En El sonido de los Beatles Emerick recrea sus experiencias en el estudio con los Beatles, relatando tanto las innovaciones musicales y experimentaciones sonoras de sus mejores grabaciones como los amargos conflictos y las jugosas anécdotas de lo que  que tenía lugar tras las bambalinas. Con su mirada nostálgica y personal de la creación de las canciones más perdurables de los Beatles, este libro ofrece la historia oculta de la mejor banda de rock de la historia. Prólogo de Elvis Costello

Tras la buena acogida obtenida por el libro Las Maravillosas Aventuras del Sr. Soul, ahora son sus padres los protagonistas. Desde la esclavitud, pasando por el trabajo en el campo y los cánticos en las iglesias, la Sra. Jazz y el Sr. Blues explican a los más pequeños cómo apareció la música negra tal y como la conocemos hoy en día.

Vicente Escudero es uno de los artistas más importantes de su tiempo. Es extraño que su obra no figure en los discursos de la Historia del Arte, en los Museos de Arte Contemporáneo, en las revisiones populares del canon estético del siglo XX, no ya como el actor que posa para unas fotos de Man Ray o unos dibujos de Francis Picabia, sino como el motor de una sensibilidad estética nueva, de modos de hacer que se adelantan con mucho a los de nuestro tiempo. Pensemos que casi treinta años antes de que aparecieran figuras como John Cage o Merce Cunningham, Escudero baila en un teatro de Nueva York durante 15 minutos en silencio, baila durante otros 5 minutos el aleatorio entrechocar de piedras, o durante otros 3 minutos el vibrato de una dinamo eléctrica. Es inusual encontrar en el campo del arte español y, también, en el campo del flamenco, una obra como Mi baile que publicó en 1947. Un testimonio autobiográfico que, además, intenta situar teóricamente su trabajo, situar sus logros, avances y tradiciones en su preciso contexto. No es sólo una excepción en el panorama del flamenco, tenido a menudo por ágrafo, es que los artistas españoles no suelen explicarse. Se trata por tanto de presentar ampliamente la escritura de Vicente Escudero, no sólo sus letras como veremos, también sus intentos de dar una notación coreográfica, verdadera finalidad de muchos de sus dibujos y gráficos. Escribir y coreografiar es para Escudero una misma cosa, una reflexión a posteriori de lo que el cuerpo ha ensayado sobre las tablas. La escritura y los dibujos y pinturas y ensayos gráficos que Escudero ensayaba son su más importante legado coreográfico y tienen esa misión de coreografiar, a contrapelo, podríamos decir con Walter Benjamin, su libérrima concepción del baile. Esta gran compilación de sus escritos y coreografías es un corpus fundamental para entender el flamenco antes y después de la guerra civil española, antes, en relación con La Argentina y, después, articulando la tensión dialéctica y enormemente productiva que se crea entre Pilar López y Carmen Amaya, una tierra de nadie en la que se inserta Vicente Escudero y que ofrece un impresionante legado coréutico y artístico.

Recopilación de posters originales de los más importantes conciertos de música celebrados en España, entre 1971 y 2017. Rolling Stones, Eric Clapton, Mike Oldield, otros

El octosílabo, que es el verso español por excelencia, sitúa por sí mismo, y sin duda alguna, al poeta y al cantor que lo construye. Luis Pastor, santo y seña de una generación que amaneció con las manos atadas, nos ofrece en ¿Qué fue de los cantautores? su decurso vital, su peripecia artística y, lo que para mí resulta fundamental, su decidido e inagotable compromiso con la causa humanista. Y lo hace con un resultado lírico verdaderamente brillante, pues Luis se mueve como pez en el agua en el verso octosilábico, que es también medida tradicional española para la canción ?en la que el autor es maestro de maestros?, y, apoyado en su ritmo, construye en primera persona su imagen de hombre entre los hombres con una narrativa efectiva y cautivadora, igual que lo son su sonrisa y su mirada vivaz teñida de la melancolía del fado. La voz que aún nos eriza y que fue capaz de hacer temblar a un régimen fascista alucinado, hoy se hace palabra escrita. La lectura es fluida, casi encabalgada por el ritmo tranquilamente frenético del que Luis Pastor la ha dotado, e incontenible hasta gastar el último verso de un trago largo y hermoso. Luis Felipe Comendador

Este libro recoge mi lucha con la locura James Rhodes durante meses de conciertos, de hoteles y de sentirme solo rodeado de desconocidos. Este libro no va sobre mí. Va sobre cómo me siento. Sobre cómo nos sentimos todos, al menos de vez en cuando. Este libro no va de ser feliz. Nunca, ni tú ni yo, seremos plenamente felices. Pero intentarlo puede ser algo maravilloso. *** Por el autor de «Instrumental», James Rhodes, 100.000 ejemplares vendidos.

