"El origen del Flamenco lo lleva escrito en su nombre. Y en el nombre de sus palos. Y en el nombre de las mujeres y hombres que lo han conservado en su garganta, en sus manos, en sus pies, en el alma. Porque las cosas existen cuando se nombran. Y sólo cuando se nombran existen. Desde la estrella más alejada del firmamento a la partícula más ínfima de la materia. Sólo lo ajeno al ser humano carece de nombre". "Arqueolojía de lo jondo" es una emocionante defensa de las raíces andalusíes, moriscas, gitanas y negras del Flamenco. Escrita con una elegante aleación de rigor y belleza, Antonio Manuel demuestra que en el origen de los nombres se halla el manantial de lo jondo del que han bebido generaciones enteras, cantando al dolor y a lo sagrado, en andaluz y de memoria. Mucho más que un libro sobre Flamenco, en él se desvela la historia clandestina de la península que el pueblo custodió en sus cantes, toques y bailes. Un libro Flamenco que atravesará el corazón y la razón de quien lo lea.

El flamenco, Patrimonio Inmaterial de la Humanidad desde el 20 de noviembre de 2010, no es un cante. El flamenco es un sentimiento que se canta y que se baila, la expresión más genuina de un pueblo que no necesita saber leer ni escribir para expresar sus emociones y hacerlo de una forma que calara profundamente en los corazones de quienes les escuchan. El flamenco, que hace unos años cantaba la pena negra del minero que sufría accidentes en las minas de Andalucía; o del jornalero que no cobraba el día que no podía trabajar porque llovía y era incapaz de alimentar a su prole con lo que le pagaba el señorito; el de los que volvían desde los cortijos haciendo largas filas por los caminos después de haber trabajado de sol a sol; el de la madre que perdía a su hijo por falta de atención médica que solo estaba reservada a unos cuantos y el flamenco universal, que no tiene fecha ni caducidad y trata del amor y la muerte, la traición y la importancia de la madre. Hoy, el flamenco canta con el quejío del parado que no encuentra el sustento; del que vaga de empresa en empresa con la precariedad de no saber si mañana volverá al mismo sitio o le dirán que el trabajo se ha terminado y tendrá que empezar de nuevo una larga peregrinación de empresa en empresa tener unos días de trabajo. El flamenco de hoy, es el del jornalero esclavo del PER y del abandono de los pueblos agrícolas, donde las máquinas han sustituido a los hombres, el del emigrante que después de estudiar durante años una carrera y varios másters se ve abocado dejar su país, su gente y su sentir para buscarse la vida en un lugar extraño donde el sol apenas si aparece y la frialdad de la gente aumenta su soledad. Pero el flamenco de hoy, también es la fiesta y la jarana, las ferias de nuestros pueblos, la alegría de una boda que se celebra por alborea o la llegada de una nueva vida cantándole sevillanas o al compás de bulerías. Porque el flamenco lo es todo, vida, y muerte, alegría y pena negra, soledad y compañía, amor, desamor, celos, saeta y seguiriya. De eso trata este libro y el disco que lo acompaña que magistralmente muestra en la práctica Pepa Bulnes, refrendando la teoría que cuenta el libro.La Literatura nos define, nos transforma, nos reinventa, nos pone un rostro con corazón, nos muestra un relato, un sentimiento, nos acerca al otro, a ese otro tan lejano que a menudo no comprendemos hasta que no conocemos su historia.

Detrás de las grandes canciones hay historias fascinantes. A partir de la columna que publica en el Wall Street Journal, el crítico e historiador Marc Myers ilumina cinco décadas de música popular explicando cómo nacieron y cómo impactaron en los oídos 45 temas que han dejado una huella indeleble en la memoria de nuestro tiempo. Los protagonistas de esos impactos tejen el relato contándole al lector los secretos y las peripecias de sus aventuras creativas. Entre las canciones cuyos orígenes se narran en este libro hallaremos «Whola Lotta Love», de Led Zeppelin, «Mercedes Benz», de Janis Joplin, «Maggie May», de Rod Stewart, y «Time After Time», de Cyndi Lauper. Mil curiosidades con cabezas de cartel como Mick Jagger, Jimmy Page, SmokeyRobinson, Grace Slick, Debbie Harry o R. E. M.

