Pete Townshend, leyenda viva del rock y uno de los grandes incendiarios que, desde llamaradas como los Beatles, los Stones, Cream o Pink Floyd, encendieron una tormenta destinada a pulverizar los tedios establecidos y dar forma a una nueva manera de no ser viejo. Pete y sus colegas fueron audaces pioneros en la trituración pública de instrumentos musicales y otros enseres igualmente valiosos, el abuso recreativo de sustancias no recomendadas por las autoridades sanitarias y el comercio carnal e indiscreto con admiradoras más o menos ingenuas. Pero Townshend es también el creador introvertido, el chico extraviado y el hombre roto que intenta comprender sus flaquezas para sobrevivir a sí mismo. De todo ello ofrece testimonio Who I Am, una de las memorias más auténticas y ambiciosas que se haya escrito nunca en el Olimpo de la música popular.

Infancia esteparia, sueño californiano, Buffalo Springfield, Crosby y sus colegas, Crazy Horse... Ácidos, copas, escándalos, mujeres, acordes inextinguibles, desacuerdos... Regresos, vueltas y revueltas... Ésas son las claridades, ¿pero qué hay detrás o debajo de las sombras? Neil Young es una leyenda en ejercicio, una figura insoslayable del canon roquero desde los ya lejanos sesenta y además un enigma. Al menos hasta ahora. Porque el muy esquivo sujeto, aquejado tal vez de una brusca simpatía, decidió cierta mañana mostrarnos el sanctasanctórum de sus recuerdos e intimidades. Ese improbable experimento confesional es este libro: una voz cantante escrita de puño y letra (no hay fantasmas por medio) que nos presenta el calidoscópico panorama de una vida y una música ejecutadas hasta la médula, que nos conduce desde las nieves de Ontario a los edenes hawaianos pasando por las calles alucinadas de Los Ángeles en los albores de la gran turbulencia. Estamos, pues, ante el «relato definitivo» (tópico por una vez justificado) de un viaje obstinadamente inenarrable o, como afirma un crítico sin duda perspicaz, ante «la historia del rocanrol abierta en canal, en primera persona y en presente de indicativo».

La trinidad compuesta por sexo, drogas y rocanrol sería a estas alturas un venerable tópico si Steven Tyler no se hubiera consagrado a ella con un paroxismo sulfúrico capaz de disolver hasta los lugares más comunes. En lo relativo al primer punto podemos afirmar que incluso los atletas genitales vacilan entre la estupefacción y la envidia cuando contemplan su inagotable repertorio de incontinencias. Con respecto al segundo baste decir que nuestro héroe cifra en millones el costo de las sustancias empleadas para conocer tanto el éxtasis como el borde de la muerte.

En la formación de Tao Lin como escritor, la poesía y el relato breve estuvieron antes que la novela. De hecho, la colección de relatos Bed (2007) se publicó en paralelo a su primera ficción larga, Eeeee Eee Eeee, y aunque su labor le ha ido llevando cada vez más hacia obras de mayor extensión -Robar en American Apparel (2009), Richard Yates (2010) y Taipéi (2013)-, Lin nunca ha abandonado su dedicación al cuento. De hecho, la colección de toda su narrativa breve -que se reúne por primera vez aquí, en una primera edición mundial de sus relatos completos- permite seguir la progresión de una voz literaria incómoda y que ha servido como espejo de las preocupaciones de la generación de jóvenes que llegaron a la adolescencia en las grandes ciudades del mundo rico con el cambio de siglo. Tao Lin es el escritor que refleja de manera más cruda la apatía y la falta de esperanza en una sociedad que se ha vuelto hostil, individualista y en la que las únicas satisfacciones provienen de alivios puntuales -drogas de laboratorio, servicios de comida rápida, sexo casual sin ganas, noches sin dormir y conversaciones vía chat-. Este volumen recoge los nueve relatos que componen Bed -originalmente publicados en revistas y diarios como Portland Review, Spork o Dirty Press- y trece cuentos sueltos, nunca antes reunidos en un libro, escritos entre 2006 y 2014 para cabeceras como Vice, Hazlitt, Nerve o inDigest: una ocasión única para tener una perspectiva completa de la obra del llamado «Samuel Beckett de la generación millennial».

