Tras Cuatro millones de golpes, el mejor batería español de pop-rock relata sus historias más ácidas y salvajes de sus giras con Los Planetas y Lagartija Nick. Leer este libro es como viajar durante una semana en el motor de un autobús. Un libro que mediante kilómetros de historias dentro de la furgoneta en la que van de gira Los Planetas o Lagartija Nick, a pie por las calles de Granada o incluso en disolución por el efecto de algún psicotrópico nos descubre el centro del cerebro del batería más legendario de este país. Un recorrido divertido y surrealista que podría ser el viaje iniciático de un héroe y, sin embargo, es el de un rockero (que quizá sea lo mismo). Reseñas: «Eric escribe para poner negro sobre blanco una aventura que por momentos se le antoja inconcebible, la de estar vivo.» Eldiario.es «Un libro divertido, sincero, revelador de la escena musical de los noventa y dos mil, estupendamente narrado.» El País «Hará pasar un buen rato a todos esos que veneran, y con más razón que un santo granadino, a uno de los tipos más peculiares, geniales y de verdad del mejor tinglado indie de por aquí.» Mondosonoro «Escribe, como él dice, porque lo ha pasado de puta madre, pero también las ha pasado putas.» El Español Los lectores han dicho... «Todo lo que puedas imaginar se queda corto, tienes que leerlo.» «¡Bienvenido a la locura elevada a la máxima potencia!» «Divertido, honesto, tierno y desgarrador.»

Hay música que se escuchó y ya no se puede recuperar porque sus manuscritos se perdieron en la historia: no sobrevivieron a la guerra, al fuego o al pudor intolerable. Sin embargo, podemos rastrear la admiración y el asombro de quienes fueron testigos y dejaron una crónica, un inventario en un palacio, una miniatura de la copia de una copia de un papel arrancado... Ahí están el tratado de música de Sor Juana, los ciclos anuales de cantatas de Erlebach, la música perdida en la guerra civil española, la misa cuádruple para la solemne consagración de la Catedral Metropolitana de la Ciudad de México, obras que no conoceremos jamás. De alguna manera, esta es también la historia de la fragilidad, de la expresión inasible del tiempo, porque toda la música es y siempre ha sido el eco de lo que ya no existe.

En este extraordinario ensayo publicado originalmente en 1963, Donald Mitchell examina con gran perspicacia y sensibilidad los valores filosóficos y estéticos que determinaron el lenguaje de la música del siglo xx. Para ello se centra en las figuras de Schoenberg y Stravinski, representantes de dos estilos genuinamente modernos y de una nueva sensibilidad. Mediante la rigurosa aplicación de técnica y construcción formal, ambos compositores dotaron a la música de nuevos vocabularios y transformaron las convenciones de escucha y composición para siempre. Dado el carácter multidisciplinar de este ensayo, los años lo han elevado al estatus de clásico no sólo en el campo de la musicología, sino también de los estudios culturales.

Los escenarios por los que transitan los cuatro estudios contenidos en el presente volumen muestran la estrecha relación existente entre diferentes modelos propagandísticos, de naturaleza musical, implementados en la Alemania nazi del III Reich de Adolf Hitler, y los llevados a cabo en España durante la dictadura del general Francisco Franco. Dichos estudios se ven completados con la aportación artística de obra gráfica reciente (2020). Ambos regímenes otorgaron un papel relevante a la música como expresión artística que debía contribuir a moldear una determinada sensibilidad política de signo autoritario, así como a impulsar una concepción patriótica basada en la exclusión del discrepante y en la eliminación del adversario. Los límites que separaban ambas categorías siempre fueron extremadamente difusos y, por tanto, su concreción solo respondía a interpretaciones arbitrarias, generalmente ajenas a toda norma legal. La creación de un nuevo corpus musical durante el período que es objeto de estudio, tanto en Alemania como en España, favoreció la edición urgente de cancioneros, poemarios, hojas volantes y discos, principalmente, como soportes en los que fijar los mensajes contenidos en canciones e himnos de guerra, contestados desde el campo opuesto con obras de lucha y resistencia. En las décadas de los años 30 y 40 del siglo xx, distintas fronteras europeas colapsaron, violentadas por fuerzas militares de ocupación que las atravesaron entonando alegres canciones populares, como si de una excursión juvenil se tratara; canciones cuyas melodías recordaban a los soldados sus orígenes, pero no su destino, unido este, indefectiblemente, al del continente europeo.

