque Morrissey es sin duda uno de los músicos más originales de todos los tiempos, además de un extraordinario poeta y escritor. Porque Johnny Marr fue y sigue siendo un guitarrista legendario, y mucho más. Porque la banda poseía un ingenio enigmático y un estilo que iba incluso más allá de su música y su puesta en escena. Porque las letras de The Smiths nos hablaban de aquello que de verdad nos importaba (y nos importa) y nos proponían nuevos modos de ser. Porque los temas de The Smiths no nos llevaron finalmente al suicidio y quizás alguno nos salvó la vida (o al menos eso pensamos por un instante). Un libro sobre The Smiths, es decir, sobre la música, la política y el deseo; un libro sobre el rock, el pop y el punk (e incluso sobre el origen del indie), sobre identidades ganadas y perdidas, sobre sexo y laberintos, sobre industrialismo y poesía, sobre amores no correspondidos y acosos amorosos; un libro sobre el nihilismo y otros vicios, sobre Margaret Thatcher y otras damas infames, sobre disturbios olvidados y singles turbadores, sobre acordes con mayor contenido político que muchos mítines, sobre pasiones preinternautas que siguen regalándonos escalofríos. Un libro sobre lo que fuimos y lo que somos. Dicen por ahí que eres lo que escuchas. En ese caso, no nos parece nada mal ser The Smiths.

Fela Anikulapo-Kuti murió en 1997 por una complicación derivada del SIDA. Más de un millón de personas acudieron a rendirle el último adiós, incluidos algunos de los policías y militares que hicieron de su vida un infierno. Estimulado por las ideas de liberación del hombre negro de Malcolm X y los Black Panthers, y el Panafricanismo de Kwame Nkrumah, Fela creó un estilo musical, el Afrobeat; concibió la contracultura africana; fundo una comuna, Kalakuta Republic; un club, The Shrine; un periódico, el YAP News, y un partido político, el MOP, plataformas de propaganda de sus ideas y su lucha contra los males endémicos que azotan África: La corrupción, el colo y neocolonialismo, el Islam y el Cristianismo. Razones suficientes para que fuese considerado el Enemigo Público nº Uno y fuera perseguido, torturado, encarcelado y brutalizados amigos, mujeres y la propia madre. Fela fue un cáncer para sus detractores. Para sus seguidores, sin embargo, es un icono musical, un revolucionario, un héroe, un inagotable amante.

Si Radical sonora es el primer disco del cantante de Héroes del Silencio, Pequeño supone el arranque de la carrera de Enrique Bunbury. Sobre esta premisa, Josu Lapresa reconstruye la transformación más importante de uno de los músicos más polémicos del panorama nacional. El rock en castellano nunca se ha caracterizado por su riesgo. Por eso resulta crucial un disco como Pequeño, donde Enrique Bunbury se aparta de la fórmula de Héroes de Silencio para adentrarse en territorio desconocido. Pequeño supone, además, un desafío a la anglofilia imperante en la época, ya que señala a las claras que el sur también existe y que tenemos más que aprender de América Latina de lo que podemos enseñarle (especialmente en cuestiones de música popular). Más que un simple álbum, Pequeño es todo un estirón artístico, crucial para la carrera de Bunbury y la cristalización de su personaje.

Cien años de canción y music hall es una historia de la canción centrada en los intérpretes y las prácticas musicales. Empieza con la Restauración borbónica de 1875 y termina en 1974, año de la publicación del libro, explorando asimismo el papel de los medios de comunicación y la capacidad de resistencia, negociación, participación y apropiación del consumidor ante los productos de la industria cultural. Basada en notas biográficas, en crónicas periodísticas de época y en retazos de los mejores ensayos sobre el teatro musical, las intérpretes del cuplé o el Paralelo barcelonés, esta obra seducirá por igual al estudioso deseoso de sumergirse en la historia cultural del país, al lector interesado en descifrar las claves de la música popular y a cualquier amante de la música y de las canciones de siempre. Manuel Vázquez Montalbán (Barcelona, 1939 - Bangkok, 2003) fue novelista, poeta, periodista, gastrónomo, historiador e intelectual incansable, capaz de transformar el relato policíaco en crónica del desencanto, el fútbol en filosofía política o la cocina en pensamiento de vanguardia. Además de crear al famoso detective Carvalho, su narrativa está plagada de obras espléndidas como El pianista o Los alegres muchachos de Atzavara. Nortesur recuperó en 2010 su ensayo sobre Joan Manuel Serrat. "El tomar el rábano de la historia por las hojas del género verde y de otros géneros, tiene la ventaja (aparte la amenidad) de que así se conoce de verdad la vida, la calle, el hombre, pues los políticos ya sabemos que nos engañan, pero Cléo de Mérode, Josephine Baker y Raquel Meller nos engañan menos." Francisco Umbral "Un monumento crítico." Serge Salaün, en El cuplé (1900-1936)

