Una historia intensa y apasionada sobre el último siglo de un género musical que hipnotiza a multitudes: la música electrónica.Loops 2retoma la historia de la música electrónica dónde la dejó el primer volumen, una obra canónica para los amantes del género. Desde 2002 hasta la actualidad, el periodista Javier Blánquez cubre la transformación de un estilo musical que en los últimos quince años ha dejado de ser minoritario para formar parte del relato cultural del siglo XXI. Todo ha evolucionado a un ritmo frenético: los hábitos de consumo han cambiado raves por festivales y clubes por teléfonos móviles, la técnica ofrece más opciones que nunca, la aparición de nuevas corrientes es constante y la electrónica ha colonizado prácticamente todos los géneros a su alrededor.Esta obra nace de un trabajo meticuloso y entusiasmado que plantea un sinfín de preguntas que apelarán a aficionados y neófitos por igual: ¿es el reggaetón música electrónica? ¿Lo es el último disco de Madonna con referencias veladas al éxtasis? ¿Va por libre el hip hop? ¿Y el rock, se puede bailar? Y, en el centro del debate: ¿cuál es la verdadera identidad de este género en pleno siglo XXI? ¿Realmente lo hemos visto todo?Recomendado por... Orbita Magazine como uno de «los libros más exhaustivos y aclamados por la crítica especializada. [...] Referencia inequívoca de vocación y periodismo musical.»DJ MAG como «recomendaciones que son tendencia de obligada lectura.»

Una historia social de España a través de sus canciones más famosas. ¿Qué dicen de nosotros las canciones que escuchamos? ¿Se puede contar la historia de un país a partir de su música? Este personal ensayo recorre la historia cantada del siglo XX español hasta 1976. Las canciones del momento se convierten en el mejor atajo para entender y sentir cómo fue el mundo y la vida de nuestros padres y de nuestros abuelos. «La vaca lechera» nos habla del hambre de la posguerra, «Tatuaje» o «La Bien Pagá» del corsé represivo del nacionalcatolicismo, «Ay, Carmela» o el «Cara al sol» guardan los sentimientos encontrados de la Guerra Civil. Paco Ibáñez, Chicho Sánchez Ferlosio, Serrat y también Mari Trini o José Luis Perales muestran en su repertorio la evolución de las ideas y la modernización de las costumbres, mientras que la rumba ofrece la mejor síntesis de la mestiza identidad española. De «Ojos verdes» a «La chica yeyé», de «El porompompero» a «Palabras para Julia», de «Cambalache» a «Mi casita de papel», de «Yo no soy esa» a «¿Y cómo es él?», de «Alfonsina y el mar» a «L'estaca», de «Libertad sin ira» a «El lago», más de doscientos grandes éxitos nos revelan en estas páginas qué fue del amor, de la lucha política, del papel de la mujer, de la memoria familiar, de los usos y funciones de la música, de las drogas, del problema de la vivienda o de la evolución tecnológica. ¿Qué me estás cantando? es el libro que reúne a tres generaciones en torno a la música.

Lluís Vergés (Barcelona 1953) realiza estudios musicales en el Conservatorio Superior Municipal de Música de Barcelona, donde obtiene su titulación. Como profesional trabaja para distintos grupos y orquestas, para televisión y también como músico de sesión. Como compositor, arreglista y orquestador ha colaborado con distintas formaciones, publicidad y cine, así como con formaciones sinfónicas y de cámara. Durante los últimos treinta años ha alternado su tarea profesional con la docencia, siendo profesor de numerosas escuelas e impartiendo seminarios, "masters" etc.... Fue Director pedagógico del Taller de Músics a lo largo de trece años, lo que le permitió desarrollar metodologías propias en las disciplinas de lenguaje, armonía y arreglos, que quedaron reflejadas en la publicación de varios libros, cuyo uso como textos pedagógicos es todavía vigente. En la actualidad es profesor de la "Escola Superior de Música de Catalunya" (ESMUC) en las disciplinas de "Tècniques i Estils del Jazz" (Armonía de Jazz), "Arranjaments de Jazz" I y II, "Composició de Jazz" y "Film Scoring". El presente volumen es el fruto de su actividad docente a lo largo de estos años, durante el transcurso de los cuales ha llegado al convencimiento de que actualmente es difícil profundizar en la composición sin una sólida formación, que asuma especialmente la diversidad como punto de partida. La Armonía en sus diversas facetas (Tradicional, de Jazz y Extratonal), a pesar de haber sido ampliamente estudiada hasta ahora, presenta en este libro un enfoque más adecuado a los nuevos tiempos; pero además, el presente trabajo afronta el reto de abordar otras disciplinas no estudiadas a causa de su dificultad metodológica y, por tanto, ausentes en todos los demás tratados. El autor plantea metodologías propias en el estudio de la Armonía Modal y de Color, absolutamente necesarias hoy en día, puesto que cubren el estudio de un amplio espacio histórico, coincidente con la atonalidad y la Música de Vanguardia, pero que jamás han sido estudiadas metodológicamente. Además añade en cada capítulo un estudio armónico pormenorizado de los distintos períodos y estilos musicales de los últimos cinco siglos, profundizando en disciplinas de nuevo cuño como la músicacinematográfica. Introducción. Los orígenes. (Armonía Tradicional) Armonía de Jazz. Armonía Modal Armonía de Color. Armonía Extratonal. El análisis armónico. El arte de la armonización. El Lenguaje de la Armonía se complementa con el LIBRO DE EJERCICIOS + CD

