Las presentes memorias castizas de Humberto J. Wilkes transportan a la España de antes, durante y después de la Transición. Desde el punto de vista de un holandés errante, pero muy convencido de su vocación, el autor pone negro sobre blanco en algunas estampas que cualquier aficionado al flamenco de todas las épocas soñaría con haber vivido. Recorrido por un arte universal en un momento crítico de su existencia. Ruptura frente a purismo, jóvenes frente a veteranos consagrados. Niño Ricardo, Paco de Lucía, Morente, Manolo Sanlúcar, Carmen Linares, Juan y Pepe Habichuela?, todos aparecen y a todos se les radiografía como nunca antes se había hecho. Desde el conocimiento que da la verdadera convivencia. Más allá del misterio que rodea al flamenco. El sonido de España.

"La prensa americana decía que Johnny Hallyday era la estrella del rock de la que nadie había oído hablar. Pero en Francia Johnny es un monumento nacional con un vínculo de identificación con su público como nadie lo ha conocido" Un rocker capaz de llenar estadios fuera del alcance de los Rolling Stones o de reunir a un millón de personas en un concierto a los pies de la torre Eiffel. De descubrir a un guitarrista desconocido llamado Jimi Hendrix y de montar el mayor puente aéreo desde la II Guerra Mundial para llevar a sus fans a un concierto en Las Vegas. De convertir su relación con Sylvie Vartan en un fenómeno social. De publicar cuatro autobiografías, una de ellas encuadernada en piel de cocodrilo. De hacer películas con Godard y de tirar a la basura un cuadro de Francis Bacon tras una noche de borrachera con Mick Jagger. De jugar a la ruleta rusa entre montañas de cocaína y de hacer que un presidente francés interrumpa una cumbre europea para preguntar por su estado de salud. Desde que en 1960 apareciera en la televisión francesa y descubriera el rock a un país que no estaba preparado para ello han pasado sesenta años. Sesenta años de vida en la carretera, de excesos, de discos memorables, de fracasos monumentales, de drogas, de mujeres, de peleas, de coches destrozados, de soledad, de un éxito pagado duramente. Sesenta años de rock'n'roll a toda tralla.

España, años ochenta. Surgen como se­tas grupos de rock con ganas de comer­se el mundo. Hay barra libre de caballo y otras sustancias. Muchos rockers veinteañeros se pasean por el lado salvaje al que cantó Lou Reed y coquetean con aquello del vivir rápido, morir joven y dejar un bonito cadáver. Sabino Méndez estuvo allí y sobrevivió para contarlo. Esta es la crónica de primera mano de una década convulsa y creativa, que el autor vivió en­tre Barcelona y Madrid como integrante de Loquillo y Trogloditas y letrista de al­gunas canciones que se convertirían en himnos. El libro habla de la gestación del grupo, de las giras accidentadas, de la relación con otras bandas como Alaska y los Pegamoides, Radio Futura, Gabinete Caligari, Siniestro Total, los Burros de Manolo García y Quimi Portet... Y también de la industria discográfica, los locales legendarios, los críticos que se movían alrededor de esa pujante escena musical, las actitudes punk y rockabilly y el mito y la verdad del «sexo, drogas y rock and roll». Fue una época de rebeldía, genialidades y excesos, una década canalla y pro­digiosa durante la que el país se transformó y algunos se asomaron al abismo. Méndez la evoca sin mistificaciones ni edulcoramientos. Escrito en el año 2000, Corre, rocker merece sin duda ser recuperado: no solo es uno de los testimonios más lúcidos sobre ese periodo, sino también una crónica personal de una extraor­dinaria potencia literaria.

En El sonido de los Beatles Emerick recrea sus experiencias en el estudio con los Beatles, relatando tanto las innovaciones musicales y experimentaciones sonoras de sus mejores grabaciones como los amargos conflictos y las jugosas anécdotas de lo que  que tenía lugar tras las bambalinas. Con su mirada nostálgica y personal de la creación de las canciones más perdurables de los Beatles, este libro ofrece la historia oculta de la mejor banda de rock de la historia. Prólogo de Elvis Costello

Tras la buena acogida obtenida por el libro Las Maravillosas Aventuras del Sr. Soul, ahora son sus padres los protagonistas. Desde la esclavitud, pasando por el trabajo en el campo y los cánticos en las iglesias, la Sra. Jazz y el Sr. Blues explican a los más pequeños cómo apareció la música negra tal y como la conocemos hoy en día.

