En esta antología se realiza una aproximación poética al flamenco, con una selección de algunas de las letras más populares y tradicionales, junto con otras más recientes y de autor conocido. Para la selección se han seguido criterios poéticos, pero también se ha tenido en cuenta el valor histórico y tradicional de las letras dentro de los estilos flamencos. La presentación de estas, agrupadas por palos, facilita una aproximación a la compleja estructura de los estilos flamencos. Además, para resaltar la importancia de los letristas y sus letras dentro del flamenco, se acompaña un listado de los autores conocidos de los que se han seleccionado algunas de sus creaciones. Una aproximación al flamenco a través de una antología de coplas centrada en su valor poético y tradicional. La selección ha sido realizada por: José Cenizo Jiménez. Profesor, experto en flamenco y poesía, crítico literario, escritor y letrista. Rafael Domínguez Villa. Escritor, poeta y letrista. Domingo Giménez Cánovas. Aficionado al flamenco y la poesía, coordinador de esta antología. Catalina León Benítez. Profesora, escritora, estudiosa del flamenco y experta en su didáctica. Francisco Antonio Linares Lucena. Profesor, escritor, investigador, poeta, letrista, lexicógrafo, dialectólogo y estudioso del flamenco. José Francisco Ortega Castejón. Experto en música y flamenco, editor de la Revista de Investigación sobre Flamenco La Madrugá. María del Mar Prats Yusta. Profesora de baile, poeta y letrista. María Victoria Verdú González. Escritora, poeta, letrista y experta en flamenco.

Quizás este no sea el mejor libro que se pueda escribir sobre La banda Trapera del Río, seguramente podría haber aportado muchas más anécdotas, curiosidades y material, pero para mí, ha sido un gran esfuerzo mental, de recuerdos, de fechas, de vivencias. Hay recuerdos bonitos, entrañables, pero también los hay dolorosos, y eso me es muy difícil reflejarlo en unas páginas que estaban en blanco, como lo estaba mi mente en esos momentos, ha sido muy difícil para mí. El año en que he escrito este libro ha sido un año complicado a nivel emocional, marcado por pandemias, pérdidas y cambios. Podría contar miles de historias más relacionadas con la Banda Trapera del Río, mostrar documentos inéditos que aún tengo guardados y espero que, más adelante tenga la oportunidad de hacerlo. Espero que este libro haya quedado lo suficientemente digno para que os guste y os pueda tocar un poquito vuestro corazón trapero. El mío lo he puesto.

LIBRO DEL AÑO según Rough Trade y Resident ENTRE LOS MEJORES LIBROS DEL AÑO SEGÚN Rolling Stone, Mojo y Sunday Times Las aclamadas memorias de Miki Berenyi de Lush, o los altibajos contados con una honestidad brutal de una superviviente del britpop de los 90. Hija de padres ausentes y bohemios, Miki Berenyi sufrió desde muy joven los frecuentes traslados y la oscura presencia de una abuela maltratadora, lo que acabaría desembocando en diversos trastornos. El camino para salir de este agujero fue la música. Junto con su amiga de la universidad Emma Anderson formó Lush, grupo que grabó desde finales de los 80 varios discos para el prestigioso sello 4AD entre el shoegaze y el britpop y alumbró algunos himnos del pop británico, pero que desapareció de manera fulminante tras el suicidio del batería Chris Acland en 1996. En sus memorias, Berenyi revive las agotadoras giras, las sesiones de grabación y la locura de la industria musical de los 90 en Gran Bretaña, y documenta el emocionante ascenso y la prematura caída de Lush. Pero, sobre todo, relata el conflicto entre su lenguaraz y provocadora personalidad pública y su fragilidad privada; la dificultad de ser una mujer en un mundo exasperantemente masculino y machista, y la lucha por encontrar un término medio entre el prestigio y las concesiones comerciales. Contada con franqueza y sin tapujos, un humor irónico y una honestidad emocional desgarradora, esta es la increíble historia de una mujer pionera y una banda seminal que supieron abrirse camino a pesar de las adversidades.

