Norteña. Memorias del comienzo es el primer libro de la cantante y compositora Julieta Venegas. En este relato de su infancia y juventud, la autora recorre los paisajes y vivencias que la conformaron hasta alcanzar una voz propia, y en ese gesto de mirar hacia atrás se revela un mapa emocional hecho de memoria, deseo y aprendizaje. La música atraviesa estas páginas no solo como oficio, sino como refugio, lenguaje y forma de entender el mundo. También como una manera de habitar esa línea invisible que la acompaña desde siempre: una frontera íntima que divide y, al mismo tiempo, da sentido. Este libro es el retrato fragmentario de una vida que se va armando mientras se vive, y que al mirar hacia atrás descubre que todo —los lugares, las decisiones, los encuentros— estaba conectado desde un principio y que, como ella misma escribe, « las canciones pueden ser las historias de las que estamos hechos».

La música viaja en Tren explora el entrelazamiento del ferrocarril y sus canciones a través de la historia. Las melodías con inspiración ferroviaria se extienden por los cuatro puntos cardinales y llegan hasta el infinito (y más allá). Los más grandes de la música contemporánea se suben al tren desde hace un siglo. En estas páginas se narra la herencia del caballo de hierro en la vida y obra de gigantes como Bessie Smith, Jimmie Rodgers, Sister Rosetta Tharpe, Duke Ellington, Woody Guthrie, Johnny Cash, Bob Dylan, Beatles, Rolling Stones, Tom Waits o Van Morrison, entre otros. Muchos artistas han utilizado los recursos expresivos del ingenio mecánico que abrió las puertas al mundo moderno, iluminando los mil ángulos del alma humana. Su poder metafórico despertó incontables canciones por donde viaja sin desmayo la savia ferroviaria primigenia que alumbró la música de nuestro tiempo. El autor describe la coincidencia de la época dorada del tren con los años en que blues, jazz, góspel o el soul forjan su identidad en Estados Unidos y Europa, a partir de un tronco común afroamericano. También se abordan los hitos musicales del tren español, desde su origen en Cuba hasta hoy. La era ferroviaria sembró el planeta de inéditas relaciones económicas, sociales y culturales. La música y las sociedades crecen gracias a mezclas de lo existente, y casi nada entre las invenciones humanas ha contribuido tanto al mestizaje cultural como los trenes. Las locomotoras y vagones desdibujaron la frontera entre razas y rompieron confinamientos sonoros que transformaron las formas de entender la vida. La presencia del tren en el cancionero ha menguado con el paso de los años, aunque las melodías actuales siguen nutriéndose del tren, al igual que las de mañana y las de ayer. Aquí se cuentan cientos de historias sobre ese viaje que une en el infinito las vías paralelas sobre las que avanzan la música y el tren.

La tendencia a reducir el rock progresivo a su variante sinfónica, que adalides entusiastas y detractores acérrimos comparten por igual, promueve una mirada sesgada, ajena a las sutilezas de la historia y restringida a unos pocos esquemas formales derivados de la tradición clásica de la música culta que no le hacen justicia a la compleja metamorfosis que caracterizó el escenario musical británico de los primeros años setenta. La eclosión, apogeo, apoteosis y estertor de la música progresiva pertenecen a un período mucho menos luminoso y bastante más recesivo que el de aquellos años sesenta tan venerados por muchos como la era dorada del rock. Un tiempo diferente que al promediar la década siguiente sumirá a Europa en una perplejidad que adquirirá una inflexión casi apocalíptica. Este primer volumen parte del análisis de un par de discos seminales que aparecieron en el verano de 1967: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, de The Beatles y The Piper at the Gates of Dawn, de Pink Floyd. Las múltiples transformaciones que sufre el rock progresivo hasta su decadencia y su pérdida de influencia comienzan con la transición de la psicodelia al prog hacia 1967 y 1968. A partir del año siguiente surge un underground de sonido más urgente y enrarecido, lejos del optimismo de aquel verano del amor, que sienta las bases del prog inicial. Las relaciones peligrosas entre música pop y orquestas sinfónicas de fines de los sesenta (Procol Harum, The Moody Blues y The Nice) constituyen una de sus consecuencias. Otra consiste en el surgimiento de una contracultura hippie en la zona de Notting Hill y en sus derivaciones en el circuito de los free festivals. Finalmente tres ensayos extensos abordan algunas de las bandas más populares del género: Yes, Pink Floyd y Emerson, Lake & Palmer. Erudito y ameno a la vez, este libro es una invitación a conocer en profundidad un período clave de la música popular del siglo XX.

