Un libro donde encontramos fotografías que captan miradas, expresiones y sentimientos.

La primera gran biografía de Leonard Cohen. Cuando aún era un adolescente, Leonard Cohen se asomó un día al balcón de su casa en Montreal cerca de un parque, y oyó unos acordes de guitarra. El chico sentado en el parque tocaba flamenco y durante unos pocos días se convirtió en el primer maestro de Leonard. Desde entonces, paso a paso, Leonard Cohen ha ido forjando una carrera donde los momentos estelares se han alternado con épocas oscuras, y donde la música ha ido acompañada de la escritura. Canciones como Suzanne, So Long, Marianne o Chelsea Hotel nos han acompañado a lo largo del siglo XX y los poemas de El libro del anhelo resumen en pocas líneas emociones que no tienen fecha de caducidad. Muchos jóvenes veneran a ese hombre que en 2011 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias y a sus setenta y ocho años aun tiene fuerzas y ganas de dar la vuelta al mundo para estar cerca de su público. Cuando alguien le tacha de pesimista, Cohen sonríe y suelta una de sus frases memorables, que son una lección de vida. Revisando estas palabras, entrevistando a la gente que le es próxima, trabajando con el artista para recabar datos inéditos de su trayectoria personal y profesional, Sylvie Simmons ha reunido las piezas que componen al hombre y al artista, hasta lograr su mejor retrato. «Si queremos expresar la derrota común, procuremos hacerlo dentro de los límites estrictos de la dignidad y la belleza.» Leonard Cohen

A modo de poética musical, esta obra profundiza en el cono-cimiento de la tradición lírica popular. Santiago Auserón hace un recorrido por las escuelas y ritmos que han marcado su carrera y, como un collar de cuentas, nos lleva por la historia rítmica peninsular y la memoria de los intercambios musicales o lo que compone «nuestra» huella sonora. «Cuando llegué por primera vez a Nueva Orleans, al meter la mano en la corriente del Misisipí creí escuchar el desfile de los santos, como si hubiera metido una moneda en una vieja victrola. Me acordé de haber hecho el mismo gesto muchos años atrás, cuando iba a explorar a solas la ribera del Ebro, un río de aguas igual de turbias y peligrosas. ¿Fuimos los negros del Ebro allá en mitad del siglo XX sometidos por un imperio mediático? ¿O el intercambio de ritmos empezó a liberarse entonces, por vez primera en la historia de Occidente, de las relaciones de dominación?».                                                                                                                                              Santiago Auserón La música, para Auserón, es una de las formas de conocimiento del mundo. En este libro podemos encontrar sus influencias, así como estudios sobre temas musicales: podríamos definirlo como la poética musical del compositor y artista, así como un recorrido por las escuelas y ritmos que le han marcado su carrera como Radio Futura, Juan Perro y ahora con Juan Perro & La Zarabanda. Libro para amantes de la música, las investigaciones de Auserón toman cuerpo en una escritura limpia, clara, donde el pensamiento del artista se expone con nitidez. El impacto que la música afroamericana causó en la juventud española de la segunda mitad del siglo XX precursaba el despertar de fantasmas sonoros olvidados a lo largo de la historia. Santiago Auserón revive el rastro de la negritud en la Península desde los tiempos de la invasión musulmana, la fiebre de bailes y cantos populares que en el Siglo de Oro se contagió a todas las clases sociales e influyó en el desarrollo de las letras castellanas, una cultura rítmica mestiza que sólo sería reconocida, siglos más tarde, en las colonias americanas. A partir de sus propias vivencias musicales, el autor remonta hasta las fuentes de la polirritmia africana, señalando influjos que perviven hasta nuestros días. El humor desenfadado y el análisis se encadenan a lo largo de estas páginas en busca de una verdad compleja y apasionante. El intercambio de ritmos se convierte en modelo para la renovación del pensamiento.

200 fotografías en blanco y negro y una conversación fascinante a cargo de tres grandes expertos... El flamenco contemporáneo desde todos los puntos de vista en un recorrido por toda España: de Sevilla a Barcelona, de La Unión a Cádiz, de Madrid a Granada.

