Durante la segunda mitad del siglo XX, el musicólogo e historiador Studs Terkel presentó desde Chicago un legendario programa radiofónico donde cada día suministraba a sus oyentes una variopinta dosis de productos musicales, desde composiciones clásicas y

Recordar, evocar, un necesario ejercicio para la mejor comprensión de nuestra historia en un ámbito poco atendido: los músicos que dejaron su tierra entre los siglos XVIII y XX. Circunstancias sociales, económicas y políticas determinaron desplazamientos, migraciones y exilios hacia tierras lejanas, preferentemente de América. Si bien la mayor parte de desplazamientos tienen lugar en los siglos XIX y XX, durante el XVIII hubo casos notables como fueron los de Sor o Terradellas hacia ciudades europeas, o de otros mucho menos conocidos que viajaron a las posesiones coloniales de ultramar. Ya en el siglo XIX los hay que fueron responsables de los himnos nacionales de Argentina o de México, y en torno a 1900 aumentaron las migraciones debido a las crisis sociales europeas, y al auge económico en tierras americanas, donde era posible para el músico vivir de su profesión. Amadeu Vives compuso en Barcelona en 1903 L'Emigrant, canción sobre texto de J. Verdaguer, todo un símbolo del fenómeno que comentamos. La Guerra Civil, por su parte, determinó un número importante de exiliados y emigrados que por lo general no regresaron a su tierra, y aún en nuestros días su obra suele ser muy poco conocida en España y Cataluña. Jorge de Persia, musicólogo y profesor, ha sido colaborador del CSIC y director del Archivo Manuel de Falla (Granada), y dedica especial atención a los estudios sobre el patrimonio musical español, americano y catalán. Ha publicado entre otros libros: Los últimos años de Manuel de Falla, 1993; Joaquín Turina, notas para un compositor, 1999; En torno a lo español en la música del siglo XX, 2003; Julián Bautista. Tiempos y espacios, 2005. Comparte con estas tareas dedicadas a la investigación, la crítica musical en La Vanguardia (Barcelona).

Oriol Llopis, icono de la crítica rock desde los años setenta, apostó desde sus primeros textos por un periodismo en el que lo musical se mezclaba con lo vital, fundiendo a autor y músico en un todo indisoluble. Sus artículos en revistas míticas como Star, Disco Express, Vibraciones, Rock Espezial o Ruta 66 le convirtieron en punto de referencia, pero su afición a transitar el lado salvaje de la vida le asignó un aura de misterio que él mismo decide desactivar en este singular recorrido por su existencia.

Mati & The Music, es un libro sobre las 52 pinturas de Mati Klarwein que aparecieron en portadas de discos. Este cuerpo de trabajo comenzó a mediados de los años 50 y siguió a lo largo de medio siglo. Klarwein estuvo muy involucrado en el medio artístico de Nueva York de los años 1960 y 1970. Los músicos mismos le encargaron, principalmente, pintar portadas, las más famosas son "Bitches Brew" y "Live Evil" de Miles Davis, "Abraxas" de Carlos Santana, Earth Wind and Fire, Buddy Miles, Greg Allman... También lo contrataron sellos discográficos muy importantes incluyendo Blue Note para Jackie McLean, Reuben Wilson y Douglas Records para los Last Poets, Howard Wales y Jerry Garcia... Este libro es una introducción a la obra de un pintor a través de su pasión por la música. Klarwein nació en Alemania en 1932 y se mudó a Paris en 1948 donde estudió con el pintor Fernand Leger. Fue Ernst Fuchs quien lo introdujo al arte de Dalí y Buñuel y quien además le enseñó la técnica mixta de Van Eyck y la escuela flamenca. Durante sus años en Nueva York, de 1965 en adelante, se consideró que la obra de Klarwein estaba inspirada en el surrealismo y el movimiento psicodélico del momento. A finales de los años 1970 Klarwein se mudó a Mallorca, donde vivió hasta que falleció en 2002. El artista completó muchos cuadros incluyendo los encargos de retratos famosos de políticos como JFK, artistas como Jimi Hendrix y Leonard Bernstein, actores como Brigitte Bardot y escritores como Robert Graves. También fue famoso por sus paisajes, sus naturalezas muertas y por las muchas portadas de discos que pintó incluyendo "Abraxas" de Carlos Santana y "Bitches Brew" de Miles Davis.