JAPROCKSAMPLER, mitad libro de historia, mitad crítica musical inspiradísima y libérrima à la Lester Bangs, es un revelador estudio del rock y la música underground del Japón desde la posguerra hasta mediados de los setenta. Julian Cope —ex frontman de The Teardrop Explodes y artífice de una dilatada carrera musical en solitario— nos presenta, en un estilo que rezuma erudición, humor y pasión, un universo hasta ahora ignoto de bandas de iconoclastas de todo pelaje que produjeron algunos de los sonidos más alucinantes del rock de todos los tiempos. A partir de las peripecias de la música experimental de la escena jazzística de los cincuenta, pasando por el fenómeno del eleki —o la particular obsesión de los japoneses por el rock and roll made in USA y la guitarra eléctrica—, al estallido del llamado "group sounds" —como denominaban en el país del sol naciente al pop-rock que irrumpió tras la eclosión de los Beatles—, Cope ilumina, en la segunda parte de este volumen, la trayectoria de algunas de las bandas y músicos más extravagantes de la historia, como el inclemente feedback de guitarras y ruido blanco de Les Rallizes Denudés del heterodoxo Takeshi Mizutani, el hard rock de tintes orientalizantes de Flower Travellin' Band, el blues drogota y demencial de Speed, Glue & Shinki, la música inclasificable para artes escénicas de J. A. Caesar o el misticismo psicodélico de Taj Mahal Travellers, e infinidad de grupos más. El libro se complementa con un top 50, donde el autor selecciona y comenta los mejores álbumes del rock nipón de todos los tiempos. En definitiva, una obra mayúscula sobre un terreno tan inexplorado como fascinante como es la música underground del Japón.

A través de catorce historias en formato «documental» y de múltiples conversaciones con personas que están ligadas a la ciudad, este libro nos ofrece un deslumbrante retrato de Nueva Orleans como espacio de cooperación colectiva y ejemplo de rebeldía política y artística. Sus páginas nos invitan a visitar Santiago de Cuba, Haití o Lavapiés para reconstruir la fascinante historia de mestizaje cultural que ha dado lugar a lo que conocemos como sonido de Nueva Orleans. En el transcurso de ese viaje, nos encontraremos con figuras como Louis Armstrong, Federico García Lorca, Sweet Emma, Allen Toussaint, James Booker, Cole Williams o Leyla McCalla, y también conoceremos de primera mano las desventuras y andanzas de la diáspora flamenca, la incansable actividad del Black Lives Matter y la valiente lucha de las Brigadas Internacionales. Se trata, pues, de una obra apologética en la que se defiende la música como herramienta de resistencia, la construcción de comunidades sólidas y la fuerza contestataria de la creatividad individual y colectiva.