Vicente Escudero es uno de los artistas más importantes de su tiempo. Es extraño que su obra no figure en los discursos de la Historia del Arte, en los Museos de Arte Contemporáneo, en las revisiones populares del canon estético del siglo XX, no ya como el actor que posa para unas fotos de Man Ray o unos dibujos de Francis Picabia, sino como el motor de una sensibilidad estética nueva, de modos de hacer que se adelantan con mucho a los de nuestro tiempo. Pensemos que casi treinta años antes de que aparecieran figuras como John Cage o Merce Cunningham, Escudero baila en un teatro de Nueva York durante 15 minutos en silencio, baila durante otros 5 minutos el aleatorio entrechocar de piedras, o durante otros 3 minutos el vibrato de una dinamo eléctrica. Es inusual encontrar en el campo del arte español y, también, en el campo del flamenco, una obra como Mi baile que publicó en 1947. Un testimonio autobiográfico que, además, intenta situar teóricamente su trabajo, situar sus logros, avances y tradiciones en su preciso contexto. No es sólo una excepción en el panorama del flamenco, tenido a menudo por ágrafo, es que los artistas españoles no suelen explicarse. Se trata por tanto de presentar ampliamente la escritura de Vicente Escudero, no sólo sus letras como veremos, también sus intentos de dar una notación coreográfica, verdadera finalidad de muchos de sus dibujos y gráficos. Escribir y coreografiar es para Escudero una misma cosa, una reflexión a posteriori de lo que el cuerpo ha ensayado sobre las tablas. La escritura y los dibujos y pinturas y ensayos gráficos que Escudero ensayaba son su más importante legado coreográfico y tienen esa misión de coreografiar, a contrapelo, podríamos decir con Walter Benjamin, su libérrima concepción del baile. Esta gran compilación de sus escritos y coreografías es un corpus fundamental para entender el flamenco antes y después de la guerra civil española, antes, en relación con La Argentina y, después, articulando la tensión dialéctica y enormemente productiva que se crea entre Pilar López y Carmen Amaya, una tierra de nadie en la que se inserta Vicente Escudero y que ofrece un impresionante legado coréutico y artístico.

Recopilación de posters originales de los más importantes conciertos de música celebrados en España, entre 1971 y 2017. Rolling Stones, Eric Clapton, Mike Oldield, otros

El octosílabo, que es el verso español por excelencia, sitúa por sí mismo, y sin duda alguna, al poeta y al cantor que lo construye. Luis Pastor, santo y seña de una generación que amaneció con las manos atadas, nos ofrece en ¿Qué fue de los cantautores? su decurso vital, su peripecia artística y, lo que para mí resulta fundamental, su decidido e inagotable compromiso con la causa humanista. Y lo hace con un resultado lírico verdaderamente brillante, pues Luis se mueve como pez en el agua en el verso octosilábico, que es también medida tradicional española para la canción ?en la que el autor es maestro de maestros?, y, apoyado en su ritmo, construye en primera persona su imagen de hombre entre los hombres con una narrativa efectiva y cautivadora, igual que lo son su sonrisa y su mirada vivaz teñida de la melancolía del fado. La voz que aún nos eriza y que fue capaz de hacer temblar a un régimen fascista alucinado, hoy se hace palabra escrita. La lectura es fluida, casi encabalgada por el ritmo tranquilamente frenético del que Luis Pastor la ha dotado, e incontenible hasta gastar el último verso de un trago largo y hermoso. Luis Felipe Comendador

Este libro recoge mi lucha con la locura James Rhodes durante meses de conciertos, de hoteles y de sentirme solo rodeado de desconocidos. Este libro no va sobre mí. Va sobre cómo me siento. Sobre cómo nos sentimos todos, al menos de vez en cuando. Este libro no va de ser feliz. Nunca, ni tú ni yo, seremos plenamente felices. Pero intentarlo puede ser algo maravilloso. *** Por el autor de «Instrumental», James Rhodes, 100.000 ejemplares vendidos.