La mayoría de las biografías de artistas se centran en los de más proyección, aquellos que han triunfado y alcanzado el reconocimiento. Sin embargo, el flamenco se ha fraguado con la contribución de cientos de personas procedentes de las capas populares, muchas de ellas mujeres, que han quedado en el anonimato y que constituyen un sustrato que hace posible el desarrollo del flamenco, cuyo papel es necesario destacar y analizar. En este contexto se sitúa Pepa Vargas. En la historia de este género, el rol jugado por las mujeres ha quedado en segundo plano. Su contribución se ha minimizado, cuando no invisibilizado. La vida de Pepa Vargas sirve como un hilo conductor que permite reconstruir el lugar de la mujer en el flamenco desde los años cincuenta hasta la actualidad. Siempre tuvo una presencia discreta a pesar de sus cualidades. Su marido (Curro Fernández) y sus hijos (Esperanza, Paco y José) eran artistas mientras ella continuaba con las labores domésticas. La necesidad de la familia la empujó a lanzarse al mundo artístico profesional, para sorpresa de todos. Lo dijo ella, rotunda, un día: «¡Ahora voy yo!». La Familia Fernández, dirigida por Curro pero aglutinada en torno a Pepa, escribió páginas imborrables en los escenarios flamencos. Esto es posible porque hay toda una historia detrás: el papel de su padre Quintín, el de su pueblo, Lebrija, el del tío Lagaña, el de Bernarda de Utrera, Antonio Mairena? Esa historia llega hasta el presente, incluso al futuro. La voz de Pepa Vargas, singular y colectiva a la vez, nos ayudará a entender mejor el complejo mundo del flamenco. Desde la trastienda, que en el fondo es un lugar privilegiado.

Esta obra habla de la naturaleza del duende, los sinuosos y aun detectivescos caminos de su fábrica y sus cansados pero incansables epígonos. La propia construcción de la palabra duende, desde que la lengua de Castilla lo acuña en el siglo XIII hasta que Lorca le imprime su definitivo valor estético-metafísico, es, en este sentido, un juego de laberintos con salida. Hay, digamos, un «duende de los diccionarios» que ha sido malinterpretado, al haberse percibido como idéntico al lorquiano, y que a partir de ahora exhibirá un itinerario desbrozado. «Juego y teoría del duende» (1933) es, por un lado, un ejercicio literario atractivo y complejo, impar y célebre, el más fecundo de los ensayos de Lorca dados en conferencia, pero también exuberante y, en ocasiones, errabundo, que ha generado reiteración y palabrería. En este trabajo queda desvelada una buena cantidad de misterios que el manuscrito lorquiano aún escondía. Existen tres tipologías de duendes musicales anteriores a 1933, y resultan ser la base del de García Lorca. Estos tres duendes, diferenciados aunque interrelacionados, se identifican y caracterizan por vez primera.Los más antiguos son estrictamente musicales, consisten en un tecnicismo jergal y los atestigua y define Felipe Pedrell: son rigurosamente inéditos. Extensión vocal de estos, y ya flamencos, son los que alentaban en la prensa liberal sevillana, concretamente en los artículos de Galerín, periodista, publicista y político cuya vida fue paralela a la de Federico. Quienes han reparado en ellos han errado en su comprensión, por haberlos leído con las poderosas gafas correctoras lorquianas. Los terceros espíritus de la serie, aparatosamente tópicos, fueron promovidos por los hermanos Álvarez Quintero. Lorca los conocía bien, pero los Quintero, junto con Jacinto Benavente, eran sus bestias negras. Por último, este libro registra y analiza una docena de ropajes, atuendos o filiaciones que adopta, después de Lorca, un Duende ya muy Persona, a saber: pureza, gitanería, antigüedad, ruina, beldad de lo feo, amusicalidad, jondura, grandeza, verdad, mística, rajo y pellizco. Ratificando un empalago. Celebrando nuestra seducción.