"Si está buscando una introducción al jazz, aquí la tiene. Si conoce bien y ama el jazz, aquí tiene su vademécum. Yo tengo intención de seguir leyéndola durante el resto de mi vida [...]. Es la obra definitiva: enciclopédica, exigente, perceptiva y sumamente legible. Con su publicación, ya no se puede decir que la bibliografía jazzística no haga justicia a la propia música". Con estas palabras recibió Jonathan Yardley, crítico del Washington Post, este libro cuando se publicó en 1997. Músico e historiador, Ted Gioia une en Historia del jazz los conocimientos del erudito con las virtudes expresivas del divulgador entusiasta para componer el más completo panorama de este género: desde su prehistoria y la temprana africanización de la música americana, hasta las semblanzas de las grandes figuras del siglo XX y de los distintos estilos y geografías. Una autorizada obra de investigación que, sin embargo, no escatima el placer de las palabras. Ted Gioia s músico, compositor, crítico, historiador, profesor y productor de jazz. Su primer libro The Imperfect Art: Reflections on Jazz and Modern Culture (1988) fue recibido con entusiasmo por la crítica y los lectores. Con Blues ha cosechando de nuevo éxito mundial y su Historia del Jazz se considera ya un título de referencia para los amantes de esta música.

En la lectura de estas páginas podremos conocer cómo las cantaoras se implican en la práctica flamenca y cómo responden y mantienen el delicado equilibrio existente entre la tradición y la innovación. Con su obra, Loren Chuse se adentra en el camino del análisis de género en las músicas populares y confiere el valor que se merecen a los roles femeninos, larga e injustamente, obviados y subestimados;

Durante toda su vida, Greil Marcus, uno de los mejores pensadores vivos de la cultura popular, ha escuchado a The Doors, la banda liderada por el carismático y oscuro Jim Morrison, que, en tan solo cinco años (1967-1971), grabó algunas de las mejores canciones de la historia del rock. Con su estilo radical e inconfundible, Marcus trasciende la atenta escucha de las canciones de la banda -no solo las versiones de sus temas más conocidos, sino también las que interpretaron en directo, donde la banda solía reinventar su propio repertorio- y proyecta una de las miradas más inteligentes y brillantes sobre el legado cultural de la década de los 60. Además de los momentos decisivos de la historia de la banda, Greil Marcus convoca algunas manifestaciones artísticas clave y personalidades del imaginario colectivo norteamericano en un relato torrencial que, ante todo, rehúye el tópico de los 60 como la década de la paz, el amor fraternal y la liberación, detectando sus agujeros negros e instantes decisivos que la música de The Doors reveló mejor que nadie. ESCUCHANDO A THE DOORS es también una lección magistral de crítica de cultura popular y de cómo la literatura y el pensamiento pueden abordar la divulgación musical. Para ello, Marcus da rienda suelta a una prosa exuberante cuya finalidad no es reverenciar una música del pasado como objeto congelado en su tiempo, sino todo lo contrario: mostrar cómo algunas canciones y las ideas que estas vehiculan siguen vigentes y que, por ello, es preciso que las sigamos reivindicando y escuchando.

En 1985, Kristin Hersh contaba con diecinueve años de edad y un futuro prometedor: su grupo de música, Throwing Muses empezaba a despegar con fuerza entre la crítica musical norteamericana. Pero esta hija de una familia hippie poco convencional no podía prever lo que estaba por venir: el mismo año se le diagnostica síndrome bipolar y se queda embarazada. A partir de ese momento mezclar antidepresivos con vitaminas para el embarazo se convierte en algo cotidiano con lo que lidiar para mantener una banda de rock llamada a ser el nuevo grito musical. Con una prosa delicada, cuidada e intimista, Hersh realiza un inventario de su singular historia personal, llevándonos del delirio surrealista a la auto superación.

La hermosa relación de Patti Smith con el gran fotógrafo Robert Mapplethorpe. Un homenaje a la amistad sin trabas. Sus páginas cargadas de vitalidad y humor nos devuelven el sabor de esa gran ciudad donde casi todo era posible. Corría el mes de julio de 1967 y eran unos niños, pero a partir de entonces Patti Smith y Robert Mapplethorpe sellaron una amistad que solo acabaría con la muerte del gran fotógrafo, en 1989. De eso habla este espléndido libro de memorias, de la vida en común de estos artistas, los dos entusiastas y apasionados, que cruzaron a grandes pasos la periferia de Nueva York para llegar hasta el centro neurálgico del nuevo arte. Fue así que acabaron instalándose en el hotel Chelsea y se convirtieron en los protagonistas de un mundo hoy ya perdido donde reinaban Allen Ginsberg, Andy Warhol y sus chicos, y se creaban las grandes bandas de música que marcaron los años finales del siglo XX, mientras el sida hacía estragos. ** National Book Award de ensayo 2010. Reseña: «Un relato conmovedor del afán de unos seres dispuestos a poner sus almas al servicio del arte, inspirados por Rimbaud, Dylan, Genet y otros nombres idolatrados.» Rafa Cervera, Babelia, El País