Carne de cañón es un ensayo autobiográfico que nos sumerge en la obra de un creador nato que conjuga la épica y la emotividad de forma magistral. Si por algo destaca la trayectoria de Enric Montefusco es por su búsqueda constante en un medio -la escena musical- donde los parámetros se repiten. Dos décadas al frente de Standstill y dos años en solitario han dado origen a una extensa discografía, y han ido mostrando un modo de entender el mundo que se revela aquí por primera vez. Relatos, textos y su producción musical en castellano al completo articulan esta obra que abarca todas sus épocas y problemáticas. Polaridades, conflictos y dialécticas conforman un campo de batalla donde espectadores y creador se entregan a un juego en el que ambos quedan expuestos y heridos por el fuego cruzado.

Pocos grupos contemporáneos tienen una pervivencia tan poderosa y sin embargo tan paradójica como Joy Division. Pocas bandas ostentan una imagen tan singular y a la vez tan representativa de las transformaciones sufridas por la música popular. Casi cuatro décadas después de su desaparición de los escenarios, su difícil equilibrio sonoro sigue resonando en multitud de grupos actuales. Mientras tanto, los retratos de Ian Curtis han adquirido una densidad visual comparable a la de los grandes rostros del rock, respetado y banalizado a la vez, símbolo de pureza y de la gran máquina mercantil. Estas y otras contradicciones son las que explora este libro apasionante firmado por una docena de autores: escritores como Jon Savage, Mark Fisher, Eloy Fernández Porta o Servando Rocha; pensadores como Germán Cano y Jorge Cano o Alberto Santamaría; críticos musicales como Eduardo Guillot y músicos como Antonio Arias (Lagartija Nick), Garikoitz Gamarra (Ornamento y delito) y Daniel Alonso (Pony Bravo). Todos ellos nos hablan de Joy Division y New Order, la enfermedad y el éxito, la autenticidad y la mercantilización, Werther y compañía, una tumba en la cubierta de un disco y otra en un cementerio de Génova, capitalismo y territorio, el Manchester oscuro de los inicios y el Manchester luminoso de Factory, así como otros muchos opuestos. Quizá sea cierto eso de que «Love Will Tear Us Apart», pero también lo es que el amor por Joy Division, uno de los grupos más importantes del siglo XX, nos mantiene a muchos, de algún modo, unidos.

Patti Smith vuelve a las librerías con un libro en el que ofrece una perspectiva inusualmente poética y mística del misterio de la creación literaria. Estamos en la habitación de un hotel de París; Patti Smith acaba de llegar e intenta conciliar el sueño, pero de repente se despierta y la imagen de una joven patinadora en la pantalla de la televisión la emociona y la anima a tomar el lápiz y empezar a llenar folios. Arranca así un viaje a través de las palabras, y esa criatura que antes se deslizaba por el hielo tiene ahora un nombre, una casa y una historia propia, que gira peligrosamente alrededor de una obsesión. Los gestos de la patinadora acompañan a Patti Smith en sus paseos por las calles de París, en los bares de la capital, en el jardín de la editorial Gallimard donde descansan los fantasmas de tantos escritores queridos, en sus viajes en tren hacia el sur de Francia y luego a la casa de Camus. Poco a poco, lo que antes era un borrador se convierte en un texto hermoso, Devoción, el último y sorprendente libro de uno de los iconos de nuestro tiempo, que la autora nos entrega junto a sus notas más personales: ¿Cómo, cuándo y por qué escribimos? Porque no sabemos limitarnos a vivir. La crítica ha dicho... «Pasa algo insólito con Devoción: es tan corto que te lo lees de un tirón, pero resulta tan provocador que luego quieres volver a leerlo. Es un privilegio pasar tan buen rato con Patti Smith.» Suzy Feay, Financial Times «Devoción es a la vez un viaje a París, [...] y un intento de atrapar, a través del emocionantísimo encontronazo con el manuscrito de la novela que Albert Camus dejó inacabada, la magia misma de la creación.» Laura Fernández, El País «No has leído nada igual.» Gema Veiga, Elle «Un texto biográfico y poético.» Carmen Sigüenza, Málaga Hoy «Un libro de viajes literarios.» Antonio Ortega, La Verdad «Leer Devoción es tener una entrada en primera fila para el espectáculo de la inspiración de una escritora. Es paladear los sabores que le inspiran, es acompañarle en las imágenes que le evocan, es obsesionarte con ella [...] Leer Devoción es reflexionar sobre los detalles que realmente son importantes, pararte a admirar a aquellos que son verdaderamente dignos de ello, es buscar un lugar en el mundo.» Alodia Clemente, de la Librería La Rossa (Valencia)