Cada noche, en algún lugar del mundo, tres o cuatro músicos subirán al escenario para tocar juntos. Si la actuación tiene lugar en un club de jazz, un bar o una fiesta privada, no comenzará con una nota sino con una pregunta como esta: ¿Te sabés ´Body and

Un libro imprescindible sobre la trascendencia que ha tenido el uso de la tecnología en la música y cómo esta ha cambiado nuestra manera de escuchar y de entender lo que es la música. Este libro es la apasionante celebración de un tema al que David Byrne ha dedicado su vida: la música. Divulgativo, literario y documentado, Cómo funciona la música combina apasionantes nociones sobre la historia de la tecnología musical, anécdotas autobiográficas sobre su etapa en Talking Heads, un repaso a las corrientes musicales del siglo XX y un interesante análisis sobre el presente y el futuro de la industria musical. David Byrne muestra cómo la música ha sido siempre resultado de circunstancias culturales y de la creatividad individual. En un momento en el que muchos anuncian el fin de la industria musical, un texto tan riguroso y optimista como este es francamente necesario. La crítica ha dicho... «Fascinante.» Booklist «Extraordinario.» The Guardian «Brillante y original.» The New York Times Book Reviews «Deslumbrante.» The Onion A.V. Club «David Byrne es un tesoro viviente.» El Mundo

Desde muy joven, Giles Smith se sintió atraído por el universo del pop: por las canciones que sonaban en la radio, por los conciertos en directo que veía en la televisión, por los singles de siete pulgadas que compraba o hurtaba, por la iconografía pop, los peinados estrambóticos, las guitarras eléctricas... Empezó a comprar discos, a clasificarlos y atesorarlos, a imitar a sus ídolos, a Marc Bolan de T. Rex, sobre todo, y a tocar en grupos de escuela, mientras soñaba en convertirse en una estrella del pop. Creció en la anodina ciudad británica de Colchester, donde jamás nació músico alguno, donde lo más memorable que jamás sucedió en relación con el pop es la anécdota apócrifa que cuenta que los Beatles se detuvieron a comprar caramelos en una tienda de ultramarinos de camino a un concierto. Su amor por el pop le llevó a tocar, tras un errático periplo juvenil en bandas amateur que nadie contrataba, en los Cleaners from Venus, un grupo que nunca llegó a nada y que, a pesar de lograr fichar para RCA en Alemania, no trascendió. Pero grabaron un disco, que, a la postre, es lo que cuenta. Un disco cuya grabación se hizo en un tugurio con un equipamiento técnico lamentable y donde el grupo a veces pernoctaba. Pero nada importaba. Solo el disco. Grabar un disco... Esta es la historia de un fracaso y de un amor indeleble. Con un humor finísimo, Smith evoca sus sueños de juventud, los grupos en los que tocó, los discos que escuchó y coleccionó, los años en los que, en definitiva, desarrolló una pasión inextinguible por la música popular y su cultura.