Estamos ante un libro que, a pesar de lo que pueda parecer, resulta realmente novedoso, con un espléndido despliegue de datos perfectamente engarzados que permitirán al lector aprender y disfrutar sobre cómo se formó la música que terminaría siendo el mayor exponente de cultura popular de la segunda mitad del siglo XX.Su importancia reside en que tiene muy en cuenta que el rock 'n' roll no nace de un día para otro ni en el vacío, en medio de la nada, sino que se trata de un proceso de muchísimos años en el que se ven implicados diversos elementos y agentes sonoros, así como otras disciplinas por ejemplo, la economía y la tecnología. En sus distintos capítulos se presta especial atención a la influencia española en su creación y también a los numerosos judíos cuya contribución es básica y no sólo como avezados empresarios. Hace hincapié en la importancia de la radio y sus listas de éxitos (el famoso Top 40) para que la presencia en las ondas diera la difusión necesaria. Para que esto sucediera, se cuentan con detalle todos los acuerdos, presiones, huelgas, boicots, corrupción, poder de las editoriales, y también la importancia de las tramas mafiosas que jalonan la trastienda del rock. Y, por supuesto, está el cine como generador de gran parte de la imaginería que luego abrazaría el rock. Tampoco olvida los soportes físicos donde se compra y vende la música, es decir, el mercado de canciones. Es difícil imaginar cómo hubiera sido este mundo sin el rock; sin Elvis, sin The Beatles. Pero las circunstancias únicas que facilitaron su nacimiento, pocas veces se ha explicado de forma tan global y de manera tan contundente. Por eso era necesaria una visión que, como esta, pusiera sobre el papel la importancia de las compañías independientes.Un libro que mezcla historia, narrativa y ambición documental. En palabras del prologuista, Igor Paskual, «un texto escrito en castellano y desde España tiene el nivel suficiente para estar a la misma altura que los libros anglosajones. El rigor, la pasión y la exactitud nos libran del compilatorio habitual de anécdotas».

1001 discos que hay que escuchar antes de morir presenta la selección crítica definitiva de la mejor música de los últimos sesenta años y constituye una guía ilustrada imprescindible para todo aficionado que quiera completar, o reconstruir, su discoteca ideal, del rock al pop, del punk al funk. 1001 discos que hay que escuchar antes de morir es una guía indispensable, informada, inteligente y compacta, que propone un recorrido a través de los mejores discos de todos los tiempos, comentados de manera apasionante e incisiva por auténticos expertos dirigidos por Robert Dimery e ilustrados por 800 imágenes de cubiertas de discos míticos, grupos y artistas. Desde el sugerente What's Going On?, que Marvin Gaye publicó en 1971 al regreso de Vietnam de su hermano, hasta el extraordinario álbum conceptual de David Bowie The Rise and Fall of Ziggy Stardust, aquí están todos los discos que en verdad cuentan: el revolucionario Revolver de los Beatles, que supuso un cambio radical en la música pop, y el torbellino de anarquía de los Sex Pistols y su Never Mind the Bollocks, que rompió con todo. Un verdadero recorrido por la historia de la música, desde esa cumbre del pop que es Pet Sounds, de los Beach Boys, hasta el grunge de Nirvana y su retorno a la sencillez y la vitalidad del rock'n'roll primigenio que significó Nevermind. Así, 1001 discos que hay que escuchar antes de morir se asoma a las interioridades de álbumes como el fundamental Velvet Underground & Nico, con artistas de la talla de Bowie y Joy Division, de REM y The Strokes; nos recuerda a famosa aparición de Bob Dylan, guitarra eléctrica en mano, en el Festival de Newport con su visionario Highway 61 Revisited grabado en 1965 en una Norteamérica en guerra con Vietnam y consigo misma, justo al tiempo en que Van Morrison producía su memorable Astral Weeks; y nos lleva después hasta el tono retro de la guitarra de los Stone Roses de «Madchester», en el álbum homónimo, o Blue Lines de Massive Attack, o Automatic for the People de REM, y tantos otros discos. En definitiva, una obra de referencia obligada para cualquier aficionado a la música.

