En 1970 se grabó y se estrenó una de las obras más importantes de la música contemporánea, la Cantata de Santa María de Iquique. Compuesta un año antes por el músico chileno Luis Advis e inter­pretada por Quilapayún y Héctor Duvauchelle, la obra se convirtió en un emblema de la lucha obrera y acompañó al movimiento político, social y cultural surgido alrededor de la Unidad Popular, coalición ganadora de las elecciones que llevó a la presidencia de Chile a Salvador Allende. Sin embargo, la obra ha permanecido desde entonces como un im­pulso inconsciente político que ha traspasado fronteras nacionales e históricas. Como un clásico de la música contemporánea política, junto a obras de Hanns Eisler, Luigi Nono, Marc Blitzstein o Dmitri Shostakóvich, la Cantata integró formas musicales modernas y formas populares para narrar la historia de una matanza ocurrida en 1907, en la ciudad norteña de Iquique. El conjunto de ensayos que se publican en este volumen intentan analizar esta obra desde distintas perspectivas, contextualizarla, entender su proyección sobre el presente y pensar sobre los procesos criminal

David Ritz nos ofrece el muy necesario contrapunto a las memorias de Aretha Franklin (inéditas también en castellano), echando mano de las fuentes que componían el círculo familiar de la artista, y contrastando cuanto compiló, al oficiar como negro, con los testimonios de quienes convivieron y trabajaron con Aretha. He aquí la biografía definitiva de una de las más excelsas y atormentadas voces de la música sacra y popular de la cultura estadounidense. Un apabullante inventario de las tribulaciones, aciertos, disfunciones, iluminaciones, ambiciones y despropósitos que jalonaron la azarosa existencia de la Reina del Soul. Un documento de época heroico, honesto, entrañable y sin censura.

Cuando Mötley Crüe alcanzaron el punto álgido de su fama, no existía droga que Nikki Sixx no estuviera dispuesto a probar. Se pasaba días enteros envuelto en una bruma inducida por el consumo de cocaína y heroína. En una de las memorias más singulares jamás publicadas sobre la adicción, Nikki comparte aquellas entradas de su diario correspondientes al año en que su drogodependencia se descontroló hasta llevarle al borde mismo de la muerte. Algunas de ellas son poéticas, otras delirantes y absurdas, pero todas reflejan el momento en que fueron escritas. Para proporcionar un contexto adecuado, las entradas vienen comentadas con la perspectiva que da el tiempo por el propio Nikki, acompañado de toda una serie de amigos, colegas, exparejas y familiares que sufrieron en carne propia las consecuencias de lo narrado. Tommy Lee, Vince Neil, Mick Mars, Vanity, Slash, Rick Nielsen, Lemmy, Bob Rock o Ross Halfin son sólo algunos entre la más de dos docenas de nombres que intervienen en el libro para poner un poco de orden en la locura.

Cancionero bilingüe (1978-2019) de Nick Cave, desde sus canciones para The Birthday Party hasta muy aclamados álbumes como Murder Ballads, Henry's Dream y Dig, Lazarus, Dig! hasta su último trabajo, Ghosteen. De obligada lectura para todos los fanáticos de tan atormentado bardo y letrista. Prólogo de Will Self y conferencia del propio Cave sobre el arte de escribir canciones.

El jazz es la base de toda la música estadounidense. Empezando como una revolución rítmica en Nueva Orleans, el jazz se transformó en big band swing, bebop y rhythm and blues, mientras que sus ideas de groove e improvisación se convirtieron en parte integral del soul y el rock; y luego, del funk y el hip-hop. Este libro se centra en el desarrollo del jazz en las comunidades afroamericanas de cinco ciudades: Nueva Orleans, Chicago, Kansas City, Nueva York y Los Ángeles —a través de una combinación de estudios urbanos, contexto histórico y perfiles clave de figuras importantes. También es una guía auditiva: las listas de reproducción seleccionadas iluminan la interacción dinámica de solo y sonido, blues y grooves, improvisación y swing en conjunto. Los maestros del jazz enseñaron a los músicos del planeta cómo encontrar sus propias voces individuales, así como a arriesgar, luego, en una conversación dinámica con otros. El jazz es una historia de arte, cultura, raza, libertad, estética, política, lucha y autoexpresión.

En estas páginas, Harry revela de manera íntima, espontánea e irreverente el antes, el durante y el después de su paso por Blondie, haciendo hincapié en la escena punk y new wave en Nueva York, su proceso creativo, su experiencia con las drogas, historias íntimas y sus colaboraciones con otros artistas, y relata sin censura los retos de ser una mujer en una industria dominada por hombres y su eventual éxito.

