Universo Morente quiere ser un punto de encuentro y diálogo en torno a la fascinante obra que nos ha dejado uno de los cantaores flamencos más importantes de todos los tiempos: Enrique Morente (Granada, 25 de diciembre de 1942-Madrid, 13 de diciembre de 2010), que fue, además, compositor, intérprete y creador. Todo un artista de los pies a la cabeza. Libre, heterodoxo, generoso, anárquico, trabajador, transgresor como nadie. Valiente, revolucionario y visionario. Dotado con el genio y el talento de los elegidos. Que, como todos los grandes, hunde sus raíces en la tradición más pura para renovarla y hacer del flamenco un arte de vanguardia, sin prejuicios ni fronteras. La presente publicación, co-editada por Tf Editores y el Patronato de la Alhambra y Generalife, recoge la exposición del mismo título comisariada por Amaranta Ariño y diseñada por Andrés Mengs. Consta de más de 400 imágenes, numerosas citas de Enrique Morente, y textos de: José Manuel Gamboa, Balbino Gutiérrez, Pedro G. Romero, José Luis Ortiz Nuevo, Miguel Mora y Antonio Pradel. Ensayos que reflexionan sobre la discografía, las coplas, la vida, la personalidad, la ética, la estética, los amigos y la familia del Maestro. Cuenta con 240 páginas en dos versiones: castellano e inglés.

ANDRÉS CALAMARO parecía tener a finales del siglo pasado un futuro brillante y plácido como estrella de rock con éxito comercial y respeto crítico. Tras el éxito de Alta suciedad, su primer disco en solitario tras Los Rodríguez, se esperaba de él otro álbum conciso y de lujoso sonido, pero las expectativas están para romperse y una serie de circunstancias (entre las que estuvo la separación de su mujer) le empujaron a un año de grabaciones kamikazes en diez estudios de tres países diferentes. El resultado fue HONESTIDAD BRUTAL, una desmesura no sólo por sus dimensiones (37 canciones) o por los palos musicales que tocaba, sino por la desnuda profundidad emocional de sus textos y lo turbulento de su gestación. Con este álbum, Calamaro ingresó de manera incontestable en el Olimpo del rock, especialmente en Argentina, cumpliendo con los mandamientos que vertebran la mitología del exceso y jugando con las leyes del reciclaje cultural y el homenaje (incluyendo una agridulce gira teloneando a su ídolo y gran influencia Bob Dylan). Obra sin parangón en el rock en castellano, Honestidad brutal supone el momento más álgido de la carrera de Andrés Calamaro y preludia excesos pantagruélicos como las 103 canciones de El salmón.