Llega el avión, el microsurco y la Hi-Fi, y, tras los pasos de Pilar López, regresan de Nueva York, nuestros genios expatriados, Carmen Amaya, Rosario y Antonio, marcando el territorio flamenco con sus renovados pasos, poses y actitudes artísticas. De repente el arte jondo andaluz recobra el pulso por mor de unos virtuosos que se han refinado, madurado y crecido en Nueva York. Edgar Neville los acoge en su largometraje ?Duende y misterio del flamenco?, que más bien debió denominarse ?del flamenconauta?. El varón danzante toma la escena, siguiendo las huellas de Antonio ?por la tierra o en sus brincos airosos?, reconvertido en el bailarín de España. Muchos de los valores que saltan a la palestra, todos bailando la farruca del ?Sombrero de tres picos? conformada por los Ballets Rusos ?¿podríamos hablar de la ?farrusa???, proceden de Nueva York: José Greco, Manolo Vargas, Roberto Ximénez, Luisillo, Roberto Iglesias, Ángel Pericet, Rafael de Córdoba, el maestro Granero? Carlos Montoya, desde Manhattan, impone en el mundo la guitarra flamenca de concierto, y Lola Flores, el RAP. En 1955 comienza la fiebre española, un periodo de más de diez años en que todo lo español, desde Nueva York, se impone en América. Los artistas van y vienen, con su jet-lag en plan ole-stars. Así reaparecen en la Gran Manzana, celebrados por las multitudes y la crítica, Vicente Escudero y Carmen Amaya con Sabicas, que allí se asienta. El guitarrista que acompaña al tío Vicente, Mario Escudero, se hará compadre de Sabicas y por igual decide que en EE UU se le escucha, decide quedarse, impone maneras? Con José Greco, un adolescente llamado Paco de Lucía descubre América el filón que representan Sabicas y Mario Escudero, se entera, lo asume, y nada volverá a ser igual.

La insólita historia del mejor batería español de todos los tiempos, y de su grupo, Los Planetas, contada por primera vez desde dentro de la banda. Con seis años mi padre me encañonó con una pistola. Ni siquiera recuerdo su nombre. Con diez ingresé en la Falange porque quería tocar el tambor. Mis mayores influencias musicales han sido la Semana Santa y mi primera hostia, la que me dieron al nacer, quizá la más artística y la menos dolorosa. Me casé con dieciséis. Más tarde empecé a consumir drogas para evadirme. Debería haber muerto antes de los treinta. Durante estos cuarenta años he golpeado la batería como la vida me ha golpeado a mí, con todas sus fuerzas. Pero juro que este no es un libro triste. Os prometo que al leerlo os reiréis y amaréis la música casi tanto como lo hago yo. Reseña: «Narrada con una voz a tumba abierta, de una sinceridad brutal que no elude ni esconde, Cuatro millones de golpes es un relato ágil y apasionante, que se lee con devoción si se es capaz de buscar entre sus líneas las sombras que se ocultan más allá de los focos.» Manolo D. Abad, suplemento Culturas del diario El Comercio En los blogs... «Lo que realmente importa es que su vida da para un libro como este porque está llena de luces y sombras y eso es lo que la hace verdaderamente interesante.» Blog Books and Co «Tanto sus historias como la música, sin duda en todas y cada una de sus palabras se aprecia que destila amor por la música y eso acaba calando hondo en el lector.» Blog Popera parada «Es muy recomendable para fans de Los Planetas y también para todos aquellos interesados en los últimos cuarenta años de la historia musical de este país. Aunque si por algo destaca es por la arrolladora personalidad del autor.» Blog Todo Indie

Desde el momento en que entraron en juego las nuevas tecnologías aplicadas a la grabación y, sobre todo, la reproducción de música ?y no únicamente música, sino también la señal que emite nuestro televisor, las salas de cine o los teléfonos móviles?, nuestro oído se ha acostumbrado a nuevas frecuencias y a una dimensión completamente inesperada del sonido que se define a partir del paradigma digital. El sonido digital es limpio, carente de impurezas, comprimido, a veces aséptico. Al escuchar música en MP3 o streaming, en realidad estamos escuchando una parte limitada de todo lo que podríamos llegar a percibir si la estuviéramos escuchando en vivo, o grabada y reproducida con la antigua tecnología analógica. ¿Qué aspectos positivos y negativos tiene esta transformación? ¿Es inevitable el camino que estamos emprendiendo como sociedad que escucha, o se puede volver atrás? En este ensayo, Damon Krukowski, excomponente de Galaxie 500 y miembro del dúo Damon & Naomi, explica con una prosa nítida de dónde venimos ?el paradigma analógico? y hacia dónde estamos yendo, y durante el trayecto relata de manera detallada la transformación de los sistemas de producción y grabación y de los cambios en nuestro oído, y por extensión en nuestro cerebro. Lo nuevo que tenemos, y lo bueno que hemos perdido: la comunicación a partir del ruido, la distorsión, los crujidos, los accidentes. Lo que John Berger identificó como diferentes maneras de ver, Krukowski lo lleva al ámbito del sonido para identificar diferentes maneras de escuchar, y cómo cada una de estas opciones implican actitudes culturales irreconciliables. A partir de la música, y de su reivindicación del ruido analógico y del proceso artesanal, Krukowski se propone explorar en un sentido amplio la cultura contemporánea, y analizar cómo vivimos en el incontenible flujo de información digital hasta plantear la última pregunta, la más importante: ¿es aquí donde debemos estar, o hay una alternativa que consista en desconectarse y regresar a un nuevo paradigma analógico?

