Se reúnen de nuevo, con algunas novedades añadidas, las escrituras libérrimas que hace ya más de veinte años Pedro G. Romero encargó a una serie de artistas y teóricos como textos de apoyo a los Talleres que el propio autor iba a impartir en el Centro Andaluz de Danza. De aquella experiencia surgieron posteriores colaboraciones y el proyecto fue el origen de una revolución en la danza y el baile flamenco —entendidos aquella como expresión reglada y culta y este como la libre expresión popular del cuerpo en movimiento— que hoy contemplamos con regocijo en varias compañías, pero cuyo origen puede situarse en el estreno de Los zapatos rojos de Israel Galván. Desde muy diversos puntos de vista, en una especie de polifonía que engloba diferentes mundos, el baile y la danza son analizados para ir más allá de las líneas estrictas en las que por entonces se movían. El poeta y filólogo Agustín García Calvo y el filósofo Giorgio Agamben presentan textos fundantes de una manera de entender las artes escénicas. Trabajos más intuitivos como los de Isabel Escudero, Esteban Pujals o David Pérez siguen la estela de pensar la danza y, en consecuencia, no explicarla, más bien entenderla como una forma distinta de pensamiento. En ese pensamiento lírico y sensual, pero sobre todo flamenco se mueven también las contribuciones de Ortiz Nuevo. Desde Nueva York, Kirby Gookin y Berta Sichel enfrentan, como dos adelantados a su tiempo, el movimiento del cuerpo con la técnica. Los textos de Estrella de Diego, Patricia Molins y Delfín Colomé conciben la danza como un arte especialmente femenino y feminista, mientras Julián Ruesga Bono lo hace desde sus intereses artísticos y textiles, y Antonio Álamo y Pepa Gamboa desarrollan sendas puestas en escena. A este festín se suman los textos del propio Pedro G. Romero, donde se apuntan las preguntas fundamentales de ese enfrentamiento danza/baile, y un epílogo de Georges ­Didi-Huberman que vale como broche, culminación y amalgama del resto de los contenidos del libro.

***En la lista de los Mejores Libros del Año 2019 según NPR*** Cuando Liz Phair irrumpió en la escena musical independiente a principios de los noventa con su controvertido doble álbum "Exile in Guyville" —su particular respuesta, tema a tema, al célebre "Exile on Main St." de los Rolling Stones—, su sinceridad descarnada, sexualidad sin tapujos y talento como escritora de canciones lo convirtieron en un disco fundamental del rock alternativo y en manifiesto generacional. Siguiendo la estela de otros iconos del rock como Patti Smith o Kim Gordon, Phair compone una original autobiografía a partir de diecisiete momentos clave de su vida a modo de cuentos morales que transpiran miedo, dolor, rabia, humor, sentimiento de culpa o patetismo a partes iguales. Sin hacer concesiones y dejando de lado la habitual autocomplacencia de las estrellas del rock, Phair hurga en las cicatrices que ha dejado una vida consagrada a la creación para concluir que son las traiciones —padecidas o infligidas— las que nos conforman como seres humanos.

Un libro imprescindible sobre la trascendencia que ha tenido el uso de la tecnología en la música y cómo esta ha cambiado nuestra manera de escuchar y de entender lo que es la música. Este libro es la apasionante celebración de un tema al que David Byrne ha dedicado su vida: la música. Divulgativo, literario y documentado, Cómo funciona la música combina apasionantes nociones sobre la historia de la tecnología musical, anécdotas autobiográficas sobre su etapa en Talking Heads, un repaso a las corrientes musicales del siglo XX y un interesante análisis sobre el presente y el futuro de la industria musical. David Byrne muestra cómo la música ha sido siempre resultado de circunstancias culturales y de la creatividad individual. En un momento en el que muchos anuncian el fin de la industria musical, un texto tan riguroso y optimista como este es francamente necesario. La crítica ha dicho... «Fascinante.» Booklist «Extraordinario.» The Guardian «Brillante y original.» The New York Times Book Reviews «Deslumbrante.» The Onion A.V. Club «David Byrne es un tesoro viviente.» El Mundo