Neil Young es uno de los músicos más relevantes de la historia del rock. Su prolífico talento ha producido más de cincuenta álbumes y cuatrocientas canciones, entre las que se encuentran algunas de las más imperecederas de todos los tiempos: «Like a Hurricane», «Tonight's the Night», «Down by the River», «The Needle and the Damage Done», «Old Man», «Rockin' in the Free World», «Southern Man», «Cinnamon Girl», «Cortez the Killer», «Hey Hey, My My», «After the Gold Rush», «Heart of Gold» y un larguísimo etcétera... Jimmy McDonough, admirador a ultranza de Young, consiguió establecer una relación privilegiada con el músico, venciendo infinidad de resistencias y barreras, y se embarcó en un proceso de documentación exhaustivo y meticuloso que le llevaría casi diez años y no pocos quebraderos de cabeza, entre los cuales destaca la reacción adversa de Young al leer la biografía, cuya publicación trató de impedir a toda costa. Alejado de la hagiografía y de la previsible retórica de la mayoría de biografías de músicos, McDonough logró no solo ofrecer un retrato feroz del canadiense -mostrando en toda su crudeza tanto su carácter errático, brutal y desconcertante como la esencia de su singular talento para componer canciones y una generosidad nada autocomplaciente-, sino que consiguió plasmar de manera apasionada e intensa cuatro décadas de rock por las que brillan con luz propia, además de Young, prácticamente la totalidad de sus allegados, colaboradores y tanto los músicos de su generación como los que recogieron el testigo de su talento. Neil Young, nacido en Canadá en 1945 en el seno de una familia desestructurada, padeció de muy joven la polio, que lo dejaría marcado física y psicológicamente. Muy pronto empezó a aflorar una pasión por la música que lo llevaría a los veinte años a liderar la primera de sus míticas formaciones, Buffalo Springfield. No tardaría en empezar a grabar en solitario y con la superbanda de estrellas Crosby, Stills & Nash, colaboración que lo llevó a la fama mundial, aunque también suscitó innumerables tensiones fruto de la confrontación de egos, muchos de ellos enardecidos por las drogas y la pulsión creativa. Un Young cada vez más ermitaño, esquivo y atormentado por los frecuentes ataques de epilepsia, que lo dejaban destrozado, fue encontrando progresivamente su voz, sobre todo cuando se unió a los erráticos Crazy Horse, banda con la que ha compartido algunos de sus mejores momentos. Sin embargo, más allá de los datos oficiales, de los éxitos sobradamente conocidos, McDonough también desvela la parte más oscura de Young, sus fracasos amorosos, su lucha por ayudar a sus dos hijos con parálisis cerebral o su inveterada tendencia a desaparecer sin dar explicaciones y dejar a todo el mundo colgado... La heteróclita e imprevisible obra de Young es una de las más originales y arriesgadas de todos los tiempos. Su estilo ha basculado de una obsesiva atención por el detalle y la producción minuciosa a la búsqueda del momento mágico de la interpretación en directo sin apenas filtros de producción o ensayos previos. En 1995 entró en el Salón de la Fama del Rock y sigue al pie del cañón, reinventándose con cada disco, fiel a su máxima «es mejor quemarse que apagarse lentamente».

En este libro se cuenta una historia: los reclamos de la sociedad de consumo, la publicidad de un capitalismo doméstico. Pero también se detalla una rebeldía, la oposición de los jóvenes, el malestar de unos muchachos que hicieron del rock su afirmación.

Todo lo que lea en las páginas de este libro es mentira. Aunque decir esto quizás no sea del todo cierto. Al fin y al cabo, hablamos de leyendas urbanas, ese prodigioso territorio del folclore contemporáneo en el que, como es de ley, la ficción inconsciente, la imaginación desatada y la verdad más inverosímil conforman un único, inesperado y delicioso cocktail. Por supuesto, el mundo del rock ha sabido crear y recrear sus propios mitos urbanos de manera inigualable y para todos los gustos: delirantes, excesivos, crueles, escatológicos, trágicos, heroicos, patéticos... Héctor Sánchez recoge una selección de las mejores leyendas urbanas, bulos y demás malentendidos relacionados con los grandes astros del rock, todos ellos narrados con excelso conocimiento y el humor que requiere la ocasión. Y David Sánchez, uno de los más destacados dibujantes de la nueva generación del cómic español, ilustra cada una de estas historias de forma incomparable. Muertes prematuras y extravagantes, fiestones más que desbocados, cameos de ultratumba, sexo con tiburones (y con chocolatinas Mars), chutes familiares de última hora, nazis sabiamente enmascarados, fantasmas latosos y otros fenómenos paranormales, seres parcialmente extraterrestres, venganzas bastante ridículas, mermeladas alucinógenas, problemas graves de identidad, tejemanejes con la CIA y el FBI, testamentos felinos, incestos insospechados, canciones que animan a quitarse la vida y, por supuesto, mensajes más o menos satánicos que se escuchan al girar un disco al revés. El lector tiene en las manos tanto un maravilloso anecdotario ilustrado como una historia paralela y secreta del rock, un libro que despeja tantos interrogantes como los que propone: ¿de dónde surgen estas historias? ¿Son meros divertimentos y creaciones de una suerte de inconsciente colectivo que da rienda suelta a sus deseos más disparatados? ¿O en más de una ocasión responden a intereses concretos? ¿Qué parte de verdad hay en cada una de estas mentiras? ¿Y qué parte de esa verdad conocemos? Bienvenidos a la cara oculta del rock.