Lou Reed, Noel Gallagher, Lenny Kravitz, Sabina, Calamaro, Fito, Vetusta Morla... Todos han pasado por la mirada de Alberto Cueto durante los últimos diez años para contarnos los secretos del rock and roll. Más de veinticinco profesionales nos explican de forma pedagógica cómo componen, a qué tienen miedo o qué hacen antes de un concierto. Como periodista, Cueto pone de relieve el género que arrasó en la segunda mitad del siglo xx, sus iconos y sus momentos históricos: Los Beatles, Los Stones, Dylan, Neil Young, Springsteen, Woodstock, Altamont... Como músico, el autor describe cómo se vive en una banda de rock desde dentro, con su experiencia en el Bilbao gris de los años noventa.

Se reúnen de nuevo, con algunas novedades añadidas, las escrituras libérrimas que hace ya más de veinte años Pedro G. Romero encargó a una serie de artistas y teóricos como textos de apoyo a los Talleres que el propio autor iba a impartir en el Centro Andaluz de Danza. De aquella experiencia surgieron posteriores colaboraciones y el proyecto fue el origen de una revolución en la danza y el baile flamenco —entendidos aquella como expresión reglada y culta y este como la libre expresión popular del cuerpo en movimiento— que hoy contemplamos con regocijo en varias compañías, pero cuyo origen puede situarse en el estreno de Los zapatos rojos de Israel Galván. Desde muy diversos puntos de vista, en una especie de polifonía que engloba diferentes mundos, el baile y la danza son analizados para ir más allá de las líneas estrictas en las que por entonces se movían. El poeta y filólogo Agustín García Calvo y el filósofo Giorgio Agamben presentan textos fundantes de una manera de entender las artes escénicas. Trabajos más intuitivos como los de Isabel Escudero, Esteban Pujals o David Pérez siguen la estela de pensar la danza y, en consecuencia, no explicarla, más bien entenderla como una forma distinta de pensamiento. En ese pensamiento lírico y sensual, pero sobre todo flamenco se mueven también las contribuciones de Ortiz Nuevo. Desde Nueva York, Kirby Gookin y Berta Sichel enfrentan, como dos adelantados a su tiempo, el movimiento del cuerpo con la técnica. Los textos de Estrella de Diego, Patricia Molins y Delfín Colomé conciben la danza como un arte especialmente femenino y feminista, mientras Julián Ruesga Bono lo hace desde sus intereses artísticos y textiles, y Antonio Álamo y Pepa Gamboa desarrollan sendas puestas en escena. A este festín se suman los textos del propio Pedro G. Romero, donde se apuntan las preguntas fundamentales de ese enfrentamiento danza/baile, y un epílogo de Georges ­Didi-Huberman que vale como broche, culminación y amalgama del resto de los contenidos del libro.

***En la lista de los Mejores Libros del Año 2019 según NPR*** Cuando Liz Phair irrumpió en la escena musical independiente a principios de los noventa con su controvertido doble álbum "Exile in Guyville" —su particular respuesta, tema a tema, al célebre "Exile on Main St." de los Rolling Stones—, su sinceridad descarnada, sexualidad sin tapujos y talento como escritora de canciones lo convirtieron en un disco fundamental del rock alternativo y en manifiesto generacional. Siguiendo la estela de otros iconos del rock como Patti Smith o Kim Gordon, Phair compone una original autobiografía a partir de diecisiete momentos clave de su vida a modo de cuentos morales que transpiran miedo, dolor, rabia, humor, sentimiento de culpa o patetismo a partes iguales. Sin hacer concesiones y dejando de lado la habitual autocomplacencia de las estrellas del rock, Phair hurga en las cicatrices que ha dejado una vida consagrada a la creación para concluir que son las traiciones —padecidas o infligidas— las que nos conforman como seres humanos.

Un libro imprescindible sobre la trascendencia que ha tenido el uso de la tecnología en la música y cómo esta ha cambiado nuestra manera de escuchar y de entender lo que es la música. Este libro es la apasionante celebración de un tema al que David Byrne ha dedicado su vida: la música. Divulgativo, literario y documentado, Cómo funciona la música combina apasionantes nociones sobre la historia de la tecnología musical, anécdotas autobiográficas sobre su etapa en Talking Heads, un repaso a las corrientes musicales del siglo XX y un interesante análisis sobre el presente y el futuro de la industria musical. David Byrne muestra cómo la música ha sido siempre resultado de circunstancias culturales y de la creatividad individual. En un momento en el que muchos anuncian el fin de la industria musical, un texto tan riguroso y optimista como este es francamente necesario. La crítica ha dicho... «Fascinante.» Booklist «Extraordinario.» The Guardian «Brillante y original.» The New York Times Book Reviews «Deslumbrante.» The Onion A.V. Club «David Byrne es un tesoro viviente.» El Mundo