La biografía definitiva de Ian Curtis y Joy Division, en el 40 aniversario del fin de la mítica banda. Con una breve carrera que incluyó dos álbumes y varios conciertos legendarios, Joy Division se convirtió en la banda alternativa más exitosa e interesante de su generación. La formación tenía en su ADN el espíritu de la transformación social y física que flotaba en los setenta sobre un Manchester maltrecho, en los albores del thatcherismo. Protagonistas del post-punk y predecesores de géneros como el indie rock, la promesa quedó truncada cuando su líder, Ian Curtis, se quitó la vida antes de iniciar una gira por Estados Unidos. Una luz abrasadora, el sol y todo lo demás es la crónica de cómo una banda resucitó a una ciudad, de cómo se reunieron sus descomunales talentos en unas circunstancias tan azarosas como extraordinarias, y de cómo su música transformó a toda una generación de fans, artistas y músicos. Es también un relato acerca de unos jóvenes que, armados con guitarras eléctricas y buen gusto literario, cambiaron el mundo con cuatro acordes y temas de tres minutos y medio. Y es también una historia sobre cómo la enfermedad y los demonios interiores lograron arrebatarle al mundo a un cantante y líder asombroso, de cualidades chamánicas, un letrista de alto voltaje poético, un verdadero visionario. Jon Savage, uno de los máximos exponentes mundiales del periodismo musical, ha reunido entrevistas realizadas a lo largo de tres décadas a los principales actores de la historia para construir un relato humano y luminoso sobre una ciudad y cuatro jóvenes que encontraron en ella un éxito que no todos supieron manejar. Reseñas: «Un frondoso retrato coral. Una cuarentena de testimonios [...] que cristalizan en esa luz dinamizadora pero letal que, para Savage, envolvió siempre a Joy Division más allá de su estética sombría.» Jordi Bianciotto, El Periódico «Se lee como una tragedia a cámara lenta [que] abre la veda de una historia oral que busca, precisamente, encontrar ese maldito agujero por donde brotó a mediados de los 70 toda esa música oscura y bella. [...] La crónica más precisa hasta la fecha.» Juan Losa, Público «Indispensable.» Esteban Linés, La Vanguardia «Excelente. [...] Es la historia oral definitiva de una de las leyendas más inolvidables del rock.» Rolling Stone «El formato oral le da una calidez y flexibilidad que evita que se convierta en otro desagradable repiqueteo del osario. [...] Insufla vida en la historia, y por ello la hace más devastadora.» The Sunday Times «El mejor relato de la historia del grupo que puedas encontrar.» The Irish Times «Casi partícula a partícula, desde descripciones de los comienzos industriales de Manchester hasta el vacío cultural del área, Savage te hace comprender que los miembros de Joy Division se vieron forzados a crear algo de una belleza inmensa, como si no tuviesen otra opción.» Los Angeles Times «Insuperable. [...] Un retrato conciso y vívido de un grupo cuya música todavía conmociona y asombra después de cuarenta años.» Mojo «La meditada orquestación que Savage hace de la historia del grupo es iluminadora. Cuestiona las líneas de su ahora mítica narrativa. [...] Estas entrevistas son un archivo precioso.» New Statesman «Contiene toneladas de verdades sobre Ian Curtis, Joy Division y su peso en el transcurso de uno de los cambios de sensibilidad más importantes en la historia musical reciente.» Fantastic Plastic Mag «El relato de Savage no puede iluminar demasiado la oscuridad, pero es interesante cómo emerge con fuerza la culpa que persigue a unos entrevistados que estan a punto de cumplir los sesenta, conscientes de la vida que Curtis podría, o debería, haber llevado.» Uncut «Una visión decisiva de lo que ocurrió, contada desde dentro.» The Wire

Este busca, analiza y reivindica figuras y espacios «marginales» del flamenco que no aparecían en los manuales habituales sobre este arte y cuya ausencia daba una imagen distorsionada sobre quiénes, dónde y cómo han hecho «flamenco» —y por qué— a lo largo de su reciente historia. Este grupo de gente «rara» incluye a feministas, travestis, machorras y afeminados, pero también a gitanos, personas con diversidad funcional e intelectual, guiris y artistas «incomprensibles» empeñados en hacer las cosas «de otra manera» sin renunciar por ello a la categoría de flamenco.