La leyenda cuenta que «Nada es verdad, todo está permitido» fueron las últimas palabras que pronunció antes morir Hassan-i Sabbah, mítico líder de la antigua y oscura secta de Los Asesinos. William Burroughs, obsesionado con éste, aseguró que la frase era una contraseña mágica: «Se dice que un iniciado que desee conocer la respuesta a cualquier pregunta -afirmó en una de sus obras- sólo necesita repetir estas palabras cuando se duerme y la respuesta llegará en un sueño». A comienzos de los años noventa, el escritor seguía considerando a Sabbah como uno de sus mentores. Su escandalosa vida y la radicalidad de toda su obra lo habían convertido en un símbolo para rebeldes y anarquistas, llegando a ser uno de los precursores ideológicos del movimiento punk. Entonces, el mundo se rendía ante Nirvana, considerada la última gran banda de rock and roll y Kurt Cobain, su cantante, el profeta de una nueva generación. Tras la muerte del cantante, ocultas entre cientos de páginas y cuadernos manuscritos, aparecieron cuatro hermosas fotografías en las que se le veía paseando en compañía de Burroughs. Cada una de las fotografías, hasta entonces desconocidas, contaban su propia historia. También encerraban un misterio. Habían sido tomadas en octubre de 1993, cuando Cobain cumplió su gran sueño: visitar a Burroughs, su mayor héroe y una de sus más importantes influencias. En Nada es verdad, todo está permitido. El día que Kurt Cobain conoció a William Burroughs, desfilan viejos cantantes de blues como Son House, Robert Johnson o Skip James, junto a la permanente sombra del gran Leadbelly, el legendario ladrón Jack Black, la historia del forajido William Quantrill o la figura de los falsos predicadores. El libro es un recorrido por una parte importante del siglo veinte, centrándose en las conexiones entre dos de sus principales héroes (Burroughs y Cobain) e indagando en la relación entre música y subversión, arte y rebelión. En sus páginas, escritores outsiders, músicos y artistas oscuros, comparten un mismo fuego y bailan en torno a la figura de Burroughs, quien parece hablarles, como si fuesen ellos los destinatarios de la dedicatoria incluida en Ciudades de la noche roja: «A todos los escribas y artistas y practicantes de la magia a través de los cuales se han manifestado estos espectros... NADA ES VERDAD. TODO ESTÁ PERMITIDO». Alpha Decay publica Nada es verdad, todo está permitido coincidiendo con la fecha en que se cumplen cien años del nacimiento de Burroughs y veinte años de la trágica muerte de Cobain.

Patricia Godes, testigo desde la fila cero, realiza un minucioso trabajo de análisis y hemeroteca para alumbrar aquellos años. Rompiendo el relato oficial, nos regala una cáustica crónica del período con "Grandes éxitos" como hilo conductor. Bajo la apariencia de himnos escapistas, los estribillos de Lps Pegamoides son el reflejo de un momento crucial de la juventud española, utilizada para fines propagandísticos. El texto resuelve varios misterios: ¿Quiénes tocaron realmente en el disco? ¿Qué tipo de modernidad proponían? ¿Rompió dogmas la Movida o simplemente los sustituyó por otros nuevos? ¿En qué medida es reaccionaria y en cuál emancipadora la figura de Alaska? ¿Cómo ha conseguido sobrevivir y consagrarse cuando tenía todas las papeletas para acabar mal? Un libro crucial para entender la juerga juvenil más mediática de la historia, conocida por su nombre científico de la Movida.

La mayoría de los hechos que se cuentan en este libro se concentran entre 1984 y 1988. Y sus protagonistas repiten a menudo, ya sea para recordar a Kortatu o para situar al grupo en su contexto político y social, que en aquellos años "todo iba muy rápido". El punk en el sentido amplio -tal y como se utiliza el término en este texto- es el vehículo perfecto para capturar este tipo de períodos turbulentos. El estado de las cosas es un disco electrizante por donde pasean los fantasmas de la Reconversión industrial, el terrorismo de Estado y los triunfos de la contracultura. A ritmo de punk, ska, hardcore, reggae y dub, la juventud empezó a disfrutar de un enfoque político (y un estilo de vida) muy distinto al de sus padres. Las letras de Kortatu, un relato alternativo de la Transición, fueron la banda sonora de esa red cultural formada por radios libres, centros sociales okupados y boletines de contrainformación. Nada menos que el magma político que mantuvo viva a la izquierda alernativa hasta el estallido del 15M.