Historia del Rock Andaluz es la crónica indispensable de un tiempo que, sin proponérselo, transformó a una generación. La música en España no volvió a ser la misma tras la irrupción de aquellos melenudos mal vistos por una dictadura que vivía su agonía en el fragor de una naciente democracia. En este ensayo el autor ha dado la palabra a los protagonistas de un tipo de música surgido en los primeros años 70, fruto de la fusión del rock progresivo que ya se hacía en Gran Bretaña y Estados Unidos, y que comenzaba entonces a oírse en España, con la cultura más tradicional de este país. Esa música, nacida sin etiquetas, se bautizó poco tiempo después con el nombre de «rock andaluz». Historia del Rock Andaluz está estructurado en tres partes: La primera está dedicada a los antecedentes. Nada surge de la nada ni nace por casualidad. Todo es fruto, siempre, de un proceso. En la segunda parte del libro se analiza el rock andaluz más puro, el que se ajustó a los cánones, a veces difíciles de definir pero siempre reconocibles, que fijaron bandas como Triana, Alameda o Medina Azahara. La tercera parte del libro aborda esos otros caminos que, partiendo del que abrieron los pioneros del rock andaluz, supieron encontrar nuevos terrenos igualmente fértiles para la fusión de la música anglosajona con la tradición flamenca.

En el libro única y exclusivamente los propios protagonistas, con sus opiniones y sus recuerdos, son los que componen las piezas corales de este puzzle histórico que muestra a un país que mutaba del gris tardo-franquista al bullicio generado por individuos melenudos o crestudos que querían pintar su vida de experiencias, música y colores. De todo ese maremágnum surge el trío Leño, a partir de bandas como Ñu y Coz, que se convierte a tiempo real en el estandarte sonoro de la calle, en el auténtico rock de la urbe. Leño tuvo una vida corta (1978-1983) pero muy intensa, una carrera que fue ascendente hasta su final, sucediendo que el grupo decidió separarse cuando estaba en lo más alto de su fama, desavenencias entre los tres componentes, madurez personal, egos, drogas, cambios sociales.

Johnny Marr nos traslada con sus memorias al Mánchester febril de los ochenta. En el arranque de esa década prodigiosa se produjo el feliz tropiezo con Steven Patrick Morrissey que, pasado el tiempo, daría lugar los Smiths, la banda más representativa y singular de aquella época. La autobiografía de Johnny Marr es el mejor relato de un periodo apasionante en la historia del pop británico.

Vuelve la Biblia de la música electrónica.Una edición revisada y ampliada de una obra que marcó una época.El regreso más esperado por los fans de la música electrónica.Loops es una obra pionera que marcó un antes y un después cuando se publicó en el año 2000. Ahora vuelve revisada y ampliada, fiel a ese primer estudio apasionado sobre el nacimiento y la evolución de un género único.Cubriendo todo el siglo XX, Loops trata con idéntica pasión las expresiones electrónicas más difíciles y las relacionadas con el fenómeno de la música de baile. Sus autores trazan conexiones entusiastas con el universo del pop, el rock, el cine y la literatura para explicar el cómo y el porqué de la electrónica.Obra de una decena de periodistas, productores y DJ, éste pretende ser un libro de múltiples lecturas; una guía o introducción básica para el no iniciado, un volumen que ayuda a buscar pistas, a seleccionar escuchas en función de gustos, y a la vez un trabajo que pueda ampliar datos y conocimientos al ya iniciado o incluso al experto.Reseñas: «Uno de los intentos más serios realizados en nuestro país por ofrecer una visión panorámica sobre la música electrónica.» El País«Interesante, divertido, exhaustivo y excelentemente documentado.» Ricard Robles, codirector del Festival Sónar«Una obra imprescindible para entender la música que escuchamos.» Ángel Molina