Acaso no haya mejor tributo al legendario compositor Edward Kennedy “Duke” Ellington, en el cincuentenario de su muerte, que exhumar del olvido sus memorias; ni puede que tampoco haya otro caso, en la literatura memorialística del jazz, en el que una gran estrella se resistiera con tal vehemencia a la labor de dar brillo y esplendor al medallero. Sea como fuere, ni el jazz, en su conjunto, ni probablemente buena parte de la música contemporánea serían explicables sin Ellington; y él mismo seguiría siendo un misterio de no ser por este alegato prepóstumo, puesto que el gran compositor fue terco enemigo siempre de la literatura confesional (hasta que un cheque in extremis lo indujo a ceder cuando su vida ya se agotaba). Siempre que el compositor hacía referencia a este texto subrayaba que «se asemejaba más a una de sus actuaciones que a unas memorias». A decir verdad, nunca quiso prestarse a componer una autobiografía al uso; y es preciso aclarar, en su descargo, que se salió con la suya. A fin de acometer el encargo a su manera —el libro vería la luz en 1973, año escaso antes de su muerte— resolvió dividir en ocho actos este explosivo texto en el que deambula con brío por lo sagrado y lo profano, retrata cordialmente a sus compañeros de fatigas, canta las cuarenta, cuenta mil anécdotas, elogia, discute, conversa y afronta un esmerado interrogatorio con infalible agudeza —no exenta de cierta acritud—. Si antes había callado, aquí escribe por los codos, sin intermediarios y haciendo alarde de un bullicioso estilo cargado de ingenio y salpicado, en más de una ocasión, con las notas del genio. Ellington se movía por las calles de Harlem con igual soltura que por los pasillos de la Casa Blanca, y en todas partes gozaba y a todos brindaba su inagotable vitalidad. Apasionado del arte y compadre de cuantos consagraban sus vidas a tan noble oficio, contaba entre sus amigos con decenas de personajes de instrumental importancia para la trayectoria sonora del siglo XX: Armstrong, Basie, Bechet, Coltrane, Davis, Fitzgerald, Parker o Sinatra son solo algunos de los muchos que desfilan por estas páginas (aliñadas, por cierto, con cien fotos que nos acercan al mundo visible del pianista). Lo que emerge, una y otra vez, de ellas es su lujurioso matrimonio con la música, la amante y señora a quien siempre reservó el fuego más sagrado del swing: «las queridas van y vienen, pero solo mi amante permanece», sentencia el enamorado zumbón.

El undécimo álbum de estudio de los Beatles inmortalizó para siempre los icónicos estudios de grabación de Abbey Road en Londres.  Lo que Paul McCartney describiera como «el mejor estudio de la ciudad» ha resultado ser un atractivo único para casi todos los que alguna vez traspasaron la modesta puerta del edificio blanco en el número 3 de Abbey Road. Desde los días en que el personal llevaba batas blancas, pasando por los años del rock and roll hasta las grandes estrellas de hoy en día, Brian Southall, Peter Vince y Allan Rouse nos cuentan la fascinante historia del estudio. Rico en detalles históricos y repleto de datos, es el documento definitivo para saber más sobre la fascinante historia del estudio de grabación más famoso del mundo. 

A cuarenta años de la publicación del álbum de debut de The Smiths, primer fruto de la irrepetible alianza entre Morrissey y Johnny Marr, su eco no se apaga, al con- trario: ha trascendido generaciones. Aquel fue el paso inicial que combinaba el talento del letrista y vocalista más singular de su generación y el más imaginativo de sus guitarristas. Una alianza breve en el tiempo pero fructífera en obra e influencia, que fue prolongada, principalmente, por la inimitable carrera de Morrissey en solitario, cubriendo desde finales de los años ochenta hasta la actualidad. Una historia, narrada con maestría por Carlos Pérez de Ziriza en este Morrissey y los Smiths. Tanto por lo que responder, repleta de romanticismo, humor, sorna, miseria, aflic- ción, tragedia, comedia y drama. No exenta tampoco, por supuesto, de las luces y las som- bras que rodean a un creador tan controvertido —más aún por sus desconcertantes de- claraciones de los últimos años— como Morrissey. Una enorme leyenda cuya figura es abordada en un volumen que no se asemeja a ningún otro publicado con anterioridad, puesto que se debat