Título clave del reciente periodismo cultural, "Señores del caos" va mucho más allá de la mera crónica musical para ofrecer un completo y exhaustivo retrato periodístico que toca por igual cultura y crimen, sociología y crónica negra, ocultismo y religión. Moynihan y Søderlind desmenuzan al detalle la historia del black metal noruego, analizando tanto sus raíces musicales, políticas y sociales como sus consecuencias artísticas, éticas y criminales, reflejando no sólo el aspecto más sensacionalista y salvaje del movimiento sino también su lado más elegante y apasionado: la lucha a vida o muerte de unos pocos pero dedicados jóvenes dispuestos a elevarse por encima de la mediocridad y la complacencia imperante a su alrededor, aunque fuese desde el extremismo. "Señores del caos" es fruto de años de trabajo dedicados al estudio del movimiento black metal, y el cuidado y la atención aportados por los autores queda patente en su esfuerzo por plasmar las contradicciones y diferencias que anidan tanto en en el estado del bienestar de una de las democracias más estables, seguras y acomodadas del mundo como dentro de la propia escena musical alternativa, desmontando el simplista retrato ofrecido por la prensa sensacionalista. Para Moynihan y Søderlind, el mundillo del black metal aporta reflexiones legítimas sobre el arte, la ética y la política, pero nunca pierden de vista lo extraños que pueden llegar a ser sus habitantes. Más allá de las fantasías de satanismo, neopaganismo y nacionalsocialismo, más allá de la quema de iglesias medievales y de la deriva hacia delitos más graves que acabarían dando triste fama al fenómeno, "Señores del caos" es por encima de todo un trabajo periodístico de primer orden sobre un fenómeno que a pesar de haber nacido como movimiento genuinamente marginal y underground acabó sacudiendo a todos los niveles la sociedad que lo engendró.

Partícipe de la tradición oral del punk, este libro traza la biografía de un grupo singular e irrepetible, no ya en el ámbito de la música vasca sino de toda la península Ibérica: Hertzainak. En sus páginas una orquesta polifónica de voces interpreta una larga pieza que no solo narra la historia del que fuera uno de los grupos de rock más célebres de los años ochenta y de los primeros que cantaron en euskera -lo cual ya es bastante-, sino que además dibuja el paisaje de una época que fue a la vez fascinante, fastidiosa y fecunda, y en la que surgió un movimiento musical y social que no tardó en ser etiquetado como Rock Radical Vasco. Las radios libres, los fanzines, las fiestas alternativas, las procesiones ateas, etcétera, fueron algunas de las expresiones más visibles de una época tremendamente creativa que el Orden, con todas sus herramientas (policía, política, heroína), trató de desactivar. En esos años muchos grupos de música y algunos movimientos sociales se comprometieron a muerte con su tiempo, y dejaron un poso de rebeldía, de humor, de sonidos y de mala leche difícilmente repetible. Este libro es un testimonio vivo de todo aquello.

