A lo largo de la década de los setenta, una joven periodista llamada Linda Kuehl entrevistó a más de 150 personas con el propósito de escribir una biografía coral de Billie Holiday. Kuehl murió en 1978, sin que esas entrevistas llegaran a ser publicadas, pero sus grabaciones sobrevivirían para acabar convirtiéndose en la materia prima de esta extraordinaria aproximación a la vida de la gran dama del jazz de los Estados Unidos. Con demasiada frecuencia, se nos presenta a Billie Holiday, de un modo simplista y sensacionalista, como una trágica víctima de sus propias excentricidades. Estas entrevistas inéditas nos ofrecen una visión mucho más profunda e íntima de su versátil personalidad: el relato de estos testimonios arranca con los recuerdos de quienes compartieron tan atormentada infancia, para desgranar posteriormente los recuerdos de quienes convivieron con ella en el Harlem de su juventud y la acompañaron en su lacerante ascenso a la fama. Amantes, proxenetas, músicos y agentes federales de narcóticos hablan acerca de cuestiones que trascienden los tópicos al uso que tanto han banalizado la contribución de esta gran artista a la música afroamericana. Kuehl complementa los testimonios y las confesiones de los entrevistados con datos obtenidos en los archivos de diversas instituciones sanitarias, transcripciones de causas judiciales, liquidaciones de royalties, listas de la compra, postales y correspondencia privada. La magnitud de esta empresa y la negativa final de los editores a publicar la obra pudieron con su salud emocional. Al poco tiempo, después de asistir a un concierto de Count Basie, la noche del 1 de enero de 1979, se quitó la vida y todo el material recopilado acabó en manos de un coleccionista. Blackburn, tras dar finalmente con el propietario de las cintas, dispuso de un solo día para poder realizar una selección del material y optó por dar voz simultáneamente a varios de los entrevistados en cada capítulo: "Quise conceder a cada uno de los entrevistados la oportunidad de expresar su opinión al respecto de las diversas cuestiones tratadas en el libro". El resultado es ciertamente asombroso y confiere a la lectura el dinamismo propio de una obra teatral. Julia Blackburn es autora de diversos ensayos y de dos obras de ficción, The Book of Color y The Leper's Companions, nominadas ambas para el Orange Prize. Su obra más reciente, Old Man Goya, obtuvo también la nomniación para el National Book Critics Circle Award. Blackburn vive entre Inglaterra e Italia.

Un libro imprescindible sobre el flamenco con 28 entrevistas, tres diccionarios de autor, más de 100 fotografías y un CD con 20 temas que abarcan un siglo de cante y toque. Entrevistas con Chano Lobato, La Paquera de Jerez, José Menese, Carmen Linares, Pilar López, Antonio Gades, Mario Maya, Sara Baras, Paco de Lucía, Tomatito, Miquel Barceló, Javier Limón y dieciséis artistas más. Fotos de René Robert, Paco Manzano, João Pina, Jerónimo Navarrete, Pepe Lamarca y Colita, entre otros. ¿Cómo perciben los flamencos su tiempo, su arte, el mundo que los rodea? ¿De dónde viene su encanto, su inseguridad, esa capacidad de fascinar al público en un instante? ¿Por qué han apasionado a Cervantes, Falla, Lorca, Picasso o Barceló? ¿Se sienten comprendidos, valorados? En este libro los artistas toman la palabra y explican el flamenco desde dentro. En la primera parte, cantaores, bailaores y guitarristas trazan, en monólogos y diálogos, sus retratos y autorretratos. La segunda parte propone una cronología del preflamenco, flamenco y antiflamenco desde Tartessos hasta Camarón. Humor y hondura, éxitos y exilios, relatos y personajes inolvidables: un libro que acercará el flamenco a todo tipo de lectores.

Miles Davis, John Coltrane, Bill Evans, Cannonball Adderley, Jimmy Cobb, Paul Chambers y Wynton Kelly grabaron en 1959 el mítico «Kind of Blue», un álbum que ha vendido millones de copias en todo el mundo desde entonces. ¿Qué sucedió en aquella intensa g