Nada hacía presagiar que Brett Anderson —nacido en la depauperada ciudad dormitorio de Haywards Heath, entre Londres y Brighton, en el seno de una familia humilde— se convertiría en una de las voces más carismáticas del pop británico de los noventa y en una estrella internacional. En Mañanas negras como el carbón, el cantante de Suede relata sus años de infancia y juventud, entre descampados herrumbrosos y las crueles rivalidades de la adolescencia, entre un padre excéntrico y a veces colérico que aborrecía la música pop, y una madre con temperamento artístico que aceptaba con resignación y melancolía su matrimonio sin amor. Con un estilo elegante, lírico y descarnado, Anderson revive su temprana pasión por la música, que lo llevaría a formar una primigenia versión de lo que sería Suede con Bernard Butler —uno de los mejores guitarristas de su generación— y la que fue su primer gran amor y futura líder de Elastica, Justine Frischmann. Con esta mantendría un apasionado y tierno romance cuya ruptura dejó a Anderson destrozado y consumido por los celos, lo que daría lugar a las canciones libérrimas, descaradas e intensas del célebre álbum de debut del grupo, que marcó una época con hits como «The Drowners», «Metal Mickey», «Animal Nitrate» o «So Young».

¿El ruido es música? Esta pregunta, que tiempo atrás se habría respondido con un «no» rotundo, en las últimas décadas se ha convertido en una afirmación crucial para entender diferentes ámbitos de la creación sonora tanto en la música experimental como en la popular. Pero no es una cuestión meramente reciente: el ruido ha recorrido de forma soterrada toda la historia de la música del siglo XX, desde las primeras vanguardias que lo reivindicaron como forma artística, especialmente el futurismo, hasta la actualidad. Aspectos estéticos como la distorsión, la saturación del volumen, la superposición de capas de instrumentos hasta lograr una sensación de caos, la desafinación y la búsqueda de los límites más extremos del sonido han marcado la evolución de muchos géneros musicales, y han resultado un medio de expresión eficaz para varias generaciones de jóvenes que querían manifestar su descontento hacia el orden establecido. En su primer ensayo, el periodista cultural Oriol Rosell lleva a cabo el ambicioso proyecto de seguir el rastro del ruido en la música popular, y lo hace de manera libre y transversal, sin pretender ser exhaustivo pero proporcionando a cada paso un marco histórico y sociológico tan ameno como conveniente. Así, empieza con la aparición de la distorsión en el rock –a través de la banda inglesa The Kinks–, recorre la normalización del ruido en el rock independiente y expande su mirada hacia escenas como el black metal, el japanoise, la improvisación libre, la música industrial y diferentes fenómenos marginales que han provocado un cortocircuito formidable en nuestra comprensión del acto musical. Por estas páginas asoman figuras como Merzbow, Throbbing Gristle, Mayhem, The Jesus and Mary Chain y otros nombres esenciales que nos desafían a entender el sonido no solo como fuente de placer, sino también como muestra de dolor, exceso y acto de resistencia.

Die cantes flamencos, de Hugo Schuchardt, es el primer texto sobre flamenco escrito en otra lengua que no sea español. Fue publicado en 1881, pocos meses después de que se publicara el primer libro dedicado por entero al flamenco, la Colección de cantes flamencos, recogidos y anotados por Demófilo, del que, además, es una réplica. El texto de Schuchardt —incisivo, contundente y denso— contradecía la tesis principal de Antonio Machado y Álvarez (Demófilo). Donde Demófilo decía que el flamenco era originalmente gitano para luego ‘andaluzarse’ y convertirse en un «género mixto», Schuchardt le desdecía mostrándole cómo esas coplas son, más que gitanas, poesía «gitanesca», o sea, imitaciones. Como señala Gerhard Steingress en el epílogo a esta edición: «Si bien es cierto que, desde Demófilo, la pertinaz ficción del originario ‘cante gitano’ pasó a ser el núcleo ideológico de gran parte de la flamencología tradicional, también lo es que el mismo año del nacimiento de esta falsa hipótesis, Schuchardt había aportado suficientes datos para su refutación».