Una historia intensa y apasionada sobre el último siglo de un género musical que hipnotiza a multitudes: la música electrónica.Loops 2retoma la historia de la música electrónica dónde la dejó el primer volumen, una obra canónica para los amantes del género. Desde 2002 hasta la actualidad, el periodista Javier Blánquez cubre la transformación de un estilo musical que en los últimos quince años ha dejado de ser minoritario para formar parte del relato cultural del siglo XXI. Todo ha evolucionado a un ritmo frenético: los hábitos de consumo han cambiado raves por festivales y clubes por teléfonos móviles, la técnica ofrece más opciones que nunca, la aparición de nuevas corrientes es constante y la electrónica ha colonizado prácticamente todos los géneros a su alrededor.Esta obra nace de un trabajo meticuloso y entusiasmado que plantea un sinfín de preguntas que apelarán a aficionados y neófitos por igual: ¿es el reggaetón música electrónica? ¿Lo es el último disco de Madonna con referencias veladas al éxtasis? ¿Va por libre el hip hop? ¿Y el rock, se puede bailar? Y, en el centro del debate: ¿cuál es la verdadera identidad de este género en pleno siglo XXI? ¿Realmente lo hemos visto todo?Recomendado por... Orbita Magazine como uno de «los libros más exhaustivos y aclamados por la crítica especializada. [...] Referencia inequívoca de vocación y periodismo musical.»DJ MAG como «recomendaciones que son tendencia de obligada lectura.»

Una historia social de España a través de sus canciones más famosas. ¿Qué dicen de nosotros las canciones que escuchamos? ¿Se puede contar la historia de un país a partir de su música? Este personal ensayo recorre la historia cantada del siglo XX español hasta 1976. Las canciones del momento se convierten en el mejor atajo para entender y sentir cómo fue el mundo y la vida de nuestros padres y de nuestros abuelos. «La vaca lechera» nos habla del hambre de la posguerra, «Tatuaje» o «La Bien Pagá» del corsé represivo del nacionalcatolicismo, «Ay, Carmela» o el «Cara al sol» guardan los sentimientos encontrados de la Guerra Civil. Paco Ibáñez, Chicho Sánchez Ferlosio, Serrat y también Mari Trini o José Luis Perales muestran en su repertorio la evolución de las ideas y la modernización de las costumbres, mientras que la rumba ofrece la mejor síntesis de la mestiza identidad española. De «Ojos verdes» a «La chica yeyé», de «El porompompero» a «Palabras para Julia», de «Cambalache» a «Mi casita de papel», de «Yo no soy esa» a «¿Y cómo es él?», de «Alfonsina y el mar» a «L'estaca», de «Libertad sin ira» a «El lago», más de doscientos grandes éxitos nos revelan en estas páginas qué fue del amor, de la lucha política, del papel de la mujer, de la memoria familiar, de los usos y funciones de la música, de las drogas, del problema de la vivienda o de la evolución tecnológica. ¿Qué me estás cantando? es el libro que reúne a tres generaciones en torno a la música.

Lluís Vergés (Barcelona 1953) realiza estudios musicales en el Conservatorio Superior Municipal de Música de Barcelona, donde obtiene su titulación. Como profesional trabaja para distintos grupos y orquestas, para televisión y también como músico de sesión. Como compositor, arreglista y orquestador ha colaborado con distintas formaciones, publicidad y cine, así como con formaciones sinfónicas y de cámara. Durante los últimos treinta años ha alternado su tarea profesional con la docencia, siendo profesor de numerosas escuelas e impartiendo seminarios, "masters" etc.... Fue Director pedagógico del Taller de Músics a lo largo de trece años, lo que le permitió desarrollar metodologías propias en las disciplinas de lenguaje, armonía y arreglos, que quedaron reflejadas en la publicación de varios libros, cuyo uso como textos pedagógicos es todavía vigente. En la actualidad es profesor de la "Escola Superior de Música de Catalunya" (ESMUC) en las disciplinas de "Tècniques i Estils del Jazz" (Armonía de Jazz), "Arranjaments de Jazz" I y II, "Composició de Jazz" y "Film Scoring". El presente volumen es el fruto de su actividad docente a lo largo de estos años, durante el transcurso de los cuales ha llegado al convencimiento de que actualmente es difícil profundizar en la composición sin una sólida formación, que asuma especialmente la diversidad como punto de partida. La Armonía en sus diversas facetas (Tradicional, de Jazz y Extratonal), a pesar de haber sido ampliamente estudiada hasta ahora, presenta en este libro un enfoque más adecuado a los nuevos tiempos; pero además, el presente trabajo afronta el reto de abordar otras disciplinas no estudiadas a causa de su dificultad metodológica y, por tanto, ausentes en todos los demás tratados. El autor plantea metodologías propias en el estudio de la Armonía Modal y de Color, absolutamente necesarias hoy en día, puesto que cubren el estudio de un amplio espacio histórico, coincidente con la atonalidad y la Música de Vanguardia, pero que jamás han sido estudiadas metodológicamente. Además añade en cada capítulo un estudio armónico pormenorizado de los distintos períodos y estilos musicales de los últimos cinco siglos, profundizando en disciplinas de nuevo cuño como la músicacinematográfica. Introducción. Los orígenes. (Armonía Tradicional) Armonía de Jazz. Armonía Modal Armonía de Color. Armonía Extratonal. El análisis armónico. El arte de la armonización. El Lenguaje de la Armonía se complementa con el LIBRO DE EJERCICIOS + CD

