Mediante un lúcido, ágil y entretenido repaso a la trayectoria escénica y discográfica de David Bowie, Critchley traspasa su hipnótica apariencia hasta llegar a sus entrañas: la originalísima visión del mundo que inspiró su música, su aspecto, sus estrategias para comunicarlas al gran público. Nos revela a un artista sumamente sofisticado, complejo, culto, atormentado, que sublimó su perpetua sensación de inautenticidad para revolucionar de raíz el mundo del pop. En el proceso, encontramos a un artista en una continua búsqueda de material creativo, alentado siempre por un impulso alojado en sí mismo que ni la música, la fama, el sexo transgresor, o siquiera las drogas, pudieron satisfacer jamás, pues «lo que define buena parte de la música de Bowie es una experiencia del anhelo».

¿QUÉ OCURRE CUANDO TODO UNA GENERACIÓN COMETE EL MISMO CRIMEN? "Cómo dejamos de pagar por la música" documenta por primera vez uno de los fenómenos clave de la cultura contemporánea: la debacle de la industria musical tal y como la conocíamos, y la irrupción de la cultura digital, la piratería y los archivos de audio MP3 como vehículo del nuevo consumo de la música. Tras años de investigación, Stephen Witt construye un fascinante relato que explora tres momentos de la historia que explican cómo ha cambiado el mundo en relación con el consumo de la música grabada. El primero de los momentos nos lleva a los investigadores e ingenieros alemanes, encabezados por Karlheinz Brandenburg, que, buscando un método que permitiera comprimir el sonido para facilitar su transmisión, dieron con un invento que, a pesar de que fue inicialmente denostado por el comité que decide qué estándares tecnológicos llegan al consumidor (MPEG), revolucionaría a finales del siglo XX la manera como el público escucharía la música a partir de ese momento. En segundo lugar, la investigación de Witt nos lleva a Dell Glover: el «paciente cero» de la piratería, uno de los primeros que empezó a filtrar los discos de éxito del momento semanas antes de que salieran al mercado. Glover, que trabajaba en la planta de CD de Kings Mountain, Carolina del Norte, perteneciente al gigante de la industria musical PolyGram, extraía subrepticiamente los CD de la fábrica antes de que salieran al mercado y los «colgaba» en las primigenias redes piratas, a partir de las cuales se extendían como el cáncer por todo el mundo. El tercer gran protagonista es una de las eminentes figuras de la industria musical norteamericana: Doug Morris, que, al frente de las principales majors de la música, contempló cómo la industria musical que había contribuido en gran parte a levantar se iba a pique. "Cómo dejamos de pagar por la música" es el relato de esta controvertida historia que traza el paso del CD al MP3, y del pago por la música a la «gratuidad». Fenómenos como Napster, The Pirate Bay, el iPod y iTunes de Apple, y un largo etcétera, se dan cita en este libro que ilumina uno de los fenómenos más paradigmáticos de nuestro tiempo.

A principio de la década de los noventa, una banda contestataria conquista el sistema que tanto detesta gracias a las ventas millonarias de su segundo álbum, Nevermind. Nirvana había logrado sustituir los sentimientos prefabricados de la industria por emociones en estado puro, devolviendo el rock a sus orígenes de música transgresora. Durante sus escasos seis años de trayectoria, trágicamente truncada, estos tres chicos de Seattle sacudieron viejas creencias y sentaron nuevas bases dejando tras de sí un breve pero intenso legado musical. En abril de 1994, la noticia de la muerte de Kurt Cobain, cantante, guitarrista y principal compositor de Nirvana conmocionó la escena musical. Sensible, irónico, rebelde y abanderado defensor de la libertad sexual, Cobain aunó su guitarra corrosiva con melodías rotundas y originales. Erigido a su pesar ídolo de la Generación X por aclamación popular, resulta inevitable que la furia de su música sea apreciada y compartida por todos aquellos que, como él, se han criado con una cierta dosis de desilusión. Este volumen recoge las letras originales con su traducción al castellano de todos los discos de Nirvana. Se incluyen también los textos de las carátulas y la supuesta nota de suicidio de Kurt Cobain.