Al incluir el flamenco en su lista del patrimonio cultural inmaterial de la humanidad, a fines de la primera década del siglo XXI, la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) se enfocó en el artista flamenco y en su cultura de igual manera que, con una perspectiva diferente ?la de la definición de la identidad nacional española- lo hicieron distintas elites internacionales y nacionales a partir de la segunda mitad del siglo XIX y durante todo el siglo XX. En Flamenco: Orientalismo, exotismo y la identidad nacional española, Trinidad Pardo Ballester se adentra en cómo la orientalización y exotización de la cultura del flamenco ha afectado a la percepción de la identidad nacional española durante los siglos XIX y XX. El libro analiza cómo varios discursos orientalistas y exóticos sobre la cultura del flamenco, creados por varios representantes de tres movimientos culturales (romanticismo, modernismo y posmodernismo) y de una ideología política (franquismo), contribuyeron a dar forma a nuestra moderna identidad nacional española. Se investigan dos mitos: el de la España exótica y el de Carmen, así como el producto de los mismos: el género de la ?españolada? y la domesticación de lo exótico, expuesto en el estudio sobre la mantilla española y sobre la figura del torero, dada la relación entre flamenco y toreo. La transformación y el flujo de esos mitos a través de los estudios de los cuatro tipos de orientalización muestra en fin su relevancia en la formación y en el desarrollo de los diferentes conceptos de identidad nacional española.

Esta es la historia de una red mundial de rabiosos fans que escapan de la vulgaridad cotidiana a través de la música, de estrellas épicas que viven en planetas lejanos con dioses de otras épocas, de villanos corporativos que rompen el corazón de esos fans y estafan a las leyendas musicales para llenarse los bolsillos. El Olimpo del heavy metal incluye yonquis, satanistas y asesinos, cristianos renacidos y abstemios, trotamundos millonarios que encadenan conciertos multitudinarios durante toda su vida y jornaleros que se dejan la piel en salas donde se escucha hasta la cisterna del baño. Con un saber enciclopédico y una pasión inquebrantable, el humorista y erudito del metal Andrew O?Neill repasa la gran historia (jamás contada o muchas veces malinterpretada) del heavy metal. Son historias de exceso sobre nombres cruciales, de Ozzy Osbourne a Metallica pasando por Lemmy, y escenas milagrosas, desde la nueva ola del heavy metal británico hasta la escena underground del black metal noruego. Si estás asintiendo con la cabeza, o directamente haciendo headbanging en la librería, este es tu libro. Si estás diciendo que no, también deberías leerlo para entender por fin esta música, este modo de ver el mundo.

Este libro se lee como una juerga flamenca. En la lista de invitados aparecen noctívagos de vocación, artistas del hambre, guardaespaldas afanados, guitarristas virtuosos, promotores de poco escrúpulo, estilistas de presidio, aduladores que persiguen una migaja del genio, y algunos, más bien pocos, amigos verdaderos. Y, como anfitrión de todo esto, Camarón de la Isla. En Camarón de la Isla. El dolor de un príncipe, Francisco Peregil propone un recorrido por los ambientes en que vivió el artista. Aquellos paisajes de su infancia, las casas con las ventanas desdentadas entre las que aquel gitanillo rubio repartía alcayatas en bicicleta, viviendas como la suya, donde ocho hermanos se tropezaban con los colchones en el suelo. Aquellos tablaos en los que triunfó al cante, donde recibió los elogios más rotundos y los claveles más rojos, pero donde también los guiños tramposos de la fama se lo llevaron para nunca traerlo de vuelta. Y aquellos escenarios en los que gastó sus últimos días, hasta que le llegó la hora de hincar las uñas en el brazo de Ramón, de a ojarlas poco a poco, y de que su mano cayera por siempre sobre la cama. Quienes lo conocieron más íntimamente también trazan con sus palabras este retrato. Paco de Lucía le contaba al autor sobre Camarón: «Era tan perfecto que parecía una máquina. Hablo como músico. Porque a los aficionados les gusta, pero no saben por qué les gusta. No saben por qué llegaba donde llegaba. La afinación que tenía cantando era la de un instrumento. Eso no lo he escuchado nunca. A naba todas las frases, y cada nota de los giros. Y luego esos tercios largos que hacía, que parecía que no iba a llegar, con un pecho muy chiquitito, con tres paquetes de tabaco... Y llegaba al final del tercio que yo a veces me ahogaba de verlo». En suma, Francisco Peregil nos introduce en los ambientes más reservados del amenco para enfrentarnos al misterio de aquella voz inigualable. Esta edición -el libro se publicó originalmente en 1993- incluye un epílogo inédito de Silvia Cruz, que explora la evolución del mito