“Si está buscando una introducción al jazz, aquí la tiene. Si conoce bien y ama el jazz, aquí tiene su vademécum. Yo tengo intención de seguir leyéndola durante el resto de mi vida […]. Es la obra definitiva: enciclopédica, exigente, perceptiva y sumamente legible. Con su publicación, ya no se puede decir que la bibliografía jazzística no haga justicia a la propia música”. Con estas palabras recibió Jonathan Yardley, crítico del Washington Post, este libro cuando se publicó en 1997. Músico e historiador, Ted Gioia une en Historia del jazz los conocimientos del erudito con las virtudes expresivas del divulgador entusiasta para componer el más completo panorama de este género: desde su prehistoria y la temprana africanización de la música americana, hasta las semblanzas de las grandes figuras del siglo XX y de los distintos estilos y geografías. Una autorizada obra de investigación que, sin embargo, no escatima el placer de las palabras. Ted Gioia s músico, compositor, crítico, historiador, profesor y productor de jazz. Su primer libro The Imperfect Art: Reflections on Jazz and Modern Culture (1988) fue recibido con entusiasmo por la crítica y los lectores. Con Blues ha cosechando de nuevo éxito mundial y su Historia del Jazz se considera ya un título de referencia para los amantes de esta música.

Además de coliderar el grupo The Pinker Tones y la popular serie de libros infantiles "Rolf & Flor", Salva Rey, también conocido como Mister Furia, es un entusiasta del ukelele, que enseña a tocar desde hace años a un reducido grupo de personas. "Ukelelala" es un ameno, divertido y accesible manual para aprender el abecé del «uke» y para familiarizarse con las nociones básicas de melodía, armonía y ritmo, así como para conocer la peculiar historia de este instrumento. Con un poco de práctica, podrás formar los primeros acordes y cantar las primeras canciones acompañándote del ukelele. Podrás hacerlo, además, con la complicidad de los más pequeños, para los que este libro tiene un lugar especial reservado. A diferencia de otros manuales para aprender a tocar un instrumento, que a veces adolecen de un estilo algo tedioso, "Ukelelala" es una magnífica y entretenida manera de compartir la música en el entorno familiar y de sentar las bases que te permitirán en poco tiempo tocar y cantar tus temas favoritos.

Cuando Ortiz Nuevo se sumergió en las hemerotecas de La Habana, en busca de los orígenes de los tangos que en Andalucía se harían flamencos, no podía sospechar la riqueza y la profundidad de la información que hallaría. Los cientos de diarios y gacetillas que consultó muestran una activa vida teatral popular cubana en la que las referencias a bailes, canciones y tipos andaluces, gitanos y españoles son constantes. La documentación referida en este libro abarca una época tan temprana como la primera mitad del siglo XIX, en la que no existe aún un arte que se conozca como flamenco, pero nos permite apreciar los antecedentes y el proceso de formación de tipos y estereotipos que sabemos comunes solo unos decenios más tarde. De esta manera lo gitano se asoma a la prensa habanera del ochocientos. Avisa de un evidente reconocimiento público a una composición flamenca, que se interpreta a guitarra: " se cantará por todas las principales actrices y actores de ópera y verso la tonadilla general titulada Contrabandistas ysoldados,en la que el Sr. García cantará a la guitarra una tonada gitana, y con la Sra. Gamborino la tirana, tan aplaudida del público." (Diario del Gobierno Constitucional de La Habana. 4 de enero de 1821). Aquí se ve, bastante antes de que el flamenco fuera, en toda su extensión y pormenores, género en código; lo andaluz y lo gitano se presentan ya en escena, son práctica corriente bajo las bambalinas. Contemplan un mundo. Asistimos a la protohistoria cómico lírica y bailable de lo jondo. Para nada escondida ni cerrada ni oculta, todo lo contrario: notable, explícita y rumbosa.

Circula la idea de que la gente del 98 odiaba todo lo que sonara a flamenco y, especialmente, todo lo que sonara a cafés cantantes. Pero esto fue así sólo en parte, pues el tratamiento que estos autores dieron al flamenco no fue ni mucho menos uniforme, un hecho que constituye otro de los equívocos frecuentes. No existe pues una postura noventayochista como tal. Algunos escritores, jóvenes entonces, fueron aficionados al flamenco; otros, al cuplé; otros, a la danza española, etcétera. Muchos de ellos, por ejemplo, escribieron incluso letras de coplas. La actitud antiflamenquista, cuando la hubo, no fue contra el propio arte flamenco, que la mayoría no conocía, sino contra el «tipo» flamenco, el personaje llamado «flamenco». "La gente del 98 ante el flamenco" estudia la incidencia y el tratamiento que tuvo el flamenco en la obra de los escritores españoles nacidos entre 1860 y 1875, sin distinción de ideología política, condición social, creencia religiosa o corriente filosófica que siguieran. Autores tan relevantes como Unamuno, Baroja, Blasco Ibáñez, los hermanos Machado, los Álvarez Quintero, López Pinillos, Arturo Reyes o Pérez Lugín, por citar sólo algunos, plasmaron sus ideas sobre el flamenco, y lo que había en torno al flamenco, en textos significativos y que retratan a la perfección la mentalidad de aquellos intelectuales. La mayoría de esos textos están aquí recogidos, por lo que este libro también puede leerse como una antología de poesía y prosa referida a un arte justo en el momento en que acababa de tomar forma.