El sueño de un hippie, primera incursión de Neil Young en sus recuerdos, (Malpaso, 2014), despertó entusiasmos sin fronteras. "Una obra magnífica: humilde, sincera divertida y, a menudo, conmovedora", opinó el Wall Street Journal. "Tan fascinante y excéntrica como las propias composiciones de su autor", sentenció el New York Times. El gran cantante canadiense vuelve ahora a la carga con una segunda y no menos formidable entrega donde recrea su infancia, sus experimentos musicales, sus experiencias sexuales, su vida familiar, el gallinero del rock y, por supuesto el más tenaz de sus muchos trastornos: los coches. Éstos, en realidad, constituyen el hilo conductor y la excusa de una gira febril por las carreteras del pasado. Automóviles clásicos y a menudo maltrechos que lo esperaban en cualquier esquina para provocar un amor súbito y una compra a quemarropa.

Más al sur de la quimera no es una biografía al uso, ni unas memorias ni un cancionero. Es el análisis de la evolución del cantante Javier Ruibal que se inició en su tierra en los años 70, se enriqueció en Madrid en los 80 y que sigue la línea ascendente del reconocimiento internacional. Una obra coral donde el escritor Luis García Gil rastrea las huellas líricas del músico portuense a través de conversaciones con compañeros y admiradores de la talla de Miguel Ríos, Juan Echanove, Fernando González Lucini, Magda Bonet, Fernando Lobo, Martirio, David de María y David Broza y de Juan Luis Cano (Gomaespuma), autor del prólogo. Además de los escritores Juan José Téllez y Felipe Benítez Reyes. Un libro que hace un recorrido por las letras y las inquietudes del artista y aúna el rigor de una completa investigación, comentarios sobre su discografía y relatos de vivencias compartidas con artistas consagrados que sienten cariño y respeto por la música de Ruibal.

Sobre la escucha siempre ha pesado un estigma: el de ser, de entre todos nuestros sentidos, el menos fiable. Mientras que aquello que vemos y tocamos se nos revela como una realidad 'objetiva', una certeza a partir de la cual establecemos nuestro lugar en el mundo, el sonido se parece más a un fantasma; su lugar en el espacio es ambiguo y su existencia en el tiempo, transitoria. Es por ello que el sonido ha actuado desde siempre como metáfora de la revelación mística, los deseos prohibidos, lo siniestro, lo informe, lo sobrenatural y lo desconocido. Así como en Modos de ver John Berger establece el lugar preponderante de la mirada en nuestra experiencia del mundo, en Resonancia siniestra David Toop se propone reflexionar acerca de la naturaleza del sonido y de la escucha, asumiendo como punto de partida su carácter espectral e inaprensible. A partir de estas reflexiones (organizadas de manera musical, con ideas que vuelven una y otra vez como notas recurrentes), Toop da los primeros pasos para trazar una historia de la escucha, basándose en el testimonio que de ella nos brindan los mitos, la literatura, la pintura y la escultura. Esos medios, que pese a ser silenciosos poseen la capacidad para representar el sonido y el acto de la escucha, funcionan como dispositivos de grabación anteriores al invento del fonógrafo, permitiéndonos imaginar cómo era la vida auditiva en otras épocas y revelándonos cuál es la verdadera esencia del sonido, el ruido y el silencio. Así, al descubrir un mundo sonoro al interior de la obra de escritores como Melville, Hoffmann, Poe, Joyce, Woolf, Faulkner o Beckett, y de artistas como Rembrandt, Vermeer, Duchamp, Rauschenberg, Munch, Malévich o Twombly, Resonancia siniestra nos abre las puertas de una nueva dimensión perceptiva.

Si bien existen cientos de libros que documentan aquellos años en los que el punk desafió al status quo de la música con su nihilismo de tres acordes y la ética do it yourself, Postpunk. Romper todo y volver empezar de nuevo es el primero en recuperar a aquellas bandas que supieron ver en las condiciones generadas por el punk la oportunidad para establecer una verdadera ruptura con la tradición y experimentar por fuera de los estrechos parámetros del rock. Entregados a la tarea de profundizar la revolución iniciada por el punk, grupos como PiL, Joy Division, The Fall, The Slits, Devo, The Residents, Throbbing Gristle o Liquid Liquid exploraron territorios previamente desconocidos al incorporar las técnicas de producción del dub y la música disco, las radicales estrategias compositivas del krautrock, la música contemporánea y el free jazz, y el groove y la economía sonora del funk. Pero no solo de música se alimentó el postpunk: Cabaret Voltaire tomó prestado su nombre de Dada; Pere Ubu adoptó el suyo de Alfred Jarry; Gang of Four, inspirado por Brecht y Godard, trató de deconstruir el rock; los letristas absorbieron la ciencia ficción radical de J.G. Ballard, Philip K. Dick y William S. Burroughs; y bandas como The Pop Group o Contortions se inspiraron en el teatro de la crueldad de Artaud para romper las barreras entre el público y el escenario. Al purismo estridente del punk, el postpunk le opuso eclecticismo e hibridez. Y a su tradicionalismo rockero, un imperativo de cambio constante. Escrito seis años antes que Retromanía, en este libro el crítico británico Simon Reynolds le rinde homenaje a una de las últimas vanguardias que dio el rock, 'más que un género musical, un espacio de posibilidades que engendró incontables géneros y escenas'. Si bien aquellos años del postpunk que van de 1978 a 1984 vieron nacer a muchos grupos que luego gozaron de una enorme fama como New Order, Depeche Mode, The Cure o U2 su historia no fue escrita por los vencedores: muchos de ellos grabaron discos innovadores pero nunca alcanzaron más que el estatus de grupos de culto, teniendo que conformarse con haber influenciado a megabandas como Red Hot Chilli Peppers, Nine Inch Nails o Radiohead o alimentar la retromanía actual de bandas neopostpunk como The Rapture, LCD Soundsystem, Franz Ferdinard o Interpol.