"¿Has sido amada alguna vez?" le preguntó Janis a una amiga después de un concierto en Michigan. "Yo no. Solo siento eso en el escenario. Voy a escribir una canción que hable de hacer el amor con 25 000 personas en un concierto, y después volver sola a mi habitación... Lo único que tengo es el público, y esa es toda mi vida. No tengo nada más." Con su desgarradora voz inolvidable, Janis Joplin supo llegar al corazón de quienes tuvieron el honor de verla actuar y de aquellos que se han tenido que contentar con conocerla a través de sus discos. Prototipo y víctima de los revolucionados años sesenta, pocos artistas han igualado su sinceridad y pasión tanto en los escenarios como fuera de ellos. En este volumen de canciones de Janis Joplin se incluyen las letras originales y su traducción al castellano de todos los temas que grabó, tanto propios como ajenos, junto a extractos de algunas de sus entrevistas. Así mismo, la biografía de Janis está disponible en el número 22 de esta misma colección.

En esta nueva edición de la Guía del flamenco se expone el origen, nacimiento y desarrollo del flamenco y se analizan los periodos fundamentales de su evolución, así como los enclaves geográficos más significativos. También se analizan las características básicas del cante, el baile y el toque. Se aporta a su vez, un glosario de términos específicos al tiempo que se incluye una relación, por orden alfabético, de casi 600 fichas de artistas relevantes de todas las épocas con sus datos biográficos y profesionales. Esta nueva edición contiene, además, un capítulo dedicado al piano flamenco y otro a las nuevas tendencias. Dos apartados finales con discografía y bibliografía completan el trabajo.

Durante una breve época, en una Europa amenazada y posteriormente ocupada por la Alemania nazi, el jazz fue el estilo musical más escuchado del momento, tan ubicuo y popular como más tarde lo sería el rock and roll. Definido como «música americana negrojudía de la selva» por Joseph Goebbels, el jazz no tardó en ser calificado como «degenerado» y oficialmente prohibido por el régimen. Sin embargo, era la banda sonora de la vida nocturna en Berlín, París y otras capitales europeas, y sus entusiastas, a pesar de los riesgos, no estaban dispuestos a renunciar así como así a su música predilecta. Embarcado en una investigación personal de aquel turbulento periodo, el músico y periodista Mike Zwerin dedicó dos años a viajar por Europa entrevistando a aquellos singulares individuos que interpretaron y disfrutaron el jazz a la oscura sombra de Hitler, consignando para la memoria historias tan fascinantes como trágicas, tan espeluznantes como excepcionales. Entre ellas, la del único miembro superviviente de los Ghetto Swingers, una orquesta judía de jazz que «actuó» en Theresienstadt y Auschwitz; la del piloto de la Luftwaffe que escuchaba a Glenn Miller mientras bombardeaba Londres; la del pianista polaco que pasó de tocar en clubes clandestinos de Varsovia a tocar el contrabajo en un sexteto de jazz en el campo de concentración de Flossemburg; la de los pandilleros berlineses aficionados al swing y los entusiastas zazous de París que desafiaron a las autoridades, arriesgándose a terminar en prisión por la oportunidad de bailar en público una música prohibida; y, cómo no, la de Django Reinhardt, el brillante guitarrista gitano que se negó a huir de la Francia ocupada por los nazis. El resultado es "Swing frente al nazi: el jazz como metáfora de la libertad", una crónica fascinante con un punto de vista único sobre el papel adoptado por el jazz en el peor de los momentos.