Las presentes memorias castizas de Humberto J. Wilkes transportan a la España de antes, durante y después de la Transición. Desde el punto de vista de un holandés errante, pero muy convencido de su vocación, el autor pone negro sobre blanco en algunas estampas que cualquier aficionado al flamenco de todas las épocas soñaría con haber vivido. Recorrido por un arte universal en un momento crítico de su existencia. Ruptura frente a purismo, jóvenes frente a veteranos consagrados. Niño Ricardo, Paco de Lucía, Morente, Manolo Sanlúcar, Carmen Linares, Juan y Pepe Habichuela?, todos aparecen y a todos se les radiografía como nunca antes se había hecho. Desde el conocimiento que da la verdadera convivencia. Más allá del misterio que rodea al flamenco. El sonido de España.

"La prensa americana decía que Johnny Hallyday era la estrella del rock de la que nadie había oído hablar. Pero en Francia Johnny es un monumento nacional con un vínculo de identificación con su público como nadie lo ha conocido" Un rocker capaz de llenar estadios fuera del alcance de los Rolling Stones o de reunir a un millón de personas en un concierto a los pies de la torre Eiffel. De descubrir a un guitarrista desconocido llamado Jimi Hendrix y de montar el mayor puente aéreo desde la II Guerra Mundial para llevar a sus fans a un concierto en Las Vegas. De convertir su relación con Sylvie Vartan en un fenómeno social. De publicar cuatro autobiografías, una de ellas encuadernada en piel de cocodrilo. De hacer películas con Godard y de tirar a la basura un cuadro de Francis Bacon tras una noche de borrachera con Mick Jagger. De jugar a la ruleta rusa entre montañas de cocaína y de hacer que un presidente francés interrumpa una cumbre europea para preguntar por su estado de salud. Desde que en 1960 apareciera en la televisión francesa y descubriera el rock a un país que no estaba preparado para ello han pasado sesenta años. Sesenta años de vida en la carretera, de excesos, de discos memorables, de fracasos monumentales, de drogas, de mujeres, de peleas, de coches destrozados, de soledad, de un éxito pagado duramente. Sesenta años de rock'n'roll a toda tralla.

España, años ochenta. Surgen como se­tas grupos de rock con ganas de comer­se el mundo. Hay barra libre de caballo y otras sustancias. Muchos rockers veinteañeros se pasean por el lado salvaje al que cantó Lou Reed y coquetean con aquello del vivir rápido, morir joven y dejar un bonito cadáver. Sabino Méndez estuvo allí y sobrevivió para contarlo. Esta es la crónica de primera mano de una década convulsa y creativa, que el autor vivió en­tre Barcelona y Madrid como integrante de Loquillo y Trogloditas y letrista de al­gunas canciones que se convertirían en himnos. El libro habla de la gestación del grupo, de las giras accidentadas, de la relación con otras bandas como Alaska y los Pegamoides, Radio Futura, Gabinete Caligari, Siniestro Total, los Burros de Manolo García y Quimi Portet... Y también de la industria discográfica, los locales legendarios, los críticos que se movían alrededor de esa pujante escena musical, las actitudes punk y rockabilly y el mito y la verdad del «sexo, drogas y rock and roll». Fue una época de rebeldía, genialidades y excesos, una década canalla y pro­digiosa durante la que el país se transformó y algunos se asomaron al abismo. Méndez la evoca sin mistificaciones ni edulcoramientos. Escrito en el año 2000, Corre, rocker merece sin duda ser recuperado: no solo es uno de los testimonios más lúcidos sobre ese periodo, sino también una crónica personal de una extraor­dinaria potencia literaria.