Por fin, la definitiva biografía de Syd Barrett, la arrolladora fuerza creativa que instiló su genial y muy particular aproximación a la composición musical a la mítica Pink Floyd. En febrero de 1972, todo parecía haberse acabado todo para Syd Barrett, miembro fundador y cerebro e impulsor de la formación original de Pink Floyd. En verano de 2006 fallecía cuando apenas contaba con 60 años. Un tipo ciertamente singular e indescifrable cuyas indelebles huellas psicodélicas perviven en la muy personal impronta que su breve andadura inflige al incipiente rock progresivo a mediados de los sesenta; música experimental que hunde sus raíces en el folk reivindicado por Joe Boyd y que se inscribe por derecho propio en el progrock en plena ebullición de la escena underground del Swingin? London de la época. Con excepcional estilo y exquisitas maneras, Rob Chapman deconstruye el reduccionista mito del lunático genio, Looney Syd the Acid Casualty [Syd el lunático caído por el ácido], con el objeto de presentarnos a un joven inquieto cuyos parámetros psicodélicos creieron con inusitada fuerza y con demasiada rapidez; fenómeno que se aceleraría con el temprano éxito que sonreiría a su álbum The Piper at the Gates of Dawn. Popularidad que iba proyectarle a las entrañas del frenético torbellino del pop que infestaba la escena musical del momento y para el que no estaba aún preparado -y que, muy posiblemente, tal nunca deseó transitar-. Aventura y sostiene Chapman que Syd tal vez no estaba hecho para las mieles de la abrumadora industria del pop rock. Quizá, al igual que un cometa, su destino en tan breve tránsito mundano tenía por cometido dejar una breve pero intensa estela a explorar por sus adláteres y coetáneos. Esa obra es la puerta de acceso a la Arcadia de este genio incomprendido, y el análisis también del genio verbal y musical de un artista cuyas incluiencias se dejarían sentir incluso en el punk, el post-punk y también en la veta más artística y experimental del Britpop. Aporta también, por primera vez, extensas entrevistas con miembros de la familia Barrett, además de destilar en sus páginas cuanto puebla la correspondencia, memorabilia y los trabajos del artista. Por fin esta obra hace reverencial justicia a la figura más excéntrica del pop británico.

El título de la primera edición en 1933, Andalucía, su comunismo y su cante jondo, que se conservó al reeditarse en 1988 por la Universidad de Cádiz, entrañaba un equívoco desafortunado. Al leer el texto queda claro que los autores se refieren de manera expresa al comunismo libertario. Pero el tema que vertebra este ensayo es el cante jondo como rasgo distintivo de la cultura andaluza, tan pródiga en manifestaciones artísticas. Carlos aportó al texto los saberes musicales del guitarrista que ya era, y Pedro lo enriqueció con sus meditadas lecturas de filósofo en cierne. Entre los dos hermanos consiguieron una prosa fresca y brillante al servicio de una gran precisión conceptual. Fue el único libro en que compartieron autoría. Carlos Caba Landa (1899-1976) colaboró en periódicos gallegos, publicó cuatro novelas y, al morir, dejó varios originales inéditos. Y Pedro Caba Landa (1900-1992) compuso una amplia obra literaria y filosófica de más de veinte títulos que abarca ensayo, novela, poesía y teatro. El prólogo y el epílogo de esta edición se deben a Rubén Caba, autor de novelas, cuentos, libros de viajes y ensayos. En el prólogo bosqueja las semblanzas de su tío y de su padre; y en el epílogo comenta La copla andaluza, ensayo de Rafael Cansinos Assens en el que, desde el capítulo VIII hasta el final, glosó el libro de Carlos y Pedro Caba Landa sin escatimarles elogios.

Una biografía imprescindible para todos los fans de los Rolling Stones. El interés sobre la figura de Mick Jagger probablemente se ha incrementado tras la aparición de las memorias de Keith Richards y también tras la reciente reedición del mítico álbum de 1978, Some girls. Se trata de una biografía amena y bien documentada, centrada en la carrera de Jagger como artista, en el nacimiento de los Rolling Stones, sus influencias musicales, el proceso de creación de sus canciones, así como en algunos aspectos de su vida privada y de su relación con los músicos que han pasado por la banda.