La mayoría de las biografías de artistas se centran en los de más proyección, aquellos que han triunfado y alcanzado el reconocimiento. Sin embargo, el flamenco se ha fraguado con la contribución de cientos de personas procedentes de las capas populares, muchas de ellas mujeres, que han quedado en el anonimato y que constituyen un sustrato que hace posible el desarrollo del flamenco, cuyo papel es necesario destacar y analizar. En este contexto se sitúa Pepa Vargas. En la historia de este género, el rol jugado por las mujeres ha quedado en segundo plano. Su contribución se ha minimizado, cuando no invisibilizado. La vida de Pepa Vargas sirve como un hilo conductor que permite reconstruir el lugar de la mujer en el flamenco desde los años cincuenta hasta la actualidad. Siempre tuvo una presencia discreta a pesar de sus cualidades. Su marido (Curro Fernández) y sus hijos (Esperanza, Paco y José) eran artistas mientras ella continuaba con las labores domésticas. La necesidad de la familia la empujó a lanzarse al mundo artístico profesional, para sorpresa de todos. Lo dijo ella, rotunda, un día: «¡Ahora voy yo!». La Familia Fernández, dirigida por Curro pero aglutinada en torno a Pepa, escribió páginas imborrables en los escenarios flamencos. Esto es posible porque hay toda una historia detrás: el papel de su padre Quintín, el de su pueblo, Lebrija, el del tío Lagaña, el de Bernarda de Utrera, Antonio Mairena? Esa historia llega hasta el presente, incluso al futuro. La voz de Pepa Vargas, singular y colectiva a la vez, nos ayudará a entender mejor el complejo mundo del flamenco. Desde la trastienda, que en el fondo es un lugar privilegiado.

Esta obra habla de la naturaleza del duende, los sinuosos y aun detectivescos caminos de su fábrica y sus cansados pero incansables epígonos. La propia construcción de la palabra duende, desde que la lengua de Castilla lo acuña en el siglo XIII hasta que Lorca le imprime su definitivo valor estético-metafísico, es, en este sentido, un juego de laberintos con salida. Hay, digamos, un «duende de los diccionarios» que ha sido malinterpretado, al haberse percibido como idéntico al lorquiano, y que a partir de ahora exhibirá un itinerario desbrozado. «Juego y teoría del duende» (1933) es, por un lado, un ejercicio literario atractivo y complejo, impar y célebre, el más fecundo de los ensayos de Lorca dados en conferencia, pero también exuberante y, en ocasiones, errabundo, que ha generado reiteración y palabrería. En este trabajo queda desvelada una buena cantidad de misterios que el manuscrito lorquiano aún escondía. Existen tres tipologías de duendes musicales anteriores a 1933, y resultan ser la base del de García Lorca. Estos tres duendes, diferenciados aunque interrelacionados, se identifican y caracterizan por vez primera.Los más antiguos son estrictamente musicales, consisten en un tecnicismo jergal y los atestigua y define Felipe Pedrell: son rigurosamente inéditos. Extensión vocal de estos, y ya flamencos, son los que alentaban en la prensa liberal sevillana, concretamente en los artículos de Galerín, periodista, publicista y político cuya vida fue paralela a la de Federico. Quienes han reparado en ellos han errado en su comprensión, por haberlos leído con las poderosas gafas correctoras lorquianas. Los terceros espíritus de la serie, aparatosamente tópicos, fueron promovidos por los hermanos Álvarez Quintero. Lorca los conocía bien, pero los Quintero, junto con Jacinto Benavente, eran sus bestias negras. Por último, este libro registra y analiza una docena de ropajes, atuendos o filiaciones que adopta, después de Lorca, un Duende ya muy Persona, a saber: pureza, gitanería, antigüedad, ruina, beldad de lo feo, amusicalidad, jondura, grandeza, verdad, mística, rajo y pellizco. Ratificando un empalago. Celebrando nuestra seducción.