El disco-libro Apuntes sobre mi paso por el invierno Marwan convierte la primavera como escenario ideal para presentarlo ya que sus canciones hablan de lo aprendido sobre el invierno, de una persona que tras caer se levanta habiendo escuchado a sus heridas. Un viaje emocional hacia la luz, hacia la felicidad. El que el tema central no es el desamor sino las respuestas obtenidas de los golpes de la vida. Habla sobre el hecho de conocerse a uno mismo como un paso primordial hacia la felicidad, de la experiencia amorosa y los golpes que uno se da como fuente de inspiración para una vida más hermosa.

Una historia visual definitiva de la compañía discográfica independiente con sede en Detroit, que se convirtió en un estilo por sí misma, con una producción prolífica y llena de éxitos de una música suave, sofisticada y fresca, durante las décadas de los sesenta, setenta y ochenta. Con numerosas fotografías encargadas para esta edición, que muestran los auténticos tesoros que se esconden en los archivos. Motown fue el hogar de Stevie Wonder, Smokey Robinson & the Miracles, Diana Ross & the Supremes, Marvin Gaye, The Jackson 5, The Temptations, entre otros muchos grandes artistas. Han sido necesarios unos cuantos años para editar este libro. Repleto de imágenes frescas obtenidas de las entrevistas con los músicos, este título, excepcional y revelador, realiza un análisis en profundidad del funcionamiento de Motown y detalla cómo un pequeño equipo de creyentes de trastienda consiguió convertir un pequeño negocio familiar en una auténtica potencia musical: una espectacular obra de amor acorde con una historia increíble.   Una obra que se convierte en un referente en cuanto a la iconografía gráfica y de diseño que forma la base de la extraordinaria creatividad de Motown.

Los textos reunidos en este volumen a cargo de su biógrafo, Pedro Ignacio López, son una recopilación creada ex novo, bastante completa, de las crónicas y los artículos que sobre el mundo de la música, en general, publicó Camba a lo largo de su carrera en La Correspondencia de España, El Mundo, La Tribuna, ABC y El Sol. Más de la mitad permanecían olvidados en las hemerotecas, siendo prácticamente desconocidos para la mayor parte de los lectores. De este modo, el libro se convierte no sólo en una recopilación temática, sino también en un excelente muestrario general del articulismo inédito de Camba.

Londres. Corre el año 1967 y Pauline deambula sin rumbo por la mágica metrópoli contracultural de los sesenta. Tiene 21 años, trabaja en una agencia de secretarias y no suele desmelenarse, pero un inesperado encuentro cambiará radicalmente su vida: una tarde recibe la llamada de un sujeto que necesita transcribir las letras de un disco. Es Frank Zappa. Ese feliz e improbable encargo vendrá seguido por vagos flirteos, extrañas confidencias y una propuesta desconcertante: trasladarse a Los Ángeles e ingresar en la variopinta cuadrilla que allí convive y desvaría con el cantante. Aceptada la invitación, nuestra audaz mecanógrafa asistirá atónita y deslumbrada al asombroso espectáculo que se representa frente a ella. Contempla la incansable actividad creativa de Zappa, es toda oídos durante sus peregrinos coloquios con tipos como Mick Jagger, George Harrison, Eric Clapton o Rod Stewart y asiste religiosamente a los extáticos ensayos de su grupo, ceremonias por las que desfila una caterva de friquis, tunantes, colgados y entrañables soñadores. De todo ello da cuenta en este libro.