Un vampiro del rock. Orfeo de vuelta entre los vivos tras una épica estancia en el infierno. Contra todo pronóstico, una leyenda viviente. Su singladura vital traza un descarnado recorrido por los tugurios y guaridas más infectas de Melbourne, Londres y Berlín, donde ejercitábanse los adictos al arte de la esgrima intravenosa, enhebrando a un tiempo el relato de su formación y su incontestable consagración como uno de los grandes creadores de la cultura contemporánea. Cantante, cantautor, compositor de bandas sonoras, guionista, novelista y poeta, Nick Cave cuenta con un destacado lugar entre los artistas más carismáticos, reverenciados y singulares de las últimas tres décadas. Esta antología de entrevistas inéditas no sólo desgrana las andanzas de tan excéntrico creador sino que presenta aspectos desconocidos e igualmente fascinantes del proceso creador del artista y de su poliédrica personalidad.

Desde las columnas de Melody Maker, The Wire, Spin, Rolling Stone, y en cada uno de sus libros publicados, Simon Reynolds se propuso deconstruir el discurso del pop sometiéndolo a una disección ideológica que sin embargo no le ha impedido abandonarse a sus placeres. Su mayor logro deconstructivo es haber eludido las dos grandes metodologías analíticas de la crítica de rock (el 'lirocentrismo' y la interpretación sociológica) para focalizarse en la materialidad sonora y considerar las políticas del sonido implicadas en las distintas estrategias compositivas del pop. La suspensión del lenguaje en el noise, las regresiones oceánico-místicas del acid-rock, la preponderancia de la tríada timbre/textura/cromatismo por sobre la melodía y el mensaje en el post-rock y la música electrónica conforman un continuum psicodélico que recorre la historia del pop y que manifiesta la fascinación de Reynolds por las cualidades extáticas de la música, su potencia alucinatoria de disolución del ego y de las estructuras de poder que se alojan en la mente. Junto con estos aspectos sonoros y de manera complementaria, cuestiones como el fascismo de la imagen en Madonna, el dog fight y la esquizofrenia paranoica del hip hop, la atracción del postpunk por la cultura negra, los modos de sociabilidad implicados en la cultura rave y la función de la interfase tecnología-droga en el desarrollo de la música permiten a Reynolds indagar en la economía política del pop y las políticas de clase, raza y género que esconde. En su primera traducción al español, los textos seleccionados en este volumen recorren las principales líneas de reflexión del crítico de rock de habla inglesa más importante de los últimos veinte años y sus inquietudes actuales respecto del futuro de la música, en un contexto en el que las posibilidades de las nuevas tecnologías ha transformado sus potrones de producción, circulación y recepción para siempre.

Esta es una historia del flamenco para todos los públicos, contada en el sentido más razonable, por inteligible: del hoy al ayer. Una visión global y actualizada sobre lo que se sabe del género llamado flamenco en sus diferentes facetas, y que dista mucho de todo lo publicado hasta el momento. Los creadores, el cante, sus músicas y sus coplas, el baile y el toque, la guitarra? sin olvidar el piano, el cajón o las castañuelas, la flamencología, la discografía, dramaturgias, concursos, festivales y demás elementos que han contribuido al desarrollo de este arte. En definitiva, un manual enciclopédico del flamenco, arte andaluz que nació con vocación universal. PREMIO DE INVESTIGACIÓN FESTIVAL INTERNACIONAL DE CANTE DE LAS MINAS PREMIO "FLAMENCO HOY" DE LOS CRÍTICOS NACIONALES DE FLAMENCO PREMIO DE LOS LECTORES DeFlamenco.com EDICIÓN TOTALMENTE ACTUALIZADA

La rebeldía y el flamenco no siempre han ido de la mano, pero obviar en la historia del flamenco la importancia del pensamiento crítico y la acción política es eliminar de un plumazo lo que siempre se quiere quitar de la Historia: el compromiso del arte p

Este libro, cuya primera edición apareció en forma anónima y es atribuido a Esther Meynell, nos presenta una imagen exacta, humana y psicológica de la vida y obra de Juan Sebastián Bach. Nos da a conocer al Bach hombre en su vida cotidiana: la disciplina del artista, sus alegrías, sus sinsabores así como las fuerzas materiales y espirituales que impulsaron a este hombre tierno, apasionado y vital, en su destino y en su obra, y que afloraron a la superficie en una sublime armonía.