La copla flamenca encierra una gran riqueza literaria que ha despertado la admiración de escritores y folcloristas, que ven en ella una prueba más de la imaginación y creatividad del pueblo. Los escritores encuentran en las letras flamencas una poesía elemental y profunda, alejada de retóricas superficiales e innecesarias;

Extensa, documentada y cercana biografía del insigne cantaor Manuel Soto ''Sordera de Jerez'', prologada por José Manuel Caballero Bonald, y realizada por José María Castaño, gran conocedor de la calidad humana y profesional de esta figura del flamenco. El rigor indagatorio y las aportaciones informativas de primera mano garantizan el más que evidente valor documental del texto. Una memoria indispensable, en definitiva, para recordar y conocer mejor a ese espejo de cantaores que fue Manuel Soto ''Sordera'';

El volumen que tiene el lector entre susmanos atesora las contribuciones científicas presentadas en ell Congreso Interdisciplinar Investigación y Flamenco -INFLA, celebrado en la EscuelaTécnica Superior de Ingenieros de la Universidad de Sevilla los días

Se publica después de un siglo de su creación lo que se considerara como el primer cancionero de coplas flamencas populares según el estilo de Andalucía y es que el nombre de Balmaseda no debería faltar en ninguna historia menuda y precisa de la literatura española y, particularmente, de la poesía popular y por ende el flamenco, como síntoma o revelación de una tendencia literaria aún vigente en las escurriduras o postrimerías del Romanticismo. La edición y el prólogo corren a cargo de Enrique Baltanás;

De unos años a esta parte, se escribe muchísimo de flamenco. Demasiado, a veces. Todo lo contrario a lo que ocurría hace un siglo. Hoy resulta sorprendente comprobar que, en el siglo XIX, las referencias al flamenco fueran casi totalmente inexistentes

José Belloso es un poeta popular porque partiendo de los moldes formales de la tradición oral -coplas, romances, canciones, trabalenguas, retahílas, adivinanzas, cuentos...- consigue, por medio de una muy consciente reelaboración artística, resultados poéticos extraordinarios. El contenido de este libro no es ni mucho menos toda la obra de José Belloso. Representa una selección para que el lector se haga una idea de los diferentes registros que abarca su creación;

El objetivo de esta obra es acercarse con profundidad a dos estilos flamencos, la alboreá y la petenera, en sus vertientes históricas, literarias, musicales, sociológicas, etc. Los dos estilos, amén de la intrínseca belleza musical de sus variedades rítm

Antropología y Flamenco. Más allá de la Música (II) analiza el hecho de que en este arte, la seducción siempre ha conseguido dominar al conocimiento y la admiración internacional que hoy suscita aún le puede a su comprensión científica y a su acomodo académico. Frente a esto, la autora propone el respeto como la herramienta que convierte al interés noble y sencillo en rigor y método, en documentación, en trabajo de campo y desarrollo de proyectos al ocupar el terreno de la investigación;

Steingress se ha convertido en el teórico mayor de la sociología del flamenco por una parte, y en un estudioso que aporta gran número de razonamientos acerca de los ingredientes musicales y humanos que dieron lugar al fenómeno artístico del flamenco (del prólogo de Manuel Ríos Ruiz);

La única actitud positiva para prestigiar el fenómeno del flamenco en su totalidad es conocerlo y contribuir a que los demás lo conozcan más y mejor. Ello implica analizar y luego describir la cultura que lo informa, el código en que se expresa, el contexto antropológico y social en que se desenvuelve y el mundo poético que genera;