Llega el avión, el microsurco y la Hi-Fi, y, tras los pasos de Pilar López, regresan de Nueva York, nuestros genios expatriados, Carmen Amaya, Rosario y Antonio, marcando el territorio flamenco con sus renovados pasos, poses y actitudes artísticas. De repente el arte jondo andaluz recobra el pulso por mor de unos virtuosos que se han refinado, madurado y crecido en Nueva York. Edgar Neville los acoge en su largometraje ?Duende y misterio del flamenco?, que más bien debió denominarse ?del flamenconauta?. El varón danzante toma la escena, siguiendo las huellas de Antonio ?por la tierra o en sus brincos airosos?, reconvertido en el bailarín de España. Muchos de los valores que saltan a la palestra, todos bailando la farruca del ?Sombrero de tres picos? conformada por los Ballets Rusos ?¿podríamos hablar de la ?farrusa???, proceden de Nueva York: José Greco, Manolo Vargas, Roberto Ximénez, Luisillo, Roberto Iglesias, Ángel Pericet, Rafael de Córdoba, el maestro Granero? Carlos Montoya, desde Manhattan, impone en el mundo la guitarra flamenca de concierto, y Lola Flores, el RAP. En 1955 comienza la fiebre española, un periodo de más de diez años en que todo lo español, desde Nueva York, se impone en América. Los artistas van y vienen, con su jet-lag en plan ole-stars. Así reaparecen en la Gran Manzana, celebrados por las multitudes y la crítica, Vicente Escudero y Carmen Amaya con Sabicas, que allí se asienta. El guitarrista que acompaña al tío Vicente, Mario Escudero, se hará compadre de Sabicas y por igual decide que en EE UU se le escucha, decide quedarse, impone maneras? Con José Greco, un adolescente llamado Paco de Lucía descubre América el filón que representan Sabicas y Mario Escudero, se entera, lo asume, y nada volverá a ser igual.

La insólita historia del mejor batería español de todos los tiempos, y de su grupo, Los Planetas, contada por primera vez desde dentro de la banda. Con seis años mi padre me encañonó con una pistola. Ni siquiera recuerdo su nombre. Con diez ingresé en la Falange porque quería tocar el tambor. Mis mayores influencias musicales han sido la Semana Santa y mi primera hostia, la que me dieron al nacer, quizá la más artística y la menos dolorosa. Me casé con dieciséis. Más tarde empecé a consumir drogas para evadirme. Debería haber muerto antes de los treinta. Durante estos cuarenta años he golpeado la batería como la vida me ha golpeado a mí, con todas sus fuerzas. Pero juro que este no es un libro triste. Os prometo que al leerlo os reiréis y amaréis la música casi tanto como lo hago yo. Reseña: «Narrada con una voz a tumba abierta, de una sinceridad brutal que no elude ni esconde, Cuatro millones de golpes es un relato ágil y apasionante, que se lee con devoción si se es capaz de buscar entre sus líneas las sombras que se ocultan más allá de los focos.» Manolo D. Abad, suplemento Culturas del diario El Comercio En los blogs... «Lo que realmente importa es que su vida da para un libro como este porque está llena de luces y sombras y eso es lo que la hace verdaderamente interesante.» Blog Books and Co «Tanto sus historias como la música, sin duda en todas y cada una de sus palabras se aprecia que destila amor por la música y eso acaba calando hondo en el lector.» Blog Popera parada «Es muy recomendable para fans de Los Planetas y también para todos aquellos interesados en los últimos cuarenta años de la historia musical de este país. Aunque si por algo destaca es por la arrolladora personalidad del autor.» Blog Todo Indie

Desde el momento en que entraron en juego las nuevas tecnologías aplicadas a la grabación y, sobre todo, la reproducción de música ?y no únicamente música, sino también la señal que emite nuestro televisor, las salas de cine o los teléfonos móviles?, nuestro oído se ha acostumbrado a nuevas frecuencias y a una dimensión completamente inesperada del sonido que se define a partir del paradigma digital. El sonido digital es limpio, carente de impurezas, comprimido, a veces aséptico. Al escuchar música en MP3 o streaming, en realidad estamos escuchando una parte limitada de todo lo que podríamos llegar a percibir si la estuviéramos escuchando en vivo, o grabada y reproducida con la antigua tecnología analógica. ¿Qué aspectos positivos y negativos tiene esta transformación? ¿Es inevitable el camino que estamos emprendiendo como sociedad que escucha, o se puede volver atrás? En este ensayo, Damon Krukowski, excomponente de Galaxie 500 y miembro del dúo Damon & Naomi, explica con una prosa nítida de dónde venimos ?el paradigma analógico? y hacia dónde estamos yendo, y durante el trayecto relata de manera detallada la transformación de los sistemas de producción y grabación y de los cambios en nuestro oído, y por extensión en nuestro cerebro. Lo nuevo que tenemos, y lo bueno que hemos perdido: la comunicación a partir del ruido, la distorsión, los crujidos, los accidentes. Lo que John Berger identificó como diferentes maneras de ver, Krukowski lo lleva al ámbito del sonido para identificar diferentes maneras de escuchar, y cómo cada una de estas opciones implican actitudes culturales irreconciliables. A partir de la música, y de su reivindicación del ruido analógico y del proceso artesanal, Krukowski se propone explorar en un sentido amplio la cultura contemporánea, y analizar cómo vivimos en el incontenible flujo de información digital hasta plantear la última pregunta, la más importante: ¿es aquí donde debemos estar, o hay una alternativa que consista en desconectarse y regresar a un nuevo paradigma analógico?