Este libro es un apasionante viaje a la segunda mitad del siglo XX norteamericano. Y es además «la verdadera historia» porque su autor lo emplea como ariete para demoler las fábulas pueriles que circulaban sobre su vida. Zappa nos cuenta el arranque, el nudo y el desenlace de su accidentada experiencia musical, narra a cuchillada limpia sus debates con el puritanismo censor y denuncia las patrañas que mandarines y mandamases arrojan sin descanso a la credulidad pública. Su agudo olfato detectó siempre el olor a boñiga.

Sin Diego A. Manrique, nuestra percepción de la música pop sería distinta. Desde las páginas de la prensa o los micrófonos de la radio, ha ido construyendo, año tras años, un paisaje sonoro que forma parte de la biografía sentimental de muchos españoles. La síntesis de su trabajo que se recoge en Jinetes en la tormenta nos conduce por el latido de la música negra, desde Wilson Pickett a Michael Jackson, evoca el ritmo abrasador del rey del soul Otis Redding, se detiene en gigantes del jazz como Billie Holiday o Miles Davis, nos devela los secretos de «malditos» como Syd Barrett, el genio de Pink Floyd, la desdichada Amy Winehouse o el satánico Aleister Crowley? Tom Waits, Jerry Lee Lewis, los Doors, los Rolling Stones, The Who, U2, Springsteen, Nirvana? y muchas otras figuras esenciales, sin olvidar a los que fueron protagonistas de la llamada movida madrileña, nutren estas páginas retratados con la inigualable capacidad de Diego A. Manrique para hacer que estos Jinetes en la tormenta nos muestren su rostro más auténtico. A veces, conviene advertirlo, el resultado rompe la imagen tópica de algunos artistas. Diego A. Manrique comparte con los lectores las claves de una pasión destilada a lo largo de los años en forma de programas radiofónicos y televisivos y en sus críticas y artículos periodísticos: la crónica social de una época extraordinariamente fértil, que despegó con la aventura generacional de los sesenta.  Este libro es la culminación de una dilatada carrera literaria en la que el más reputado de nuestros críticos ha sabido emplear su agudeza para captar una realidad turbulenta y aproximarse a ella desde el lenguaje universal de la música.

Dylan sorprendió de nuevo a todos sus seguidores publicando una fantástica trilogía, formada por unos discos que lo mostraban en plena forma alcanzada ya la madurez. El libro de Izquierdo busca las claves que motivan que sus discos sean imprescindible referencia no solo en el mundo del rock, también en el literario y el artístico en general.

En su último libro, Greil Marcus, quizá el crítico cultural más influyente de todos los tiempos, compone el que probablemente sea su ensayo más apasionado e intenso. Rehuyendo la historia oficial -la enciclopédica, la del Salón de la Fama del Rock, la de los grandes éxitos-, Marcus revive diez canciones fundamentales que, por su influencia y por cómo han resonado a lo largo de las décadas, han supuesto un hito de la música popular. Ensayando breves biografías de los autores de las canciones o las de aquellos que les pusieron voz, dejando que los sonidos evoquen y convoquen el eco que las canciones originales propulsaron, Marcus, a modo de caja de resonancia, trata de apresar la esencia misma de la canción pop: su cualidad perdurable y a la vez fugaz. «Shake Some Action» de The Flamin' Groovies, «Transmission» de Joy Division, «In the Still of the Nite» de Fred Parris y The Five Satins, luego retomada por The Slades; «All I Could Do Was Cry» de Etta James y, décadas después, cantada por Beyoncé; «Crying, Waiting, Hoping» de Buddy Holly, «Money (That's What I Want)» de Barrett Strong, reinventada por los Beatles; «Money Changes Everything» de The Brains, años después reformulada por Cyndi Lauper; «This Magic Moment», escrita por Doc Pomus y Mort Shuman e inmortalizada por Ben E. King y The Drifters; la experimental «Guitar Drag» de Christian Marclay, «To Know Him Is to Love Him» de Phil Spector, que Amy Winehouse hizo suya casi cincuenta años después, configuran la particular historia del rock de Greil Marcus que, con su estilo vibrante, próximo a la «spontaneous prose» beatnik, da una nueva lección de literatura musical y demuestra por qué la música popular tiene una importancia capital en nuestra cultura.