"Harto de todo" es una historia oral de la erupción del punk en la ciudad de Barcelona durante los años 1979 y 1987, y recoge la experiencia personal de una serie de pioneros que vivieron el gérmen y evolución de dicha comunidad. En Harto de todo abundan las confesiones de los primeros grupos de punk y hardcore condal (Último Resorte, Attak, Shit S.A., Kangrena, Sentido Común, Frenopaticss, L?Odi Social, GRB, Subterranean Kids, HHH, Skatalà...), pero también de los implicados en fanzines (NDF), radios libres (Radio P.I.C.A), primeras tiendas o locales autogestionados (Informe o Kafe Volter) o, sencillamente, los héroes callejeros que dieron el bravo paso de declararse punks en la grisácea España de 1979. A través del testimonio honesto y apasionado de todos estos exploradores descubrimos sus descubrimientos: su primer contacto con el punk rock; cómo se fusionaron la rabia autóctona con los preceptos de un movimiento juvenil inglés, adaptando su estética e ideología al sentir cotidiano de nuestros protagonistas; el nacimiento del Do It Yourself (o autogestión); la conexión con otros francotiradores similares de todo el mundo y la creación de una red de información a nivel internacional; el papel de las drogas (heroína y speed); las primeras ocupaciones de edificios; la progresiva concienciación política de los punks y su evolución músical, estética e ideológica hacia el hardcore (y el papel que representó la visita de los americanos MDC en esta mutación), la aparición de los skinheads y su posterior bifurcación en dos ramas políticas opuestas, y un largo etcétera. Y, por encima de todo ello, la música: fiera, veloz, intensa, rabiosa, hecha por ellos y para ellos.

En 1959 tres álbumes fundamentales de Miles Davis, John Coltrane y Ornette Coleman llevaron a sus últimas posibilidades el jazz de su época, frente al que surgiría el free jazz.Este nuevo estilo musical exacerbaba la negritud, rescataba las raíces africanas, explotaba la ancestral polirritmia y al mismo tiempo conectaba con las vanguardias artísticas de su tiempo, generando un tipo de improvisación nunca oído hasta entonces. Era un jazz más radical, tanto en lo musical como en lo político. Los músicos que lo abrazaron eran exploradores de nuevas sonoridades, que podían resultar ásperas y violentas. Era el sonido de la libertad.

Premio de la Asociación Americana de Compositores a la Mejor Biografía Clara Schumann fue una de las artistas más importantes del siglo XIX. Niña prodigio, concertista aclamada, compositora y profesora, desafió las normas de su tiempo para labrarse una carrera propia que la situó entre las figuras más relevantes del Romanticismo musical. En esta galardonada biografía, documentada a partir de fuentes inexploradas hasta la fecha, la musicóloga Nancy B. Reich nos acerca a la intimidad de la pianista alemana abordando los principales ejes de su vida y obra. Por un lado, seguimos de cerca a la mujer, desde sus primeros años como niña prodigio, pasando por su matrimonio con Robert Schumann, hasta el final de su vida, convertida en una artista de renombre mundial. Por otro, Reich ahonda en los cuatro grandes temas que, más allá del vínculo musical con el propio Schumann, explican la trascendencia subyacente a la artista: su relación intelectual con Johannes Brahms y otros contemporáneos, su trabajo e influencia como compositora y concertista, y su éxito como profesora. Este retrato, rico y sensible, nos revela a una mujer de un carácter y talento excepcionales, que se liberó del yugo de su padre, que quiso construir una trayectoria profesional a pesar de ser esposa y madre, y que tuvo que lidiar con la enfermedad y muerte de su marido mientras cultivaba su carrera y se hacía cargo de siete hijos. Una artista que, por derecho propio, se ganó el respeto y la admiración de sus contemporáneos. En palabras de la autora, «la historia de una mujer de gran talento, que luchó contra la adversidad y sobrevivió». Clara Schumann. La artista y la mujer, traducida por primera vez al castellano, es una celebración del talento y la perseverancia de una gran artista injustamente tratada por el canon musical; un testimonio inspirador de una mujer que, en un mundo donde ellas quedaban relegadas a ser el ángel del hogar, alcanzó el éxito y dejó, a su paso, un importante legado cultural. «El mejor estudio que existe sobre Clara Schumann», New York Times Book Review «Reich ha escrito una biografía bien documentada que profundiza en una de las mayores artistas del siglo XIX», Classical Music Guide Forums

