Dentro de los estudios que se realizan sobre el arte flamenco cobran importancia cada vez más los acercamientos parciales, tanto a los intérpretes y su obra como a los territorios. Uno de esos territorios, ampliamente ponderado y reconocida su importancia, es Triana. Triana es mucho más que un barrio, es un ente social, geográfico y humano con características propias y con una historia en la que el flamenco es parte integrante y definitiva. Este ensayo recorre de una forma directa y objetiva las noticias, recogidas en la bibliografía existente, que pueden arrojarnos luz sobre el papel de Triana en el flamenco, en su génesis y desarrollo, así como sobre los artistas que lo han interpretado y los estilos que le son propios. Una forma amena y rigurosa de conocer cómo se expresa el flamenco en Triana a través de grandes escritores y flamencólogos. Catalina León. Gaditana de nacimiento y trianera de adopción, es investigadora de flamenco y pionera de su didáctica, autora de la primera obra de estas características, Didáctica del Flamenco, de 1990. Además ha publicado El flamenco en Cádiz (2006) y Manolo Caracol, cante y pasión (2008). Ha participado en libros colectivos como El flamenco y su didáctica (1994), Memoria jonda del flamenco (2023) y Antología poética de la copla flamenca (2024). Ha publicado cientos de artículos en revistas como Sevilla Flamenca, Litoral, Alboreá, Nueva Alboreá, Candil, El Olivo, El Zoco Flamenco, Matagorda, EntreRíos y otras. Ha organizado y dirigido un gran número de cursos de formación destinados a maestros y profesores, así como impartido ponencias en peñas, congresos y jornadas sobre el tema flamenco. Posee, entre otras distinciones, la Medalla de Oro al Mérito Educativo de Andalucía (2009), el I Premio de Honor Flamenco en el Aula (2015) y el título de Trianera Adoptiva (2024).

La nueva ola fue una mascarada risueña que abonó el terreno para que floreciera a continuación otro momento subcultural de mayor fuste mediático: La Movida. En pleno 1980 la escena pop española trataba de surfear la buena ola, la última ola, la new wave que llegaba de Londres y Nueva York como la cara aceptable –comercial– tras la revolución punk. Entonces siempre fue ahora y la frivolidad un arte para iniciados… pero solo por unos días. La conexión llegaba en Frecuencia Modulada con los locutores de Onda 2 que pinchaban singles y maquetas. La vida social se desarrollaba en antros de fortuna: El Sol, Pentagrama o Carolina y los escenarios se poblaron de meteoros con nombres raros: Alaska y los Pegamoides, Radio Futura o Ejecutivos Agresivos. Y todo sucedió en Madrid porque otras ciudades todavía sesteaban bajo los efluvios de Pink Floyd mientras en el foro las huestes del Rollo ya habían comenzado a teñirse de verde puñeta el pelo de la dehesa. Pasen y lean…

Norteña. Memorias del comienzo es el primer libro de la cantante y compositora Julieta Venegas. En este relato de su infancia y juventud, la autora recorre los paisajes y vivencias que la conformaron hasta alcanzar una voz propia, y en ese gesto de mirar hacia atrás se revela un mapa emocional hecho de memoria, deseo y aprendizaje. La música atraviesa estas páginas no solo como oficio, sino como refugio, lenguaje y forma de entender el mundo. También como una manera de habitar esa línea invisible que la acompaña desde siempre: una frontera íntima que divide y, al mismo tiempo, da sentido. Este libro es el retrato fragmentario de una vida que se va armando mientras se vive, y que al mirar hacia atrás descubre que todo —los lugares, las decisiones, los encuentros— estaba conectado desde un principio y que, como ella misma escribe, « las canciones pueden ser las historias de las que estamos hechos».

La música viaja en Tren explora el entrelazamiento del ferrocarril y sus canciones a través de la historia. Las melodías con inspiración ferroviaria se extienden por los cuatro puntos cardinales y llegan hasta el infinito (y más allá). Los más grandes de la música contemporánea se suben al tren desde hace un siglo. En estas páginas se narra la herencia del caballo de hierro en la vida y obra de gigantes como Bessie Smith, Jimmie Rodgers, Sister Rosetta Tharpe, Duke Ellington, Woody Guthrie, Johnny Cash, Bob Dylan, Beatles, Rolling Stones, Tom Waits o Van Morrison, entre otros. Muchos artistas han utilizado los recursos expresivos del ingenio mecánico que abrió las puertas al mundo moderno, iluminando los mil ángulos del alma humana. Su poder metafórico despertó incontables canciones por donde viaja sin desmayo la savia ferroviaria primigenia que alumbró la música de nuestro tiempo. El autor describe la coincidencia de la época dorada del tren con los años en que blues, jazz, góspel o el soul forjan su identidad en Estados Unidos y Europa, a partir de un tronco común afroamericano. También se abordan los hitos musicales del tren español, desde su origen en Cuba hasta hoy. La era ferroviaria sembró el planeta de inéditas relaciones económicas, sociales y culturales. La música y las sociedades crecen gracias a mezclas de lo existente, y casi nada entre las invenciones humanas ha contribuido tanto al mestizaje cultural como los trenes. Las locomotoras y vagones desdibujaron la frontera entre razas y rompieron confinamientos sonoros que transformaron las formas de entender la vida. La presencia del tren en el cancionero ha menguado con el paso de los años, aunque las melodías actuales siguen nutriéndose del tren, al igual que las de mañana y las de ayer. Aquí se cuentan cientos de historias sobre ese viaje que une en el infinito las vías paralelas sobre las que avanzan la música y el tren.