Ésta es la historia del siglo XX a través de su música, desde la Viena de antes de la Primera Guerra Mundial hasta el París de los años 20; desde la Alemania de Hitler o la Rusia de Stalin al Nueva York de los años 60. Transportando a los lectores por el laberinto del sonido moderno, Alex Ross nos descubre las conexiones entre los acontecimientos más importantes y los compositores más influyentes, hombres que se rebelaron contra el culto al pasado clásico, lucharon contra la indiferencia del gran público y desafiaron a dictadores. Alex Ross ha firmado un libro imprescindible sobre un tiempo fascinante, caótico y estridente. El ruido eterno ha sido galardonado con el National Book Critics Circle Award, el Guardian First Book Award y un Royal Philharmonic Society Award; ha sido finalista del Premio Pulitzer y del Premio Samuel Johnson, y ha sido elegido como uno de los mejores libros del año por The New York Times, The Washington Post, Time, LA Times, The Economist, Slate y Newsweek. «Un libro que se lee de forma compulsiva», Time Out New York; «Una narración impresionante? El visionario crítico Alex Ross se acerca más que nadie a describir las hechizantes sensaciones que provoca la música», Financial Times; «Un libro de referencia que se convertirá en un clásico de la historia del siglo xx», Kirkus Reviews.

  El hecho de la presencia continuada y fundamental de la mujer en el cante flamenco demuestra que este arte tiene mucho más de expresión moderna que de esa imagen de un arte ancestral donde podría haber imperado el apartamiento por razones de sexo. En alguna ocasión se ha afirmado que ?la mujer no está dotada como el hombre para cantar flamenco?; este comentario se invalida por sí sólo ante la aplastante evidencia de unos hechos que ratifica el análisis histórico-cronológico de la trayectoria femenina en el arte jondo. En esta monografía histórica sobre la mujer se pone de manifiesto su presencia de forma tan temprana como el nacimiento mismo de los estilos flamencos. Muchas de las grandes creadoras (La Sarneta, La Trini, La Niña de los Peines) contribuyeron a enriquecer el cante flamenco: soleares de la Serneta; petenera de la Niña de los Peines; milonga de Pepa Oro, malagueña de La Trini, etc. Antecedentes del cante femenino podemos encontrarlos ya en los primeros tiempos de la Tonadilla Escénica, en donde la tonadillera cantaba breves piezas (tiranas, romances, fandangos o playeras entre otras) en los intermedios. Más adelante, durante el auge de los cafés-cantantes, la cantaora significó una marca de prestigio artístico para el local que las contrataba y hubo reinas indiscutibles de los cafés de su tiempo:  La Parrala, la África o la Rubia de Málaga. Con la aparición de los espectáculos de ópera flamenca, la mujer supo ganarse un lugar de primera figura la mayoría de las veces, alternando en otras como empresaria, compositora y organizadora de eventos (la Niña de la Puebla). En el último tercio del siglo XX sigue presente una constelación de mujeres que están dando lugar a nuevas creaciones iluminando originales caminos creativos en el cante flamenco hasta nuestros días. El legado femenino es, pues, impagable; la trayectoria vital y artística de tantas cantaoras ha ido enriqueciendo y modelando con sus aportaciones e inspiración una de las manifestaciones de música popular más original y potente hoy. La impronta de sus estilos ha sido decisiva y marca con fuerza el proceso evolutivo y estético de un arte universal.

Músicos como Loquillo, Miguel Ríos, Ramoncín o Andrés Calamaro, cineastas como Fernando Colomo y periodistas como Diego Manrique o Jesús Ordovás ayudan a contar la historia de la histórica banda de rock española.

Este libro es el resultado de una extensa y penetrante conversación de la periodista y escritora mexicana María Cortina con Chavela Vargas, quien con su proverbial franqueza y contundencia -aunque suavizadas por dosis de ironía y sentido del humor- cuenta sus verdades, que no son otras que las vivencias y pasiones que han acompañado su vida como mujer y cantante, con sus dioses y sus demonios, más derrotas que victorias, y que muestran, en deslumbrante technicolor, toda una época de la historia de México ya desvanecida y que empieza a reinventarse como mito. La vida de Chavela Vargas está entreverada de leyendas, situaciones y anécdotas verdaderas y otras rigurosamente inciertas, de zonas de luz y alegría y otras de silencio y de sombra, lo que da un halo aún más inquietante y sugerente a su trayectoria. Este libro da cuenta, también, de su hundimiento personal al comienzo de los años setenta, que coincidió precisamente con el fin de ese momento mágico de la canción mexicana y la muerte de sus principales compañeros del alma y de parranda. El infierno del alcohol y la desesperación duraron casi veinte años. Su reencuentro con su voz y con el público, a comienzos de los noventa, constituye una segunda vida de Chavela, la del triunfo en España de la mano de Manuel Arroyo, Pedro Almodóvar y ante un público que confirmó que su cancionero es plenamente contemporáneo y que sus interpretaciones conectan de lleno con la sensibilidad moderna.