Galardonada con el Premio Nacional de la Crítica estadounidense, La tierra que vio nacer el blues reúne las crónicas de los azarosos viajes del legendario folclorista Alan Lomax por el Delta del Mississippi a lo largo de los años treinta y cuarenta de la pasada centuria. Pertrechado con un rudimentario equipo de grabación y con el ánimo de documentar y preservar el acervo musical de la región —que empezaría a explorar de la mano de su visionario progenitor—, Lomax dio voz, por vez primera, a los grandes profetas del blues. Leadbelly, Fred McDowell, Muddy Waters y muchos otros inmortalizarían sus primeras grabaciones en los discos de acetato y aluminio que cargaba en su desvencijada tartana nuestro antropólogo impenitente. La laberíntica odisea del autor por el corazón musical de la América negra no tiene parangón. Jugándose, en no pocas ocasiones, algo más que el tipo —con la chusma policial que asolaba los condados más racistas de la antigua Confederación—consiguió, pese a todo, acometer tan arriesgada misión y ofrecernos el tesoro bibliográfico acaso tesoro bibliográfico acaso más importante de la historia del blues. Robert Palmer, Ted Gioia y todos los que han tratado de cartografiar los orígenes de esta música se abrevaron en esta desbordante fuente primigenia. Por medio de audaces confesiones, conversaciones clandestinas —a corazón abierto—con músicos, aparceros, presos, pistoleros y arrieros —descendientes todos de esclavos, más esclavos, todavía, a todos los efectos—, Lomax nos brinda, junto a sus propias vivencias, los testimonios autobiográficos de los primeros maestros de este arte. Espontáneas confidencias, la mayoría, plagadas de vívidos relatos que vertebran la historia jamás contada de quienes, con más sangre que sudor, levantaron este país, a cambio de linchamientos, encarcelamientos, violaciones, torturas y otras lindezas. Una de las figuras más notables del siglo XX, célebre por dar a conocer, a lomos de las ondas radiofónicas, a legendarios músicos como Woody Guthrie, Muddy Waters, Pete Seeger, Leadbelly o Burl Ives, e igualmente venerado por reconciliar a toda una nación con los tesoros de su música folclórica, Lomax traza brillantemente los contornos de la era del blues temprano en narrativas que «dan vida a un dominio que la mayoría de nosotros nunca podría haber llegado a conocer de primera mano» (The New York Times Review of Books). Esta obra magna revela cómo cambió no solo la forma en que toda la nación escuchaba su propia música, sino también la propia forma de ver y entender su país. La tierra que vio nacer el blues da voz a los bardos que convirtieron el sufrimiento en arte: Muddy Waters, el padre del blues moderno; Robert Johnson, tan legendario por sus brillantes contramelodías como por su temprana muerte; Fred McDowell y Son House, quienes iniciaron a Mick Jagge ry a Eric Clapton en los misterios del blues. Ambientada en una era tan dura y fértil como el limo del Delta, La tierra que vio nacer el blues revela cómo el río de la cultura afroamericana desbordó sus represivas orillas para darnos el rhythm‘n' blues, el soul y el rock ‘n' roll, y la única forma artística genuinamente estadounidense de la que emanan las anteriores, el blues, destilando el dolor de quienes cambiaron para siempre la historia musical estadounidense.

Este libro reconstruye la vida bohemia y cultural carioca de los tiempos de la bossa nova: local por local, fan por fan, historia por historia. Para componer este fascinante mosaico que mezcla música y anécdotas, Ruy Castro escuchó a decenas de sus protagonistas: compositores, cantantes, instrumentistas… y también a los amigos y enemigos de todos ellos. El resultado es un relato que se lee como una novela, lleno de pasiones y traiciones, amores y desamores, situaciones cómicas y trágicas. Sus protagonistas son João Gilberto, Antonio Carlos Jobim, Vinicius de Moraes, y la legión de jóvenes a los que sedujeron con el encanto de unas canciones que salieron de Brasil a conquistar el mundo.

"Starlust" es un extraordinario ensayo que se adentra por primera vez en los pensamientos y deseos —desgarradores, explícitamente eróticos o profundamente tristes y desesperados— de algunos fans de cantantes y grupos de pop de la década de los ochenta como David Bowie, Marc Bolan, Boy George, The Police, Barry Manilow o Nick Heyward. Tras cuatro años de investigación, trescientas cincuenta horas de entrevistas y cuatrocientos testimonios, el resultado es un alucinante crisol de una imaginación desbordante que a veces supera en intensidad a las canciones que con tanta pasión escuchaban los fans. Como apunta el autor, «¿cuándo escribió Robert Plant algo tan bonito como la fantasía que relata Lucille sobre él?».