La tendencia a reducir el rock progresivo a su variante sinfónica, que adalides entusiastas y detractores acérrimos comparten por igual, promueve una mirada sesgada, ajena a las sutilezas de la historia y restringida a unos pocos esquemas formales derivados de la tradición clásica de la música culta que no le hacen justicia a la compleja metamorfosis que caracterizó el escenario musical británico de los primeros años setenta. La eclosión, apogeo, apoteosis y estertor de la música progresiva pertenecen a un período mucho menos luminoso y bastante más recesivo que el de aquellos años sesenta tan venerados por muchos como la era dorada del rock. Un tiempo diferente que al promediar la década siguiente sumirá a Europa en una perplejidad que adquirirá una inflexión casi apocalíptica. Este primer volumen parte del análisis de un par de discos seminales que aparecieron en el verano de 1967: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, de The Beatles y The Piper at the Gates of Dawn, de Pink Floyd. Las múltiples transformaciones que sufre el rock progresivo hasta su decadencia y su pérdida de influencia comienzan con la transición de la psicodelia al prog hacia 1967 y 1968. A partir del año siguiente surge un underground de sonido más urgente y enrarecido, lejos del optimismo de aquel verano del amor, que sienta las bases del prog inicial. Las relaciones peligrosas entre música pop y orquestas sinfónicas de fines de los sesenta (Procol Harum, The Moody Blues y The Nice) constituyen una de sus consecuencias. Otra consiste en el surgimiento de una contracultura hippie en la zona de Notting Hill y en sus derivaciones en el circuito de los free festivals. Finalmente tres ensayos extensos abordan algunas de las bandas más populares del género: Yes, Pink Floyd y Emerson, Lake & Palmer. Erudito y ameno a la vez, este libro es una invitación a conocer en profundidad un período clave de la música popular del siglo XX.

Con artículos exclusivos de Sebas E. Alonso, Abraham Boba, Ángel Carmona, Quim Casas, Juan Manuel Freire, Gustavo Iglesias y Music Radar Clan Desde hace más de tres décadas, Radiohead es una de las bandas más influyentes y desafiantes de la música contemporánea. Surgidos en la Inglaterra de los años noventa, sus discos han acompañado las transformaciones culturales y tecnológicas que llevaron al rock desde la era del CD hasta el ecosistema digital del siglo XXI. Del rock alternativo a la vanguardia electrónica, del arrebato adolescente a las frías emociones de un androide, Radiohead ha construido su trayectoria sobre una idea irrenunciable de libertad creativa: un compromiso exclusivo con la música que, lejos de apartarlos del gran público, ha venido acompañado de un éxito unánime de crítica y audiencia. Esta antología reúne artículos, entrevistas y reseñas procedentes de medios nacionales e internacionales, junto a ensayos escritos en exclusiva para este volumen, y recorre toda la carrera de la banda, desde sus inicios en Oxford hasta su última y celebrada gira en el otoño de 2025.

Artista, activista y compositora aguda y reflexiva con una voz imponente. Sus canciones autobiográficas son una llamada a la acción radicalmente política. Desde la publicación de su primer y decisivo álbum en solitario, Little Earthquakes, Tori Amos se ha consolidado como una de las artistas más ingeniosas y perdurables de la industria musical; y lo ha conseguido enlazando lo personal con lo político. Partiendo de sus recuerdos, Amos desentraña sus más de tres décadas de carrera musical y explica cómo consiguió crear una obra con resonancia y significado frente a las estructuras políticas, y cómo sus firmes declaraciones antibélicas, antirracistas y feministas, junto con su lucha por los marginados, han sido siempre su luz guía. Además, mediante su propio proceso creativo, la música nominada a varios Grammy ofrece valiosas herramientas de inspiración para artistas, así como profundas reflexiones sobre la industria musical y la comercialización del arte. Lleno de orientación compasiva y consejos prácticos —y utilizando algunas de las canciones más potentes y políticas del repertorio de Amos—, este libro muestra cómo la música puede ser un acto de resistencia en sí mismo.

UN VIAJE FASCINANTE A LA NEUROCIENCIA DEL SONIDO: POR QUÉ AMAMOS CIERTAS CANCIONES, CÓMO LA MÚSICA MOLDEA EMOCIONES Y RECUERDOS, Y QUÉ DICE DE NOSOTROS NUESTRA BANDA SONORA INTERIOR. El pensamiento musical es un viaje sorprendente al interior de la escucha: por qué una canción nos emociona, qué ocurre en el cerebro cuando un sonido nos atrapa y cómo la música se convierte en memoria e identidad. Susan Rogers —productora de Prince y referente en psicología del sonido— y el neurocientífico Ogi Ogas explican, con claridad y calidez, cómo escuchamos y por qué cada persona oye el mundo de forma distinta. Un libro luminoso que revela el poder íntimo y transformador de la música, y por qué una canción puede cambiarnos la vida.