De Kaka de Luxe, Alaska, Radio Futura a Aviador Dró, Tequila o Oviformia pasando por Topo, Leño, Coz Los Secretos y muchos más. Informar y opinar sobre lo más florido de la nueva ola, es el objetivo de la obra

The Smiths, la banda que se embarcó en la gran aventura de humanizar el pop británico en los '80. A treinta años vista del comienzo de esta heroica misión, ahora surge el libro The Smiths: 15 minutos contigo. Inmersión panorámica hasta las profundidades de la fuente inspiradora en la que nadaban con brío Johnny Marr, Morrissey, Andy Rourke y Mike Joyce. Marcos Gendre nos sirve de providencial guía hasta el nacimiento y desarrollo del inimitable sonido logrado por la inmortal banda de Manchester: desde la publicación del revelador single Hand In Glove hasta el lanzamiento de Hatful Of Hollow, el recopilatorio entre recopilatorios. Entre medias, podremos viajar en el tiempo para entrar en los estudios donde se gestaron singles como This Charming Man, What Difference Does It Make?, Heaven Knows I'm Miserable Now, William, It Was Really Nothing, How Soon Is Now? y cómo no The Smiths, su LP de debut. Para tener el cuadro completo, Gendre también nos invita a asistir a las míticas sesiones de The Hand That Rocks The Cradle, el álbum que originariamente estaba pensado como debut del grupo. Volcados en una inercia imparable, en apenas año y medio, The Smiths publicaron todo ese material. La llama de la inspiración escupiendo flamaradas de genio durante 1983 y 1984. Incluso, en aquella época también tuvieron tiempo de dejar preparado Meat Is Murder para 1985. El gran punto de inflexión en la corta pero magistral andadura de The Smiths, mediante este sembrado periodo iniciático de producción musical, Morrissey y Marr escribieron uno de los capítulos más sustanciosos en el libro dedicado a los grandes momentos de la historia del pop.

Kim Gordon dio a luz a principios de los 80, junto con el que sería su marido, Thurston Moore, y el guitarrista Lee Ranaldo, a uno de los grupos más innovadores, influyentes y prolíficos de la escena musical independiente norteamericana, Sonic Youth. «La chica del grupo» es el relato en primera persona de uno de los grandes iconos femeninos del rock, una mujer que, como Patti Smith, Janis Joplin o Marianne Faithfull, supo encontrar su lugar en un mundo fundamentalmente masculino y, a menudo, sexista. Dotada de un singular talento e inquietud para lo creativo desde su temprana juventud, Kim Gordon narra en estas apasionantes memorias el devenir de una vida dedicada a la música, al arte -su obra artística, entre la pintura y la instalación, ha sido expuesta en relevantes galerías-, la moda -fue una de las creadoras de la marca X-Girl- y, en menor medida, la interpretación -ha trabajado como actriz a las órdenes de directores como Gus Van Sant, Olivier Assayas o Todd Haynes-, pero también su fecunda historia de amor con Thurston Moore. Sin embargo, la que fuera una de las parejas del rock más longevas y creativas se disolvió tras veintisiete años de matrimonio, poniendo también punto y final a la trayectoria de un grupo que marcó un antes y un después en la música alternativa de los 80 y los 90. Gordon relata con una angustia aún latente cuando descubrió que su marido la engañaba con otra mujer y cómo, después de una retahíla de engaños y mentiras, decidió separarse de él definitivamente. Kim Gordon también rememora la electrizante escena musical y artística de Nueva York y algunas de las canciones más celebradas y perdurables de Sonic Youth como «Death Valley '69», «Schizophrenia» o «Kool Thing», y recuerda con especial cariño su cálida amistad con Kurt Cobain, el líder de Nirvana. «La chica del grupo» explora de manera inteligente y crítica el punto de vista de una mujer que supo abrirse paso en un mundo donde aún hoy prevalece la testosterona, así como también las dificultades que acarrea traer una hija al mundo, conciliar la maternidad con las exigencias de la vida del rock y el arte, y la necesidad de encontrar un espacio propio donde dar rienda suelta a la libertad creativa.

El crítico Jon Savage ha reunido en este volumen las cuarenta composiciones que Curtis escribió a lo largo de una vida zanjada mediante suicido en 1980. Son textos vagamente misteriosos sobre los que planean las sombras tutelares de Kafka y las furtivas metáforas del modernismo. También asoma una realidad enconada: en ellos reconocemos el explosivo paisaje de Mánchester a finales de los setenta y la tragedia interior de un joven extraordinariamente sensible sometido al acaso de demasiadas ferias. Como complemento de esas magníficas letras se producen páginas de sus cuadernos y otros materiales que iluminan los aspectos menos patentes de este trabajo poético.

«Si crees que eres demasiado viejo para el rock ‘n' roll... ¡es que lo eres!». Así habla Ian «Lemmy» Kilmister, legendario líder de Motörhead y uno de los rockeros más incombustibles del planeta. Si hay que dar por buena la opinión de los médicos, a estas alturas Lemmy debería de estar muerto. Cinco décadas dedicadas en cuerpo y alma a la música, ganándose a pulso la fama de ser el tipo más bebedor, espídico y salidorro que haya pisado jamás un escenario, han convertido su sangre en un mejunje capaz de matar a cualquier otro ser humano. Su historia es la historia de la música rock desde sus inicios y hasta nuestros días. Lemmy huyó de su Gales natal para vivir en primera fila el estallido de la beatlemanía y tocar en conjuntos de merseybeat, soul y rhythm & blues. Fue roadie de Jimi Hendrix y miembro de grupos tan singulares como The Rocking Vicars y Sam Gopal, antes de saltar a la fama como bajista de Hawkwind. En 1975 fundó Motörhead, decanos del heavy, primos bastardos del punk y precursores del speed metal. Las formaciones de Motörhead han sufrido numerosos cambios en sus más de treinta años de historia, pero Lemmy siempre ha permanecido firmemente al timón, tanto en sus épocas de mayor éxito como en los momentos más amargos. Lemmy: la autobiografía ofrece un viaje hilarante, desenfrenado y siempre sorprendente en compañía del líder de la «banda más ruidosa del mundo». Su historia y sus opiniones, narradas en primera persona, sin prejuicios y sin pelos en la lengua.