La dramática y truculenta vida de Jerry Lee Lewis es una de las más legendarias de la historia de la música popular norteamericana. Considerada una de las mejores biografías jamás escritas, "Fuego eterno (Hellfire)" es un fascinante relato que bascula entre la ficción más oscura y desatada y una precisión documental quirúrgica, y que desde su publicación en 1982 no ha dejado de ser aclamado y reivindicado. Nacido en Luisiana de una dinastía que se remonta a los primeros colonos -una estirpe de jugadores y bebedores empedernidos-, Jerry Lee Lewis se debatió desde su temprana juventud entre el Espíritu Santo y las tentaciones del demonio; entre la Salvación y el sexo, las drogas y el rock and roll, y fraguó junto con otros muchachos indómitos una de las grandes revoluciones culturales y musicales de Occidente. Empezó a tocar a los catorce años, cuando descubrió que el piano -que tocaba como un poseso- podía ser un instrumento diabólico y espiritual, y a los veintiuno grabó «Whole Lotta Shakin' Goin' On» para la mítica discográfica Sun Records de Memphis y se convirtió en leyenda. Poco después vendrían la provocadora «Great Balls of Fire», las drogas, el arrebato, la fama desmesurada, el matrimonio con su prima de trece años, la infamia y el escándalo... Y cuando parecía que su carrera estaba acabada, renació como artista country a finales de los 60. "Fuego eterno" ilumina el alma atormentada de uno de los salvajes más perdurables de la cultura popular y da cuenta de la gran revolución que supuso la eclosión del rock and roll, cuyo estruendo y revulsivo han llegado hasta nuestros días.

· Las canciones de amor son eternas, y desde siempre han estado asociadas a bohemios, renegados, marginados y oprimidos. · Este es un recorrido por una historia inexplorada. Basándose en dos décadas de investigación, Gioia presenta el catálogo completo de las canciones de amor, desde los ritos de fertilidad de las culturas antiguas hasta los videoclips actuales. · Un ensayo revelador que nos muestra cómo la más dulce de las músicas ha jugado un papel clave en la expansión del individualismo y la autonomía personal.

- Tarareamos canciones que decimos detestar. - Solo nos emocionamos cantando cuando nadie nos ve. - Lloramos con baladas de las que nos hemos burlado antes. - Mentimos sobre lo que nos gusta para que nos acepten. - Y decimos que los demás tienen muy mal gusto. Considerado uno de los mejores ensayos estéticos sobre el gusto musical de la década, «Música de mierda» investiga el mal gusto y la sensiblería musical a partir de una contradicción: ¿por qué la persona que más discos vende es de la que más gente se ríe? Carl Wilson quiso hacer una investigación sobre el éxito de Céline Dion pero se descubrió escribiendo un ensayo maravilloso sobre el amor (a la música), el esnobismo como coraza y la capacidad de emoción en tiempos de cinismo. «Un ensayo profundo, provocador, que te obliga a preguntarte quién diablos eres realmente.» NICK HORNBY «Leyéndolo sentí que me acercaba un poco más al gran misterio de la música.» ALEX ROSS, autor de «El ruido eterno»

Greg Milner recorre la historia de las grabaciones y trata de desentrañar conceptos engañosos como la alta fidelidad al tiempo que trata de arrojar luz sobre cómo la tecnología ha influenciado a la música popular llegando incluso a modificar nuestro oído y nuestra percepción. Para ello investiga desde las primeras pruebas de tono en las que Edison exhibía de forma pública su fonógrafo ante un grupo de entusiastas incapaces de distinguir el sonido grabado del sonido que una banda interpretaba en directo, la irrupción de la grabación multipista analógica, el muro de sonido de Phil Spector o las grabaciones de The Beatles, la aparición de los primeros sistemas de grabación digital y el disco compacto, los sistemas de compresión y la llegada del MP3, así hasta llegar a la búsqueda de la perfección en sistemas alternativos y sin pérdida, sistemas como Pono, apadrinado por Neil Young, o la vuelta al vinilo. Todo ello salpicado de conceptos que todos manejamos (como la llamada alta fidelidad) pero que realmente no tenemos muy claro a qué se refieren El sonido y la perfección, traducido al español por el reputado músico y productor Yuri Méndez [Pájaro Sunrise], es un libro obligatorio para cualquier amante de la música, un libro que hará que los lectores se replanteen qué es lo que llega hasta sus oídos y que les llevará a comprender la música que escuchan a diario de una forma diferente.