Babel, una antología de poemas, prosas y canciones, fue el primer libro publicado en España de Patti Smith «una de las pop stars y poetas más brillantemente dotadas desde Bob Dylan» (Publishers Weekly), «el primer chamán creíble del rock» (Robert Christagu). La sensibilidad de Patti Smith, según el reputado crítico Jonathan Cott en Rolling Stone, «está muy próxima a las heterodoxas, gnósticas ideas y sensaciones que aparecen en la cosmología de William Blake, al virtualismo y paranoia de Baudelaire, a las iluminaciones de Rimbaud, a las amenazadoras fantasías sexuales de Lautréamont, Bataille y Genet, sin olvidar la incalculable deuda de su programa estético con Artaud». En Babel presenciamos «el ?cine prohibido? de su mente naturalmente alucinada»; está presidido por sus obsesiones con «amor/sexo, drogas y muerte», con su «libertad para vivir intensamente». «Una obra literaria que debe mucho a los simbolistas, a Rimbaud, a los textos entrecortados de Burroughs y a los crueles monólogos de Lou Reed» (Cambio 16).

Janis Joplin habló de este modo a su amiga y colaboradora, Myra Friedman, en un bar de Nueva York, mediado agosto de 1970, sobre la biografía que Janis esperaba que Myra escribiese algún día. Esa biografía es Enterrada viva. Su muerte prematura, acaecida por una sobredosis de heroína a los 27 años, convirtió a Janis Joplin en una leyenda. Y en todas las leyendas aparecen irremediablemente falsedades. Enterrada viva escrita por esta periodista tan cercana a Janis refleja la dura verdad que la cantante conoció en su corta existencia y que quiso compartir con su público. Su vida es material ideal para una gran biografía: fue una mujer solitaria y extraordinariamente insegura, cuyo estilo de vida suicida -alcohol, drogas, deprimentes e indiscriminadas relaciones sexuales y una agotadora ambición- le proporcionó gran éxito, riqueza, felicidad momentánea y hasta la muerte. Esta es su historia descrita del modo más fiel posible. Y es también la historia de su tiempo, los locos, violentos, cargados de droga, años sesenta, a los que ella representó tan bien y de los que apenas vio el final. Enterrada viva emocionará e impresionará a aquellos que aman a Janis y a aquellos que nunca le hayan oído cantar una sola nota. Además, la versión bilingüe de sus canciones está disponible en Janis Joplin, canciones, el número 58 de esta misma colección.

Revelador, poético, apasionado e ingenioso, este primer volumen de las memorias, es una ventana fascinante a las ideas del bardo y las influencias que lo marcaron. Los prolegómenos de la crónica vital y profesional de Bob Dylan nos remontan al Greenwich Village de 1961, testigo principal de su llegada a Nueva York. De ahí parte la crónica de sus primeros tientos profesionales, cuando, recién llegado a Nueva York, merodea por el Village en pos de su destino y rememora los encuentros con todos los fascinantes personajes que marcaron los inicios de su carrera como intérprete, cantautor y compositor. Relato rico en episodios inéditos narrados con la simplicidad del discípulo que jamás ha abandonado la senda de los maestros, ni siquiera después de haber sido aclamado como el más grande. La Nueva York de los sesenta es una ciudad mágica llena de posibilidades: fiestas cargadas de humo que duran hasta el amanecer; despertares literarios; amores efímeros y amistades a prueba de fuego. Dylan alterna observaciones elegíacas con retazos de recuerdos aderezados con comentarios agudos e incisivos. Los relatos de sus incursiones a otros lugares como Nueva Orleans, Woodstock, Minesota y el Oeste convierten a Crónicas en un vívido recordatorio personal de una época irrepetible. Bob Dylan nació con el nombre de Robert Allen Zimmerman el 24 de mayo de 1941 en Duluth, Minnesota (Estados Unidos).

¿Cómo se atrapa a la máscara más esquiva del carnaval? ¿Cómo se retrata al santo más proteico del calendario? Con palabras, claro, pero nunca por mucho tiempo, ya que el bendito personaje (Bob Dylan, naturalmente) cambiará enseguida de disfraz o se bajará del altar antes de que terminemos el dibujo. De ahí que la estampa menos deficiente consista en esa figura movediza y paradójica construida por el propio cantante a lo largo de sus múltiples avatares y reflejada de forma discontinua en las treinta y una conversaciones que recoge este volumen. Van desde los primeros sesenta hasta nuestros días, y tomadas en su conjunto constituyen el mejor documento para aproximarse a la evolución permanente (y a la revolución intermitente) del hombre que hace casi cincuenta años se presentó con una guitarra y una armónica en el Village neoyorquino. Jonathan Cott ha incluido en esta ineludible antología las seis grandes entrevistas publicadas por Rolling Stone, la ya legendaria conversación con Nat Hentoff (Playboy, 1966), un mano a mano con Sam Shepard convertido por éste en diálogo teatral (Esquire, 1987) y, last but not least, la grotesca plática sostenida por el cantante con A.J. Weberman, ministro de defensa del Frente de Liberación Dylaniano (East Village Other, 1971).