AC/DC sigue siendo, de entre todos los precursores de la era del metal, uno de los grupos de rock (puro y duro) más taquilleros de todos los tiempos. Sobre sus primeros tientos profesionales, no hay aproximación como la que nos brindan las memorias de su primer bajista oficial, habida cuenta de la muy reservada naturaleza de la panda que —según refiere el propio autor— trae causa de su acreditada aversión al postureo. Evans, coautor material e intelectual de semejante disturbio sonoro, nos permite revivir cuanto se cocía entre bastidores, al tiempo que traza las semblanzas de cinco músicos entregados por entero a su consagración como roqueros, sin que puedan sustraerse a los males que aquejan a tantas bandas y son causa de enconos, reyertas y despidos: el mal gobierno de la fama, la depredación sexual, la apología y sublimación de una épica de la autodestrucción, y el culto al rock (por el rock) del artista tardoadolescente. Sin renunciar a la autocrítica, el exbajista alza el velo de secretismo que se cernía sobre esos primeros años y nos revela cómo funcionaba el engranaje de tan poderosa maquinaria. El humor con denominación de origen aussie y su innato don para la crónica ponen el resto —al compás de las vivencias compartidas con tan ilustre quinteto de música de cámara cervecera—. La ambiciosa aproximación de Tick desgrana la carrera de la artista con nuevos hallazgos que ponen de manifiesto la obsolescencia de la visión tradicional que segregaba al jazz vocal de la corriente principal del género: la instrumental. Mientras surcaba las procelosas aguas de la industria discográfica que la llevaban del jazz al pop, la cantante pudo echar mano de un amplísimo abanico de recursos que la convertirían en una de las pioneras del jazz vocal modernista con un repertorio asombrosamente diverso. Gracias a la recuperación de canciones perdidas, reseñas procedentes de medios afroamericanos y prensa local silenciada por los popes de la crítica —racista hasta en la selección de sus fuentes—, material de archivo en colecciones privadas y grabaciones que no han visto aún la luz del día, esta intrépida e infatigable historiadora revela cómo Lady Ella dejó su indeleble impronta en actuaciones tanto o más significativas que sus propios registros fonográficos en estudio. Una exhaustiva celebración de la vida y obra de la prodigiosa artista que estableció un estándar de excelencia sin parangón en la canción popular norteamericana.

Se enumeran aquí todas las ingenuidades, los errores, las precipitaciones y los descuidos que García Lorca cometiera en sus trabajos sobre el tema, pero se reivindican con energía y penetración extraordinarias la profundidad de las intuiciones de Federico ante el flamenco, y el coraje y la exactitud moral con que las expuso.García Lorca y el flamenco es el apasionante viaje de un poeta que es a la vez un estudioso por el vasto territorio emocional de un genio que supo vincularse al mundo del flamenco de la forma más esencial: desde la sabiduría del terror y de la inocencia.

Hacia el año 1150, Hildegarda de Bingen reunió sus composiciones y formó con ellas un ciclo lírico completo al que llamó «Sinfonía de la armonía de las revelaciones celestiales», corpus que incluye la notación musical de la propia autora. Las canciones de la Sinfonía fueron compuestas para diversas ocasiones litúrgicas, para las horas canónicas, las fiestas de los santos, la consagración de una capilla... De acuerdo con su pensamiento, la música y, en particular, el canto eran una actividad humana por excelencia; por ello, en muchos de sus escritos la visionaria desarrolló sus ideas sobre la importancia y trascendencia de la música en la historia humana. Este pensamiento se expresa en el ordenamiento de las canciones, fundamentado en una concepción jerárquica del mundo; esta jerarquía, evidente en el orden de aparición de las canciones, hace pensar en un «relato» subyacente, a saber, una «Historia Sagrada». La «Sinfonía» y su «Ordo virtutum» han sido muy valorados por musicólogos y artistas, que han estudiado y ejecutado sus obras. De ahí la importancia de esta traducción, única versión íntegra en lengua castellana, que pone a disposición del lector la lírica hildegardiana, una muestra magnífica de la cultura medieval cristiana del siglo XII.