La primera biografía de Javier Krahe, el bardo más irreverente e inclasificable de la canción española. Javier Krahe, como él mismo solía decir, añadió una varilla nueva al abanico del género canción en nuestro país. Con ella, el aire circula con una fuerza literaria insólita y descubre rincones inexplorados. Conocido sobre todo por sus letras cáusticas sobre el amor, la política y la religión, admirador de Brassens y de Leonard Cohen, colega de Chicho Sánchez Ferlosio y mentor de Joaquín Sabina y Albert Pla, tuvo una vida inquieta (a su manera) y curiosa. Tanto como sus canciones, que hunden sus raíces en los años de estudiante en El Pilar y llegan hasta las fecundas temporadas en Zahara de los Atunes, pasando por el dulce autoexilio canadiense en el franquismo tardío, los primeros años de la democracia y los posteriores encontronazos con el poder. Canciones como «La hoguera», «Marieta», «Un burdo rumor», «Cuervo ingenuo», «En la costa suiza» o «No todo va a ser follar» son bandera de la contracultura más duradera. Federico de Haro ha reconstruido la vida y la carrera de Javier Krahe a partir de los dos ingredientes imprescindibles en toda gran biografía: pasión y fuentes. La familia y los amigos del cantautor han abierto las puertas de sus casas para contarle todo lo que no se sabe sobre Krahe. El relato, completado con un examen cercano de su personal manera de componer las canciones e introducirlas en directo y con un apéndice con sus primeras letras (inéditas hasta hoy) da como resultado un retrato íntimo y original del hombre que siempre anduvo a la contra. Prólogo de Julio Llamazares Epílogo de Javier López de Guereña Reseñas: «En este libro está Krahe tal como yo lo quise y lo conocí. Nadie ha amado tanto las palabras cantadas como mi hermano Javier y el autor de este libro lo sabe y se lo hace saber a sus lectores, que ojalá sean los que se merece. Porque a Krahe hay que merecerlo. Merézcanlo ustedes y serán recompensados con la magia de una lengua, la nuestra, que en sus dedos y en su voz era por lo menos como el francés de Georges Brassens.» Joaquín Sabina «La vida de Javier Krahe, que está en sus canciones pero también oculta detrás de ellas (hay que saber cuándo dice la verdad y cuándo miente), está contada por Federico de Haro con tanta inteligencia y admiración que ni una ni otra se notan apenas [...] La verdad, lo ha hecho con tanta elegancia y respeto que a veces hasta cuesta saber si es Krahe o el biógrafo el que habla, tal ha sido la simbiosis de pensamiento y de palabra entre los dos. Lo mejor que se puede decir de esta biografía, evangelio o recensión apócrifa es que a Krahe le habría gustado mucho leerla.» Julio Llamazares «Bendito sea el Krahe; y quien le ha glosado con tanto acierto, Federico de Haro.» Javier López de Guereña

¿Cuál es el origen de las ideas de un artista? ¿Qué mecanismos detonan su inspiración? En Arboretum, David Byrne, uno de los artistas más polifacéticos y talentosos de nuestro tiempo, sintetiza en dibujos y diagramas unos «mapas mentales de territorios imaginarios» que representan la manera en que trabaja su mente, tanto en su faceta de creador como en la de pensador. Byrne traza estos diagramas a partir de un sistema lógico muy personal que podría denominarse «lógica irra­cional» –la aplicación de formas y rigor científicos a premisas básicamente irracionales–, lo cual le permite establecer conexiones desconocidas y acceder a sentidos nuevos y sorprendentes. El resultado es un fascinante viaje que recorre, con humor, clarividencia y poesía, una centena de temas, desde los orígenes de la filosofía hasta una taxonomía de alimentos con que acompañar el primer café de la mañana, pasando por corrientes artísticas, formas de besar, una paleta de color de las emociones humanas o conexiones entre géneros musicales. Arboretum nos ofrece la oportunidad de adentrarnos en la enigmática y heterogénea mente de Byrne, y a la vez nos muestra que existen infinitas maneras de organizar nuestras experiencias mentales y emocionales, y que, en última instancia, la forma en la que decidamos explorar nuestro paso por el mundo depende de nuestra creatividad y no de una serie preestablecida de normas. «Los recién llegados disfrutarán de los bocetos espontáneos de este polifacético y nunca pretencioso erudito, mientras que sus seguidores venerarán la posibilidad de ver de cerca la extraña y maravillosa química cerebral de Byrne». Time Out New York