«Nuestro grupo podría ser tu vida» («Our Band Could Be Your Life»), que toma el título de un verso de un tema de The Minutemen y está considerado unánimemente como uno de los mejores libros sobre la música rock jamás escritos, relata la trayectoria musical de trece grupos norteamericanos capitales que dieron lo mejor de sí mismos en la década de los 80. Fueron años convulsos que coincidieron con el mandato del presidente Reagan y su política conservadora y nacionalista, y que, en lo musical, dieron lugar a la particular lectura del punk británico y su consigna del «hazlo tú mismo» por parte de algunos grupos del Nuevo Continente que produjeron un sonido agresivo y a un volumen y velocidad de vértigo. Profusamente documentado a partir de entrevistas con los músicos y los principales actores de la escena musical, Azerrad narra con pulso y pasión los avatares de trece grupos cuyo sonido inauguró no solo una nueva tendencia musical que se consolidaría mundialmente con el encumbramiento de Nirvana y su álbum «Nevermind», sino también la eclosión de toda una red de sellos discográficos, distribuidoras independientes, fanzines, radios universitarias y underground, clubs, locales de conciertos y tiendas de discos, que nacieron para vehicular la urgencia generada por la nueva música. Pronto, abanderado por Black Flag, el germen del hardcore se extendió y permitió la aparición de nuevos grupos y una nueva comunidad de fans que los seguían y apoyaban en sus interminables giras. Las trece historias incluidas en este monumental libro son el relato inolvidable de cómo unos jóvenes -sin apenas conocimientos musicales pero embebidos de la energía y urgencia del punk- hicieron posible su sueño comunal de tocar en un grupo. Su periplo no estuvo exento de incomodidades y obstáculos -vivían y viajaban en condiciones muy precarias y extremas-, y algunos se arrojaron al abismo del consumo desaforado de alcohol y drogas (otros, como Minor Threat, optaron por una conducta diametralmente opuesta, el llamado «straight edge», que reivindicaba un estilo de vida «limpio» que les permitía acometer los intensos conciertos que daban). Algunos de los discos que grabaron se encuentran entre los mejores de la historia del rock, y su influencia llega hasta nuestros días. Muchos grupos desaparecieron, otros se vendieron a multinacionales, algunos de sus miembros murieron, pero su música ha pervivido. Los trece grupos, en orden de aparición, son: BLACK FLAG, THE MINUTEMEN, MISSION OF BURMA, MINOR THREAT, HÜSKER DÜ, THE REPLACEMENTS, SONIC YOUTH, BUTTHOLE SURFERS, BIG BLACK, DINOSAUR JR, FUGAZI, MUDHONEY y BEAT HAPPENING.

Aleix Vergés, DJ Sideral (Barcelona, 1973-2006), fue el emblema de una década, un faro involuntario y generacional que fraguó su leyenda a los platos del mítico club Nitsa y como líder, cantante y guitarrista del hype más clamoroso del pop español de los noventa: Peanut Pie. La estrella de Sideral afluyó en la encrucijada postolímpica, y su intuición, su talento y su influencia presenciaron el nacimiento de dos de los festivales de música de mayor envergadura planetaria: Sónar y Primavera Sound. El metro noventa y siete de Aleix rompió el techo e iluminó el camino de una generación de jóvenes hedonistas y noctámbulos; de los hijos de la democracia, la segunda residencia y el sueño dopado de la universidad. Poco a poco, los surcos del techno, la llegada de estrellas internacionales, el entusiasmo postolímpico y el desembarco masivo del éxtasis -la droga del amor- conformaron la banda sonora de una década, de la que Aleix se convertiría, muy a su pesar, en icono y estandarte. Aleix Vergés era la música y fue un pionero. Una esponja indiscriminada. Constante. Devoraba todo tipo de sonidos, y su curiosidad era infinita. Su altura y su delgadez, su insultante belleza y su irresistible magnetismo, convivieron con una personalidad quebradiza, sensible e insaciable. Aleix estaba convencido de no poder amar, de ser venenoso y de que la muerte se lo llevaría temprano. Vivió a degüello, escribió, pintó, fotografío y se bebió y rayó la vida como si siempre faltara un segundo para el final, un desenlace temprano como sus vaticinios que se consumó una noche de 2006. Tenía solo treinta y dos años y un legado gráfico, plástico y musical que incluye ochenta y cuatro mixtapes, el disco de Peanut Pie, tres discos como mezclador y su obra póstuma, «Canciones siderales», bajo el nombre de Leire. Aleix nunca compuso una canción, pintó un cuadro o escribió un poema para sí mismo: su familia, sus colegas y la gente que le apoyó fueron siempre el motivo sentimental y creativo de su existencia. Héctor Castells, amigo íntimo de Aleix Vergés, escribe una biografía, una novela generacional eléctrica e intensa, que fluye a la velocidad de las mezclas de Sideral. El libro es una crónica vibrante de una vida efímera e imparable, vista, escuchada y sentida en boca de muchas de las personas que le conocieron en vida.