Estamos ante un libro que, a pesar de lo que pueda parecer, resulta realmente novedoso, con un espléndido despliegue de datos perfectamente engarzados que permitirán al lector aprender y disfrutar sobre cómo se formó la música que terminaría siendo el mayor exponente de cultura popular de la segunda mitad del siglo XX.Su importancia reside en que tiene muy en cuenta que el rock 'n' roll no nace de un día para otro ni en el vacío, en medio de la nada, sino que se trata de un proceso de muchísimos años en el que se ven implicados diversos elementos y agentes sonoros, así como otras disciplinas por ejemplo, la economía y la tecnología. En sus distintos capítulos se presta especial atención a la influencia española en su creación y también a los numerosos judíos cuya contribución es básica y no sólo como avezados empresarios. Hace hincapié en la importancia de la radio y sus listas de éxitos (el famoso Top 40) para que la presencia en las ondas diera la difusión necesaria. Para que esto sucediera, se cuentan con detalle todos los acuerdos, presiones, huelgas, boicots, corrupción, poder de las editoriales, y también la importancia de las tramas mafiosas que jalonan la trastienda del rock. Y, por supuesto, está el cine como generador de gran parte de la imaginería que luego abrazaría el rock. Tampoco olvida los soportes físicos donde se compra y vende la música, es decir, el mercado de canciones. Es difícil imaginar cómo hubiera sido este mundo sin el rock; sin Elvis, sin The Beatles. Pero las circunstancias únicas que facilitaron su nacimiento, pocas veces se ha explicado de forma tan global y de manera tan contundente. Por eso era necesaria una visión que, como esta, pusiera sobre el papel la importancia de las compañías independientes.Un libro que mezcla historia, narrativa y ambición documental. En palabras del prologuista, Igor Paskual, «un texto escrito en castellano y desde España tiene el nivel suficiente para estar a la misma altura que los libros anglosajones. El rigor, la pasión y la exactitud nos libran del compilatorio habitual de anécdotas».

1001 discos que hay que escuchar antes de morir presenta la selección crítica definitiva de la mejor música de los últimos sesenta años y constituye una guía ilustrada imprescindible para todo aficionado que quiera completar, o reconstruir, su discoteca ideal, del rock al pop, del punk al funk. 1001 discos que hay que escuchar antes de morir es una guía indispensable, informada, inteligente y compacta, que propone un recorrido a través de los mejores discos de todos los tiempos, comentados de manera apasionante e incisiva por auténticos expertos dirigidos por Robert Dimery e ilustrados por 800 imágenes de cubiertas de discos míticos, grupos y artistas. Desde el sugerente What's Going On?, que Marvin Gaye publicó en 1971 al regreso de Vietnam de su hermano, hasta el extraordinario álbum conceptual de David Bowie The Rise and Fall of Ziggy Stardust, aquí están todos los discos que en verdad cuentan: el revolucionario Revolver de los Beatles, que supuso un cambio radical en la música pop, y el torbellino de anarquía de los Sex Pistols y su Never Mind the Bollocks, que rompió con todo. Un verdadero recorrido por la historia de la música, desde esa cumbre del pop que es Pet Sounds, de los Beach Boys, hasta el grunge de Nirvana y su retorno a la sencillez y la vitalidad del rock'n'roll primigenio que significó Nevermind. Así, 1001 discos que hay que escuchar antes de morir se asoma a las interioridades de álbumes como el fundamental Velvet Underground & Nico, con artistas de la talla de Bowie y Joy Division, de REM y The Strokes; nos recuerda a famosa aparición de Bob Dylan, guitarra eléctrica en mano, en el Festival de Newport con su visionario Highway 61 Revisited grabado en 1965 en una Norteamérica en guerra con Vietnam y consigo misma, justo al tiempo en que Van Morrison producía su memorable Astral Weeks; y nos lleva después hasta el tono retro de la guitarra de los Stone Roses de «Madchester», en el álbum homónimo, o Blue Lines de Massive Attack, o Automatic for the People de REM, y tantos otros discos. En definitiva, una obra de referencia obligada para cualquier aficionado a la música.