A sólo tres años de su muerte, Johnny Cash (1932-2003) adquiere rango de mito universal con la película En la Cuerda Floja, basada en un crucial pasaje de su biografía. Pero la vida de una leyenda en vida como este gigante de la música country desborda los límites de cualquier aproximación fílmica o periodística, de ahí la relevancia de una obra como Cash: La Autobiografía, recuento personal desde un presente concreto -fue originalmente publicada en 1997- de las vivencias, las personas y los lugares vividos. Y no únicamente su propia vida habita estas páginas de lectura compulsiva, sino también la historia en el siglo pasado de todo un país, Estados Unidos, y sus gentes más humildes y olvidadas, que son las que forman el grueso del público consumidor de música country. Un hombre contradictorio, un enorme artista, nos da la bienvenida a su intimidad en una suerte de relajado monólogo que desmiente rumores y confiesa más verdades de las obligatorias, hasta el punto que uno cree estar escuchando directamente su profundo y resonante barítono. Pero, principalmente, la autobiografía de El Hombre de Negro proyecta amor y gratitud por la vida, una existencia llena de éxitos y pesares. Una vida digna de ser leída. Johnny Cash (1932-2003) es uno de los pilares en los que descansa la música folklórica norteamericana, y más que eso, un icono de individualismo y rebeldía, el hijo pródigo que ha visitado el infierno de la adicción a la anfetamina y vuelve a casa con el firme propósito de luchar por ser un buen esposo y padre. Descubierto a mediados de los 50 por la discográfica Sun Records de Memphis, Tennessee, Cash fue compañero de Elvis Presley y Jerry Lee Lewis, grabando canciones de éxito como ese «I Walk the Line» que sirve de título original a la película biográfica nominada a los Oscar. Fichado por Columbia, en los 60 se convertiría en toda una institución cultural de su país publicando álbumes conceptuales, himnos gospel, aclamados discos grabados en prisiones e incluso presentando su propio programa de televisión desde Nashville. Desde la satisfacciónde su recuperada fama en los 90, gracias a sus American Recordings -que ampliaron su público entre las jóvenes generaciones del rock alternativo-, Cash rememora ecuánime pasajes oscuros, otros luminosos, y hace las paces con el mundo y consigo mismo.

«Mi mayor aspiración sería ayudar a la gente a redescubrir el placer de vivir en una ciudad donde nadie te fuese dando empujones sónicos ni sonoras bofetadas, y ello como paso previo para habitar mejor el mundo», declara este músico heterodoxo que ha hecho sonar las campanas de más de ciento cincuenta ciudades del mundo. Creador de una obra en la que el papel activo del receptor juega una importancia clave, Llorenç Barber (Aielo de Malferit, Valencia, 1948) plantea en estas conversaciones -didácticas, divertidas y a menudo muy críticas- un debate largamente pendiente sobre la música contemporánea española. Su interlocutor, Chema de Francisco (Madrid, 1969) es coautor de Vanguardias y vanguardismos ante el siglo XXI, libro de conversaciones con Fernando Millán, publicado en esta misma colección. Como señala el musicólogo Rubén López Cano, la reflexión sobre la escucha es el agente fundamental de la poética de Barber, «pero no como proceso psicofisiológico, sino como verdadera aventura creativa; una poética de la escucha que pugna por elevar la audición a una de las bellas artes».

EL GRAN LIBRO DEL FLAMENCO (concebido como una historia global de este arte) constituye una monumental enciclopedia temática, que se transforma en instrumento de consulta para los estudiosos gracias a sus índices onomásticos y los apéndices sobre cancionero, vocabulario y discografía. No es, sin embargo, una agrupación aséptica y desapasionada de fechas, nombres y datos: Manuel Ríos Ruiz sazona con sus juicios e interpretaciones sus páginas, convirtiéndolas en una lectura inteligente y amena. En su primer volumen, EL GRAN LIBRO DEL FLAMENCO arranca con el largo río de la historia de este arte: desde sus orígenes... hasta nuestros días. La lectura del segundo capítulo nos lleva por los principales estilos flamencos, toná, saeta, soleá, seguiriya o los estilos llamados de ida y vuelta... Cierran el volumen los capítulos dedicados a recoger un amplio glosario de términos flamencos, una completa bibliografía y una selecta discografía del género. El segundo volumen está íntegramente centrado en las biografías y semblanzas de las grandes figuras del cante, el baile y el toque flamencos, con referencias a sus características, e ilustradas en buena parte con valiosos documentos fotográficos; las páginas finales contienen un índice onomástico y topográfico, que convierten la obra en una enciclopedia utilísima. EL GRAN LIBRO DEL FLAMENCO viene a culminar, en suma, los estudios sobre este género, y sus mil páginas revelan en profundidad el ayer y el hoy de un fenómeno artístico-musical que cada día cuenta con más seguidores en todas las latitudes.