Con artículos exclusivos de Sebas E. Alonso, Abraham Boba, Ángel Carmona, Quim Casas, Juan Manuel Freire, Gustavo Iglesias y Music Radar Clan Desde hace más de tres décadas, Radiohead es una de las bandas más influyentes y desafiantes de la música contemporánea. Surgidos en la Inglaterra de los años noventa, sus discos han acompañado las transformaciones culturales y tecnológicas que llevaron al rock desde la era del CD hasta el ecosistema digital del siglo XXI. Del rock alternativo a la vanguardia electrónica, del arrebato adolescente a las frías emociones de un androide, Radiohead ha construido su trayectoria sobre una idea irrenunciable de libertad creativa: un compromiso exclusivo con la música que, lejos de apartarlos del gran público, ha venido acompañado de un éxito unánime de crítica y audiencia. Esta antología reúne artículos, entrevistas y reseñas procedentes de medios nacionales e internacionales, junto a ensayos escritos en exclusiva para este volumen, y recorre toda la carrera de la banda, desde sus inicios en Oxford hasta su última y celebrada gira en el otoño de 2025.

Artista, activista y compositora aguda y reflexiva con una voz imponente. Sus canciones autobiográficas son una llamada a la acción radicalmente política. Desde la publicación de su primer y decisivo álbum en solitario, Little Earthquakes, Tori Amos se ha consolidado como una de las artistas más ingeniosas y perdurables de la industria musical; y lo ha conseguido enlazando lo personal con lo político. Partiendo de sus recuerdos, Amos desentraña sus más de tres décadas de carrera musical y explica cómo consiguió crear una obra con resonancia y significado frente a las estructuras políticas, y cómo sus firmes declaraciones antibélicas, antirracistas y feministas, junto con su lucha por los marginados, han sido siempre su luz guía. Además, mediante su propio proceso creativo, la música nominada a varios Grammy ofrece valiosas herramientas de inspiración para artistas, así como profundas reflexiones sobre la industria musical y la comercialización del arte. Lleno de orientación compasiva y consejos prácticos —y utilizando algunas de las canciones más potentes y políticas del repertorio de Amos—, este libro muestra cómo la música puede ser un acto de resistencia en sí mismo.

UN VIAJE FASCINANTE A LA NEUROCIENCIA DEL SONIDO: POR QUÉ AMAMOS CIERTAS CANCIONES, CÓMO LA MÚSICA MOLDEA EMOCIONES Y RECUERDOS, Y QUÉ DICE DE NOSOTROS NUESTRA BANDA SONORA INTERIOR. El pensamiento musical es un viaje sorprendente al interior de la escucha: por qué una canción nos emociona, qué ocurre en el cerebro cuando un sonido nos atrapa y cómo la música se convierte en memoria e identidad. Susan Rogers —productora de Prince y referente en psicología del sonido— y el neurocientífico Ogi Ogas explican, con claridad y calidez, cómo escuchamos y por qué cada persona oye el mundo de forma distinta. Un libro luminoso que revela el poder íntimo y transformador de la música, y por qué una canción puede cambiarnos la vida.

Aunque conocida por el gran público de manera superficial y fraccionada, la relación de los Beatles con Hamburgo nunca ha sido tratada desde el punto de vista desde el que se aborda en esta obra. Respaldada por una meticulosa y exhaustiva investigación, el autor nos muestra los lugares legendarios del universo beatle en Hamburgo desde una perspectiva amplia y globalizadora, dotando a los mismos del derecho a que se conozca su historia y su naturaleza, y a la vez, y gracias a ello, comprender mejor las historias que allí sucedieron. La intención última de Die Not hat ein Ende! Los Beatles, Hamburgo y el Star-Club no es otra que la de poner en valor y dar a conocer los lugares principales que la historiografía beatle tradicional nunca había estudiado, con el doble propósito de reconocer, de una parte, los méritos intrínsecos de cada uno de los lugares tratados y, de otra, las múltiples interacciones físicas y espirituales que los Beatles compartieron con ellos, de tal forma que se pueda codificar y narrar toda la fascinación, oculta y dispersa por la historia, hacia unos lugares que atestiguan esa explosión estelar que los Beatles provocaron en el mundo, y cuyas radiaciones, en el tiempo y el espacio, seguimos percibiendo hoy. Con más de 400 ilustraciones (fotografías, planos, esquemas, tablas).