Publicada por primera vez en 1946, esta autobiografía fue una emocionada llamada, dirigida a los jóvenes blancos alienados, para que se atrevieran a explorar el mundo de la cultura afroamericana y el jazz. Su padrino espiritual fue Mezzrow, músico, contrabandista y traficante de la mejor marihuana de Harlem. Su historia, escrita junto a Bernard Wolfe en el argot, libre y fluido, de los hipsters que poblaban lo que Jack Kerouac bautizó como "La Gran Acera Negro-Americana del Mundo", nos habla de un chico blanco que se enamoró de la cultura negra y aprendió a tocar el clarinete en los reformatorios, prostíbulos y garitos de su juventud. Atraído por la revelación del blues, siguió el rastro de la música por las calles de Chicago, Nueva Orleans y Nueva York hasta alcanzar el auténtico corazón del alma norteamericana. Mezzrow fue quizá mejor traficante de marihuana que músico de jazz, pero comprendió tanto la música como la raza que la engendró. [...] Mezz tradujo su experiencia para jóvenes de los cuarenta y los cincuenta como Kerouac, Allen Ginsberg, Neal Cassady y John Clellon Holmes, e inspiró no sólo sus vidas sino también sus obras; un legado de un valor incalculable. Del prólogo de BARRY GIFFORD Really the Blues es la esencia escatológica de Nueva Orleans. Mezz Mezzrow fue quien me descubrió Storyville. TOM WAITS Para mí fue la primera señal en la cultura blanca del underground negro y la cultura hip. ALLEN GINSBERG Este libro tan perfectamente maravilloso, tan absolutamente soberbio, expresa un mensaje vigoroso y vital de alegría sin adulterar. HENRY MILLER

Por fin en castellano llega la crónica definitiva de los peligros, los placeres y la decadencia del estrellato del rock and roll: whisky y actrices porno, peleas y accidentes de coche, sobredosis y muerte. Propulsados por todas las drogas que tuvieran a su alcance y espoleados por cantidades obscenas de alcohol, Mötley Crüe camparon a sus anchas durante dos décadas, dejando a su paso un reguero de mujeres corrompidas, habitaciones de hotel arrasadas, coches destrozados, representantes enloquecidos, huesos rotos y víctimas de diversa consideración. Todos estos hechos inenarrables y sus terribles consecuencias forman la espina dorsal de Los trapos sucios, un libro de referencia tanto para los fans del grupo como para todos aquellos interesados en el fenómeno del rock and roll. Narrado personalmente por Tommy, Mick, Vince y Nikki, con aportaciones puntuales de compañeros de viaje como John Corabi, varios ex representantes y un par de ejecutivos discográficos, Los trapos sucios dista mucho de ser un retrato complaciente. Divertido, sí. Patético, entrañable, depravado y repulsivo, también. En cualquier caso, fascinante y absorbente.

Una joya imprescindible y una declaración de amor a Robert Mapplethorpe, por la autora de Éramos unos niños. «Justo antes de morir, Robert me preguntó si algún día contaría la historia de nuestra relación. Me llevó años decidirme, y finalmente publiqué Éramos unos niños. Antes, escribí El mar de coral, un viaje a través del dolor, donde puse todo lo que sabía de él, concentrándolo en este libro de poemas en prosa que hablan de su amor por el arte y del cariño que me tenía. También, y sobre todo, quise transmitir sus ganas de vivir, que nadie pudo arrebatarle, ni siquiera la muerte.» Patti Smith He aquí una pequeña joya, un texto que cabalga entre la prosa y la poesía y da buena cuenta del talento de la cantante como escritora. Estas páginas, donde la letra se combina con la imagen, son un viaje por la vida, la enfermedad y la muerte de Robert Mapplethorpe, gran fotógrafo y amigo íntimo de Patti Smith. Reseñas: «Patti Smith no solo es una gran artista, es una hechicera, es decir, alguien en contacto con otros niveles de la realidad.» William S. Burroughs «Escribe brillantemente, ama incondicionalmente, todo está lleno de significado.» Suzanne Moore, New Statesman