El duende y el reloj ha sido adaptado por el coreógrafo Javier Latorre, premio Nacional de Danza, en un espectáculo flamenco que se ha estrenado en el trigésimo aniversario del Festival de la Guitarra de Córdoba 2010. Cuento original numérico-fantástico, musical y científico. Para aprender rápido cómo funcionan los juegos del compás y del jaleo, del cante y de la guitarra, del baile y de las palmas. Para aprender jugando qué es eso del flamenco. Ilustraciones y gráficos a todo color. Glosario de términos. Enlaces de interés en la red

Pocos álbumes han tenido la influencia y resonancia del clásico de 1965 de John Coltrane A Love Supreme. Ashley Kahn nos guía a través del trabajo del legendario saxofonista John Coltrane en una crónica casi minuto a minuto que además da cuenta de la biografía y de la exploración musical del artista. También incluye declaraciones inéditas de Coltrane y del bajista Jimmy Garrison, además de fotografías que ven por primera vez la luz.

El libro que tienes en las manos no es una historia del punk. La autobiografía de John Lydon, cantante de los Sex Pistols, revela más bien la idea de algo que pudo ser y no fue; los mimbres de una revolución imposible que, sin embargo, durante un instante de 1976 lograron prender en algún compartimento de la conciencia juvenil. Este libro sitúa su epicentro en esa explosión instantánea que desató el grupo británico y, describiendo una onda expansiva que pronto desvió su trayectoria gracias a la ambición o la estupidez de muchos de sus artífices, nos invita a imaginar "otro punk". Porque, más que la historia de Sex Pistols, "Rotten: No Irish, No Blacks, No Dogs" expone las instrucciones de una manera de vida, redactadas a fogonazos, con tanta aportación del cerebro como del corazón y sin un plan maestro detrás. Mientras nos seguimos preguntando año tras año qué es el punk, John Lydon prefirió responder a esta generalidad casi abstracta sin dar una respuesta. Para ello rescató de la casa de sus padres el álbum de fotos familiar y desde allí comenzó el recorrido de su particular visión de ese periodo de mediados de los setenta en que las calles de Londres se convirtieron en batallas campales, cuando no, en estrafalarios circos no aptos para niños.

Javier . Krahe nació en Madrid en 1944. Realizó . estudios en la Facultad de Económicas y trabajó durante . doce años en una Agencia de Publicidad. Se trasladó a Canadá, . donde trabajó en una librería y como porfesor d

Nick Johnstone desvela la historia de esta artista de Chicago que mezclaba la poesía, el teatro underground, el rock y el jazz y que desempeño un papel clave en la construcción de la escena punk neoyorquina a mediados de los 70. Irresistible inmersión en la vida y época de una mujer que siempre rehuyó ser encasillada, incluso por su extraordinario éxito.

En el otoño de 1975, Bob Dylan y su Rolling Thunder Revue -un espectáculo mezcla de happening y circo ambulante- recorrieron veintidós ciudades del noreste de los Estados Unidos. La detención del boxeador Huracán Carter, al parecer por motivos racistas, fue el detonante de esta gira. Ante la perplejidad de un público de provincias, una banda formada por músicos de fama mundial reinventaba la tradición musical americana, los poetas declamaban sus versos y todos los participantes subí­an al escenario disfrazados. Estaban Joni Mitchell, T-Bone Burnett, Allen Ginsberg, Mick Ronson, Joan Baez, Arlo Guthrie, Ramblin' Jack Elliot, Roger McGuinn y Muhammad Alí­. Y también Sam Shepard, quien escribió un diario de bitácora de la Rolling Thunder Revue y la vida en la carretera. Este libro, que apareció publicado por primera vez en 1977, se ha convertido en todo un clásico de la literatura-rock. «Con la Rolling Thunder Revue nos divertí­amos más de lo que permite la ley»; (del prólogo de T-Bone Burnett).