A partir de una serie de efemérides, obituarios, estrenos, conciertos y novedades discográficas o literarias del mundo del flamenco, el presente libro pretende componer una visión de conjunto articulada del flamenco contemporáneo. Escrito en su mayor part

Yeray S. Iborra y Oriol Rodríguez, periodistas ambos consagrados al muy grato oficio de dar noticia de cuanto se cuece en el universo de la cultura popular y, pasión obliga, ávidos profanadores de toda suerte de curiosidades biográficas y artísticas, emprenden en Buscando a Rosalía un road trip de no-ficción para dar cuenta de las epifanías, y también los no pocos sinsabores, que jalonan la búsqueda de esta simpar estrella mundial de la música, la moda y la estética concertística —si bien amparándose en una sola concesión a la ficción para hermanarse ambos en la figura de un narrador omnisciente que se nutre de las andanzas y vivencias de ambos—. El fruto de esa licencia es un relato que se adentra como ningún otro en la compleja, y a menudo enigmática, trayectoria de una artista de la que apenas hay bibliografía. Y es nada que escapa a la portentosa indagación de nuestros intrépidos plumillas en todo lo que concierne a su carrera artística. Entrelazando toda suerte de testimonios —inéditos, cercanos, insospechados, inconfesables, etc.— regresan a los lugares de los hechos referidos y, tras tropezar con no pocos noes por el camino, se aprestan a bucear en su infancia, su juventud, su pueblo, su discografía, sus colaboraciones y su épico desembarco en la industria americana del showbiz. «Conocí a Rosalía cuando apenas era una veinteañera que vestía bambas blancas de plataforma y tomaba café pasado el mediodía (como solo los veinteañeros pueden hacer). Todavía no era La Rosalía, ni mucho menos la Motomami o la Santa. Los dos éramos del Baixllo, compartíamos generación y pasión por las motos. Su disco debut, Los Ángeles, se acababa de publicar y, como periodista, tuve que convencer a mis editores para entrevistarla. Era una desconocida. Hablé con ella por WhatsApp, por Twitter, y, finalmente, cara a cara. Y seguí con pasión su carrera. Hasta que se esfumó. Y fui yo quien pasó a ser un desconocido…». Con este arrebato de nostálgica sinceridad, se nos conmina a zambullirnos en los prolegómenos de lo que devendrá una apasionada búsqueda que, a su vez, tórnase en pretexto infalible para dar cuenta de la vida y andanzas de una artista sin parangón en el panteón cultural contemporáneo.

Tanto en su país de origen, como fuera de él, a Johnny Cash se le ha profesado desde siempre una gran devoción: es respetado por blancos y negros, también por los nativos norteamericanos (a los que dedicó un fabuloso álbum: Bitter Tears en 1964; por sus venas corría sangre cherokee, o al menos eso es lo que a él siempre le gustó afirmar); su actitud siempre ha sido la de un hombre comprometido, pese a quien pese; hombres y mujeres, viejos y jóvenes (esto último gracias, sobre todo, a la labor de Rick Rubin en los años noventa del siglo pasado), demócratas y republicanos (todos quisieron posar a su lado: Nixon, Ford, Carter, Reagan, Bush versión 1.0, Clinton, Bush versión 2.0); estadounidenses y no tanto (maravilloso, en este sentido, el trabajo realizado por la discográfica alemana Bear Family), admiradores del country pero también de otros estilos musicales (no solo es miembro del Country Hall of Fame, el primer artista vivo que ingresó en esa prestigiosa institución, sino también del Rock&Roll Hall of Fame, único artista hasta la fecha en recibir ambos honores); creyentes y no creyentes.

LAS MEMORIAS DE JOSELE SANTIAGO DE LOS ENEMIGOS Josele Santiago (Madrid, 1965) es una de las voces más inconfundibles del rock español. Al frente de Los Enemigos, o más tarde como solista, ha compuesto y cantado con su voz aguardentosa impregnada de dolor y júbilo uno de los cancioneros más perdurables de la música popular en lengua española. "Desde el jergón" son una suerte de memorias al hilo de sus principales canciones y cuentan, con un estilo directo, a veces crudo y otras lírico, la particular singladura de Los Enemigos y de su vocalista, y un buen número de anécdotas inolvidables de juventud y carretera, o en palabras del autor "una mirada subjetiva sobre el corazón de una banda que ha sido capaz de orear su testarudez durante cuatro décadas a lo largo y ancho de un país que no termina de deshacerse del adjetivo precario". Pero este libro es mucho más: es el testimonio singular de un momento clave de la cultura underground, cuando, a mediados de los ochenta, surge una escena de grupos, locales y fervientes adoradores del rock en el castizo barrio madrileño de Malasaña y aledaños por donde pululan rockers, mods, punks y otras especies descastadas embebidas de rock y otras sustancias que vivieron y murieron en una época libérrima y loca que ya no volverá.