Esta edición ofrece al fin la posibilidad de explorar en inglés y en castellano el inabarcable universo creado por la imaginación poética de Dylan: su temeridad verbal, su sarcasmo, su lirismo y, sobrevolando por encima de todo, su omnívora mirada.

Pasará mucho tiempo antes de que otra biografía coseche tan encendidos elogios como los obtenidos por esta obra definitiva (el adjetivo no es por una vez hiperbólico) sobre la fulgurante ascensión y la apoteósica decadencia de un cantante ya instalado en la mitología popular contemporánea. Basten dos muestras extraídas del New York Times: «Un triunfo del arte biográfico [...] un libro profundo y conmovedor» (Stephen Wright); «hagamos un poco de ruido [...] la mejor biografía jamás escrita sobre una estrella del rock» (Gerald Marzorati). Incluso el huraño Bob Dylan ha abandonado su guarida para unirse al coro de apologistas: «[Elvis] parece salir de estas páginas, notamos cómo respira; este libro anula todos los demás». Tras una meticulosa investigación, Pete Guralnick afronta las luces y las sombras de Elvis para devolvernos a la persona silenciada por su máscara y rescatar la realidad sepultada bajo el templo de la idolatría. Guralnick no juzga ni declama: se limita a mostrar los hechos con apasionado rigor o con piadosa objetividad sin caer jamás ni en la crueldad exhibicionista ni en el sentimentalismo devoto. El resultado es un retrato magistral del individuo y de la sociedad que lo elevó a los abismos del trono.

«Moriré a los setenta porque después sólo hay dolor»; y, en efecto, a esa edad se apagó en el sur de Francia la turbulenta vida de una mujer que conoció la gloria y la humillación, la dicha, la violencia y, desde luego, también el dolor. Nacida en el Sur norteamericano cuando arreciaba la Gran Depresión, Eunice Waymon fue una niña prodigio que soñaba con ser la primera gran concertista negra de música clásica, pero un exquisito conservatorio neoyorquino le cerró las puertas (tal vez, como ella pensaba, por el color de su piel): ese rechazo la condujo en 1954 hasta el piano de un garito donde empezó a interpretar lo que su devotísima madre llamaba «música del diablo» y nosotros conocemos como jazz. Para encubrir tan singular pecado adoptó entonces un nuevo nombre que rendía homenaje a su admirada Simone Signoret. Así vino al mundo Nina Simone. Después llegarían los vaivenes entre el cielo y el infierno, los amores ardientes y los maridos abyectos, las sonoras protestas y las rabias calladas, los comportamientos erráticos, los exilios y las reacciones paranoicas... Fue un mito, pero también una bruja africana engañada y rota que nunca agachó la cabeza, ni siquiera cuando el personaje que había construido se desmoronaba poco a poco, combate tras combate. De Carolina del Norte a Nueva York, de Barbados a Liberia, de Ginebra a Ámsterdam, de Aix-en-Provence a Carry-le-Rouet, la existencia de Nina Simone fue una larga búsqueda de la serenidad que nunca le sería otorgada. Esta obra es un intento de comprender las muchas paradojas de aquella sacerdotisa que con voz desgarrada cantaba «please don't let me be misunderstood». Y lo consigue.

¿Qué es el tango? Negro, de arrabal y de las clases marginadas; indecoroso por su origen portuario y orillero, surge de una heterogénea mezcla de inmigrantes europeos llenos de esperanza que llegaron por oleadas a las orillas del Río de la Plata, y que allí convivieron con ex-esclavos negros y con ex-soldados y gauchos pobres llegados del campo en busca de trabajo. El tango rioplatense prosperó así en lugares de mala nota, bailes de soldados, cafetines de suburbios y prostíbulos. Al principio, comenzó a ser bailado solo por hombres, por falta de mujeres. Después se asentó en los lupanares y enseguida, al danzar, escenificó el deseo, el encuentro erótico, mientras sus letras ofrecían una visión escéptica de la vida, en la que el amor es fuerza irracional, fuego, nutriente, locura, hechizo y embriaguez, olvido, desengaño, y la relación amorosa es volátil, paraíso artificial, juego, dominación y lucha. Muestra de filosofía popular, el tango alcanzó una dimensión universal, que aún hoy perdura.