De la mano de los barberos -asociados a la música popular y singularmente a la guitarra desde el siglo XVI- los autores emprenden un contundente viaje histórico-antropológico, desde 1546 hasta 1910, que les lleva a desterrar mistificaciones y tópicos arraigados en el mundo del flamenco, tanto sobre sus orígenes, su desarrollo y su plasmación final en el arte moderno que hoy conocemos. El riguroso análisis de las vinculaciones históricas de este arte con ciertos oficios, formas de vida, tipos sociales y subculturas populares, demuestra una clara continuidad entre el mundo de los jaques y rufianes del hampa andaluz del siglo XVII -con mezcolanza de moriscos, negros y gitanos-, el majismo dieciochesco y la estética flamenca que cuajará en el XIX. En ese camino no solo se desvela el papel que han jugado las barberías en este mestizaje musical, sino que se arroja novedosa luz sobre los específicos géneros de baile y música anteriores al flamenco, la interrelación de elementos populares y cultos (como la ópera), o la pérdida de centralidad del baile en detrimento del cante. Un libro imprescindible para estudiosos y aficionados al flamenco, y aun en general para todo aquellos interesados en la música y la cultura populares.

Este libro es el resultado de una peculiar iniciativa: se invitó a veintitrés destacados músicos de la escena musical independiente de nuestro país a que, partiendo de un disco que marcó sus vidas y que fue clave a la hora de determinar su vocación musical, escribieran un relato para rendirle homenaje. La forma de abordarlo era totalmente libre. El resultado es un fresco emocional intenso que incluye géneros y aproximaciones de la más diversa índole: desde relatos de ficción inspirados en el universo de los discos a memorias y recuerdos de infancia y juventud, emocionados tributos, pasajes de inspirada crítica musical, poesía, reivindicaciones de carácter político, relatos de amor, fantasmagorías, pesadillas, viajes con la música como telón de fondo... relatos, en definitiva, que trasponen el espíritu musical de sus autores a la literatura y manifiestan un amor ilimitado e inteligente hacia algunos álbumes que, por alguna razón no siempre evidente, dejaron una profunda huella cuya llama estos músicos no han dejado de difundir con sus canciones. El libro, editado por Ramón Rodríguez, alma del proyecto musical The New Raemon, incluye sus vívidas ilustraciones de las portadas de los álbumes que sirven como punto de partida al talento de los autores de esta antología. El prólogo corre a cargo del incomparable Miqui Otero. Los autores de los textos que componen este libro y los álbumes que han escogido son: Ramón Rodríguez (The New Raemon) «Sunny Day Real Estate», Sunny Day Real Estate Santi Balmes (Love of Lesbian) «Siamese Dream», The Smashing Pumpkins Nacho Vegas, «The People Who Grinned Themselves to Death», The Housemartins Fernando Alfaro (Surfin' Bichos / Chucho) «Kicking Against the Pricks», Nick Cave Maika Makovski, «Everybody's in Show-Biz - Everybody's a Star», The Kinks Lluís Gavaldà (Els Pets), «Swoon», Prefab Sprout Raül Fernández (Refree), «Appetite for Destruction», Guns N' Roses Dimas Rodríguez (La Banda Municipal del Polo Norte), «Let It Be», The Replacements Francisco Nixon, «Juan y Junior», Juan & Junior Ricardo Vicente, «The Band», The Band Martí Sales (Els Surfing Sirles), «Blood Sugar Sex Magic», Red Hot Chili Peppers Francina Ribes (Doble Pletina), «69 Love Songs», The Magnetic Fields Eduard Pou (Za! / Tarántula), «The Woman in Red», Stevie Wonder Maria Rodés, «Spice», Spice Girls Miguel Ángel Blanca (Manos de Topo), «Vulgar Display of Power», Pantera Javi Vega (Maga), «Pink Moon», Nick Drake Javier Álvarez, «The Visitors», Abba Esther Margarit (Mee and the Bees), «Enemigos de lo ajeno», El Último de la Fila Eric Fuentes (The Unfinished Sympathy), «Live After Death», Iron Maiden Julio de la Rosa, «Live from a Shark Cage», Papa M Marina Gallardo, «1967-1979 (The Blue Album)», The Beatles Abraham Boba, «Initials B.B.», Serge Gainsbourg Ricky Lavado (Standstill), «Mediterráneo», Joan Manuel Serrat