Los artistas se entretienen, van y vienen, los vuelos chárteres facilitan el desplazamiento a Nueva York donde la guitarra flamenca de concierto ha encontrado el mejor auditorio y Sabicas es coronado Rey del Flamenco. Desde allí ejerce una labor de extensión enviando sus discos para enseñarnos por correspondencia cómo ha de ser nuestro arte puro y, for the money, el flamenco-rock. Le imitamos. Su compadre Mario Escudero se empeña en la creación de obras musicales con planteamiento, nudo y desenlace, y el ídem es la nueva hornada de concertistas que en nuestros lares representan con ímpetu la vanguardia creativa, ahí Serranito, Manolo Sanlúcar y Paco de Lucía, aclamados en Manhattan. Entre medias la España gris, sin que se la corten, asoma la cabeza a la internacionalidad gracias a la Feria Mundial de Nueva York (1964/65) y el triunfo sin par en el Spanish Pavilion de Antonio Gades, lo que supone su descubrimiento mundial, y el de sus compañeros Manuela Vargas, el tablao Zambra, Mariemma o Juanito Serrano. Eso es dejar alto el pabellón: la prensa local dio en rebautizar el encuentro, La Feria de España. Entonces Juan Serrano era el guitarrista en boga, adoptado, Theodore Bikel mediante, por las libres gentes del Greenwich Village, quienes ofrecieron a los flamencos sus discográficas, y mandan del Village al world el sonido cañí compartiendo espacios y surcos con Bob Dylan y amistades. Estando en lo mejor apareció Manitas de Plata y formó otra revolución, llegando a vender más discos que Dylan, en una suerte de fuegos artificiales que nos terminaron explotando entre las manos. Sólo la gira Flamenco Puro en los 80 nos devolvió la sonrisa y, en este tiempo, el Flamenco Festival. Nos guiyelamos pa la house acompañando al señor Montilla y sus discos marca España, donde nos encontraremos a Ava Gardner, en Madrid, tan a gustito.

Curtis Mayfield fue uno de los intérpretes y compositores más influyentes de la historia de la música popular estadounidense, inspirando de manera decisiva a artistas de estilos tan variados como Bob Marley, Jimi Hendrix y los pioneros del hip hop. Sus letras reivindicativas tuvieron sobre el soul y el rhythm & blues el mismo efecto liberador que las de Dylan sobre el pop, pero quizás más importante aún fuese su papel como referente social y el peso que su música tuvo sobre el Movimiento por los Derechos Civiles. People Get Ready fue el himno de la América negra en los años sesenta, mientras que su banda sonora para la película Super Fly plasmó uno de los retratos más incisivos de la vida en los guetos de los setenta. Apasionada, minuciosa, iluminadora y absorbente, "Alma vagabunda" es la mejor reivindicación de su enorme legado.

Toteking, leyenda viva del rap español, pero sobre todo lector incansable, escribe: «Viajar a tus recuerdos es buscar pelea». Y lo hace. Sin miedo. La figura de un padre que lo inicia en la lectura, los primeros mates en la cancha pública y la vocación insobornable de la rima perfecta, la honestidad a tumba abierta, la necesidad de rodearte de tres (cuatro, a lo sumo) personas que te quieren, la esclavitud de tener que vivir para contarlo en canciones y en cuentos. La obligación de encerrarte en un búnker para gritar todo lo que odias de la vida. También lo que te hace seguir vivo.

Gioia nos presenta una introducción al arte de escuchar jazz: la estructura de la música, los cimientos de la improvisación, y las estrategias de escucha que ayudarán al lector a amar el jazz durante el resto de su vida. Un recorrido por los autores, los artistas, los temas, las versiones y los sonidos que le abrirán las puertas del jazz.