En la edición digital que adjuntamos al libro, el lector encontrará una aplicación interactiva para navegar por sus 33 videos y 18 archivos flash. Se abre con una simulación de vuelo sobre el camino del siglo XVI entre Málaga y Sevilla tal como lo docume

Greil Marcus ha escrito la biografía de una canción mítica. Grabada el 16 de junio de 1965, «Like a Rolling Stone» se incorporó inmediatamente a la iconografía de su época, y con tanta fuerza que varias décadas después sigue evadiendo los zarpazos del tiempo. Los músicos reunidos en el estudio deambularon por una veintena de pruebas baldías persiguiendo algo inasible que sólo atraparon durante la cuarta toma del segundo día. Habían dado inopinadamente en el clavo, y ahí quedó una versión que nadie ha mejorado, ni siquiera el proteico Dylan con sus veleidosas interpretaciones. El itinerario de Dylan como cantante folk y la prelatura que le habían asignado como «voz de su generación» llegaban entonces a un callejón sin aparente salida: el nuevo paisaje que los Beatles y otros grupos habían diseñado representaba para él un desafío y un llamamiento. Marcus evoca en estas páginas la atmósfera cordial y ferozmente competitiva en que se movían los astros de la música hacia 1965 (año, conviene recordarlo, sacudido también por conmociones como «Help!» o «Satisfaction»): Dylan vibraba en ese medio, absorbía todas las influencias, reaccionaba a todos los estímulos y supo destilar la energía, la rabia y la ansiedad que lo embargaban en una composición de seis minutos que cuarenta y cinco años después permanece como un hito imborrable en la memoria (no sólo musical) del hombre contemporáneo. Aquí se narra la aventura de esa canción. Primeras reseñas «Su obra crítica es, seguramente, la más imaginativa entre las realizadas hoy día, pero hay más que eso: es una luz en un tiempo oscuro.» Luc Sante, New York Magazine «Una aproximación esencial a la historia viva del rock.» Rolling Stone «Greil Marcus, crítico de formidable erudición y escritor de envidiable maestría, ha construido sobre los cimientos del rock y a lo largo de tres décadas su propia escuela de estudios norteamericanos. [...] Su libro es una hazaña no menor que la propia canción de Dylan.» Los Angeles Times «Magistral, hipnótica e inacabada, la canción merece hasta la última coma del minucioso examen que Marcus le dedica con una pasión tan elocuente como infecciosa. [...] Una lectura ineludible para quien quiera aproximarse a la vitriólica obra maestra de Dylan.» The Nation «Marcus posee el armamento de un crítico (un formidable conocimiento del arte, la literatura, el cine o la política) y el instinto de un poeta [...]. Nos ha suministrado un libro mucho más refrescante y provocador de lo que podría esperarse de un sujeto con sesenta años a cuestas hablando sobre una grabación de cuarenta y cinco años atrás.» London Independent «Impregnado con el vertiginoso ímpetu primario del rocanrol [...], este libro es tan valioso como las Crónicas del propio Dylan [...]. Marcus atiza el fuego de Like a Rolling Stone.» London Times «El genio de Marcus consiste en conducir al lector por ese mítico y pantanoso latigazo. Aunque el mundo de "Like a Rolling Stone" ya no sea el nuestro, Marcus nunca cede a la tentación de apagar un fenómeno tan rico e intemporal con respuestas inmaculadas o conclusiones muertas.» Mojo «El complemento perfecto de Crónicas [...]. Que la lectura de este libro sea tan gratificante acredita el inmenso talento de Marcus como crítico de rock.» Montreal Gazette «El relato de Greil Marcus es una variante de la libertad que él halla en la canción. De acuerdo con esa versión, la vengativa filípica del narrador se convierte en la más electrizante y agresiva de las epopeyas: la historia de una América que se inventa a sí misma.» New York Observer «Una perspectiva deslumbrante [...]. Su visión acústica de «Like a Rolling Stone» nos obliga a apreciar la ya añeja canción con oídos nuevos.» Alan Light, New York Times Book Review