LLAMAR canciones a lo que hace Joaquín Sabina es no decirlo todo: sus letras tienen algo más, una fuerza literaria poco común, un poder de sugestión que las ha transformado en himnos, en la banda sonora de la vida de un público que encuentra en ellas el talento y la ambición del poeta, el ingenio del buscador de rimas y la profundidad del escritor serio, tenaz, que sabe que cada verso debe tener enterrado su propio tesoro y cuánto hay que cavar para encontrarlo. No son muchos los compositores cuyos textos aguantan una lectura al margen de la música, y esos pocos son los más grandes: Dylan, Cohen, José Alfredo Jiménez o Brassens. Es decir, los que fueron sus maestros y él ha convertido en sus iguales. Esta antología lo demuestra: es pura música para los ojos. B. P.

El recorrido de "Océano de sonido" comienza en 1889, el día en que Claude Debussy escuchó un concierto de música javanesa en la Exposición de París. A partir de ese episodio ?que desde su punto de vista representa el inicio del siglo XX musical? Toop sig

¿¿¿(Pero) qué tiene que ver... * Los Beatles con los dibujos animados propagandísticos de la URSS. * Los Latin Kings con los Sex Pistols. * La toma del Palacio de Invierno con Mad Men. ¿Y con Kiss? * Las estrellas del rock con los samuráis. * La rock star drogadicta con la redención cristiana. * Las drogas consumidas en la SGM con el hippismo. * Oscar Wilde con Mick Jagger. * Los cigarrillos con los teléfonos inteligentes. * La nostalgia con la hipnosis y con la obsolescencia programada. * La longevidad de los Rolling Stones con la culpa en el matrimonio católico. * Las carátulas de discos con las contraseñas masónicas. * Los gremios de artesanos preindustriales con las escenas locales del underground. * James Brown con un bróker de Wall Street. * Los buhoneros con los cantaurores. * La Velvet Underground con Apple Inc. Corporation??? Solo Ian Svenonius, el reverendo del underground mundial, el timonel de la independencia artística, responde a estas y otras muchas preguntas, en una ambiciosísima guía para montar una banda de rock que funciona también como ensayo sociológico y como panfleto antiautoritario. El líder de The Make-Up sabe que "la música es como el tacto, la comida o la banca moderna: escapa a toda explicación". Porque solo hay una forma de explicar lo inexplicable: usando la magia.

La desastrosa historia de los Hollywood Brats, el grupo de punk que se adelantó a su época pero pereció en el intento. Julio de 1971. Andrew Matheson llega a Londres con dieciocho años desde Canadá, huyendo de un funesto trabajo en una mina de níquel y de un futuro aún más negro, con el sueño de formar un grupo de rock y alcanzar la gloria. Amante de los Rolling Stones y los Kinks, Matheson empieza a reclutar a los músicos con las pintas más fastuosas y provocativas que encuentra a través del tablón de anuncios del Melody Maker. Pronto formará los Hollywood Brats, con Matheson al frente: un pintoresco grupo de melenudos con vestuario barroco comprado en tiendas de segunda mano, carmín y zapatos de plataforma, en la línea de los New York Dolls, a quienes miran de soslayo y con cierta envidia desde el otro lado del océano. Mientras pasan los días en pubs bebiendo como cosacos, sisando en tiendas de ultramarinos y malviviendo en casas okupa infestadas de ratas, consiguen sus primeros conciertos, que interpretarán ante un público atónito que no sabe cómo tomarse su afrenta sonora, atronadora y abrasiva. También llegan los primeros fans, las grupis y los flirteos con el mercado discográfico. Parecen destinados a la fama, pero su sonido, agresivo y protopunk, aparece tan solo unos meses antes de la entrada en escena de los Clash y los Sex Pistols -para quienes los Hollywood Brats son un referente-, y el grupo fracasará estrepitosamente en el intento antes de caer en el olvido. Estas hilarantes memorias, escritas con el mejor sarcasmo y humor británicos, se encuentran entre los más divertidos e intensos relatos del rock jamás escritos.

Pese a venir firmada en la edición original por el propio artista, este libro no es una autobiografía ni una biografía al uso. Editada por su hermana, la actriz Gabrielle Drake, y comisariada por Cally Callomon, mítico custodio de la obra de Drake, no hay precedente bibliográfico que recoja semejante profusión de material para conocer la vida y obra del artista. Podría hablarse de una antología de memorias de quienes convivieron con Drake o incluso de un compendio coral, por cuanto buena parte de las contribuciones de este homenaje provienen de artículos, recuerdos y cartas de amigos, familiares, músicos y productores que trataron con el tempranamente malogrado cantautor; pero también con las letras de sus canciones (de las que se registraron y de las que nunca llegarían a grabarse).