Una exhaustiva investigación centrada en el flamenco de producción cultural, en la que el arte jondo es interpretado como ámbito diferenciado, sujeto a unas reglas y una legalidad propias, fruto de su historia específica como arte. A partir de la metodología para la ciencia de las obras del sociólogo francés Pierre Bourdieu, el autor del libro establece tres operaciones para el análisis del campo flamenco. En primer lugar, acomete el estudio de las relaciones del flamenco con el poder económico y del poder político, y su evolución en el decurso del tiempo: su génesis como campo y el logro de su autonomía relativa, acontecidas en la época de la revalorización y el mairenismo, entre los años cincuenta y los ochenta del s. XX. En segundo lugar, procede al análisis de la estructura social del flamenco y sus relaciones de poder internas, las luchas por el éxito y la definición de los criterios de valor durante la llamada época de la sobrevaloración institucional del flamenco, entre los años noventa del pasado siglo y la actualidad. Por último, afronta la comprensión de los habitus, las disposiciones individuales y estrategias de los agentes del flamenco en su litigio entre la convención y la creación, entre la herencia patrimonial y los usos del patrimonio, dedicando especial atención a las figuras del cantaor Antonio Mairena y del bailaor Israel Galván.

Ameno y didáctico paseo por los estilos que han marcado la evolución musical desde el siglo XX. El proposito básico consiste en clarificar y definir los diferentes géneros que se han entrelazado a través de los tiempos mediante el riquísimo intercamnio c

Criminales dhip-hop y delas nuevas t sobre cómolas leyes deBeatles se nhip-hop? ¿Sa por haber cSoul? ¿Que ahistoria, no

"Todos te quieren cuando está muerto" es un colosal fresco de entrevistas con algunas de las más grandes celebridades de la música y el show business que el escritor, divulgador y crítico musical Neil Strauss ha recopilado durante años. De entre los más de 100 famosos entrevistados en el libro destacan: Madonna, Johnny Cash, Britney Spears, Ben Stiller, Bruce Springsteen, Lady Gaga, Christina Aguilera, PJ Harvey, Led Zeppelin, Jerry Lee Lewis, Brian Wilson, The Who, Oasis, Ringo Starr, Paul McCartney, Eric Clapton, Pink Floyd, Marilyn Manson, Patti Smith, Courtney Love, Orlando Bloom, Mike Tyson, Tom Cruise, Hugh Hefner, Prince, Jackie Chan, Cher, Justin Timberlake, Neil Young, Radiohead, R.E.M., Paris Hilton, U2, Leonard Cohen y un larguísimo etc...

Ángela Oliva nos muestra en este libro, a través de imágenes, lo que acontece en la escena rockanrolera sevillana, de los primeros años de este siglo XXI. "Ángela conoce de primera mano el meneo musical de la ciudad desde los años ochenta; quiero decir con esto que ha compartido y comparte noches de vino y rosas con la mayoría de los protagonistas del ejemplar que tienes entre las manos, de manera que nadie mejor que ella para mostrarnos las grandezas y miserias de esta ruidosa tripulación de filibusteros". "No se debe entender esta colección de instantáneas como una historia en imágenes del rock sevillano, para eso ya están los libros de Luis Clemente y J. L. Ambrosio; es más, la mayoría de las fotos se tomaron entre los años 2012 y 2013, de manera que no están todos los que son o fueron, pero sí todos los que están". Diego Fuentes. Disparos en Desconciertos cuenta con la inestimable colaboración de José Miguel Carrasco.

Como nos advierte Mark Fisher, este libro nació de la convicción de que la muerte de Michael Jackson debía ser abordada por algo más que tributos fáciles o biografías abultadas. Sus autores -una selección de críticos culturales y musicales entre los que