'La mayoría de los críticos de jazz han sido hasta ahora americanos blancos, mientras que los músicos más importantes no.' Con esta frase comienza la compilación que el lector tiene en sus manos, en la que se documenta uno de los ejercicios de crítica musical más radicales y salvajes que alguna vez se haya puesto en práctica. En estos ensayos, reseñas, entrevistas, notas para discos, crónicas e impresiones personales publicados entre 1959 y 1967, Amiri Baraka retrata la floreciente escena del free jazz, un movimiento que implicó una profundización de las innovaciones sonoras del bebop y la recuperación del jazz como expresión auténtica de la cultura afroamericana en un momento en el que su éxito comercial lo había vuelto un género estandarizado y digerible para la América blanca. Figura central y aglutinante del movimiento beatnik en los años 50 y del Black Power en décadas posteriores, Amiri Baraka hace uso de un lenguaje eléctrico y furioso que refleja la libertad de improvisación del free jazz para dejar en claro que esta música solo puede ser comprendida como parte de un cuerpo de experiencias que a lo largo del siglo XX dieron forma a una nueva conciencia sobre lo que significaba ser negro en los Estados Unidos. Y que por ello sus intérpretes, entre quienes destaca a John Coltrane ('su música es una de las razones por las que el suicidio parece una cosa tan aburrida'), Ornette Coleman, Archie Shepp, Sun Ra, Thelonious Monk, Albert Ayler, Pharoah Sanders, Sonny Rollins, Don Cherry, Wayne Shorter y Cecil Taylor, deben ser considerados, además de grandes músicos, como 'intelectuales o místicos, o ambas cosas'.

Basado en cientos de entrevistas y más de diez años de investigación, Jeff Chang nos ofrece en Generación Hip-Hop una exhaustiva historia musical y cultural del hip-hop, desde sus raíces en los sound systems jamaiquinos, pasando por las guerras de pandil

La primera biografía en castellano que analiza en profundidad la carrera de Nick Cave, uno de los principales mitos del rock, y un músico de referencia. Músico de rock, compositor de bandas sonoras, escritor y actor, Nick Cave ha construido durante décadas una carrera única e inigualable. Desde sus inicios hasta la actua lidad, el autor radiografía toda la grandeza de Cave y de su inigualable banda, los Bad Seeds

Universo Morente quiere ser un punto de encuentro y diálogo en torno a la fascinante obra que nos ha dejado uno de los cantaores flamencos más importantes de todos los tiempos: Enrique Morente (Granada, 25 de diciembre de 1942-Madrid, 13 de diciembre de 2010), que fue, además, compositor, intérprete y creador. Todo un artista de los pies a la cabeza. Libre, heterodoxo, generoso, anárquico, trabajador, transgresor como nadie. Valiente, revolucionario y visionario. Dotado con el genio y el talento de los elegidos. Que, como todos los grandes, hunde sus raíces en la tradición más pura para renovarla y hacer del flamenco un arte de vanguardia, sin prejuicios ni fronteras. La presente publicación, co-editada por Tf Editores y el Patronato de la Alhambra y Generalife, recoge la exposición del mismo título comisariada por Amaranta Ariño y diseñada por Andrés Mengs. Consta de más de 400 imágenes, numerosas citas de Enrique Morente, y textos de: José Manuel Gamboa, Balbino Gutiérrez, Pedro G. Romero, José Luis Ortiz Nuevo, Miguel Mora y Antonio Pradel. Ensayos que reflexionan sobre la discografía, las coplas, la vida, la personalidad, la ética, la estética, los amigos y la familia del Maestro. Cuenta con 240 páginas en dos versiones: castellano e inglés.

ANDRÉS CALAMARO parecía tener a finales del siglo pasado un futuro brillante y plácido como estrella de rock con éxito comercial y respeto crítico. Tras el éxito de Alta suciedad, su primer disco en solitario tras Los Rodríguez, se esperaba de él otro álbum conciso y de lujoso sonido, pero las expectativas están para romperse y una serie de circunstancias (entre las que estuvo la separación de su mujer) le empujaron a un año de grabaciones kamikazes en diez estudios de tres países diferentes. El resultado fue HONESTIDAD BRUTAL, una desmesura no sólo por sus dimensiones (37 canciones) o por los palos musicales que tocaba, sino por la desnuda profundidad emocional de sus textos y lo turbulento de su gestación. Con este álbum, Calamaro ingresó de manera incontestable en el Olimpo del rock, especialmente en Argentina, cumpliendo con los mandamientos que vertebran la mitología del exceso y jugando con las leyes del reciclaje cultural y el homenaje (incluyendo una agridulce gira teloneando a su ídolo y gran influencia Bob Dylan). Obra sin parangón en el rock en castellano, Honestidad brutal supone el momento más álgido de la carrera de Andrés Calamaro y preludia excesos pantagruélicos como las 103 canciones de El salmón.