En los años 50 del siglo pasado comenzaron a viajar a Japón los flamencos españoles. Lo hicieron, por temporadas larguísimas, artistas como Chiquito de la Calzada, Tomás de Madrid o Cristina Hoyos. Pero también empezaron a llenar los teatros japoneses genios como Antonio Gades o Paco de Lucía. Ellos son los responsables de la pasión por el flamenco que comenzó a extenderse en Japón. Este libro habla de todos aquellos artistas flamencos, de sus orígenes y de sus fascinantes experiencias en aquel lejano y desconocido Oriente. Y también explica la historia de muchos de los japoneses que vinieron a la España de la Dictadura, dejándolo todo, para cumplir su destino más insólito: hacerse flamencos. Unos encontraron en Japón dinero, fama y respeto. También conocieron a unos japoneses que resultaban las víctimas perfectas para su picaresca... porque si algo caracteriza a los flamencos es el reírse de todo y tomar la vida como llega. Los otros hallaron en el flamenco un arte tan ancestral como complejo, la forma de expresarse y romper la represión social. Y aquellos japoneses se preocuparon de entender el flamenco, de descifrarlo y de aprenderlo hasta que, de alguna manera, lo han hecho suyo. Esta es la asombrosa historia de cómo el flamenco conquistó el alma de los japoneses.

En poco tiempo, Rosalía se ha convertido en una de las artistas más influyentes y conocidas del mundo. Su mezcla de flamenco, pop, músicas urbanas y músicas latinas es, al mismo tiempo, muy comercial y experimental. Sus colaboraciones, sus coreografías, sus videoclips o su uso de las redes sociales establecen puentes con las últimas tendencias de la moda, el arte, la publicidad o la creación audiovisual. Como la figura que lo ha inspirado, este proyecto también quiere ser una constelación híbrida, un sistema de talentos periodísticos, poéticos y críticos en torno al fenómeno Rosalía. Porque Rosalía es un punto de partida, no de llegada. Gracias a ella, queremos sobre todo entender un poco mejor la cultura de nuestro siglo. Una cultura de la remezcla, el nomadismo estético, el origen concreto y el destino global, los cuerpos y las pantallas

La música fue su salvación. James Rhodes fue víctima de abusos durante su infancia y su vida ha estado marcada por esa tragedia. Escuchar a Rajmáninov en bucle durante su adolescencia y descubrir el Adagio de Bach en un ala psiquiátrica le ayudó a combatir sus demonios y a transformar su vida. James Rhodes es uno de los más eminentes concertistas de piano de la actualidad y un gran renovador de la música clásica. Ha protagonizado documentales para la BBC y Channel 4, escribe en The Guardian y ofrece recitales en todo el mundo. «Instrumental» son sus memorias, que vieron la luz en Reino Unido después de que el Tribunal Supremo levantara el veto que pesaba sobre la obra. Todo un tributo apasionado al poder terapéutico de la música y que aborda cuestiones fascinantes sobre cómo funciona la música clásica y sobre cómo y por qué puede cambiar nuestras vidas.

La disputa entre puristas y renovadores es frecuente en todas las disciplinas científicas o artísticas, pero en pocas ocasiones alcanza tanta intensidad como en el mundo del flamenco. José Luis Ortiz Nuevo, con un título que no deja lugar a dudas sobre su posición, explora la naturaleza mestiza de un género que está vivo precisamente por resistirse a vestir la camisa de fuerza que imponen los puristas. Sin negar a los maestros, Ortiz Nuevo defiende entender el flamenco como un género que se reinventa constantemente, que se nutre de varias fuentes, que está vivo precisamente porque se va matando poco a poco para ofrecer algo nuevo cada vez. Se trata de una visión provocadora y luminosa que augura larga vida a nuestro estilo musical más exportado.

En las últimas décadas se ha observado un aumento del interés por los efectos del sonido en el espacio urbano y su población. Notas discordantes lleva esta investigación en una novedosa y esencial dirección al analizar los modos en que la música callejera y el mapa sonoro de Madrid supusieron un reto al orden social y económico, promoviendo el desarrollo de nuevas formas de control social. Llano sostiene que, «lejos de ser un epifenómeno social, la música popular y la música callejera han jugado un papel fundamental en la modernización y refinamiento de la legislación y el control social de las modernas sociedades urbanas». Madrid experimentó turbulentos cambios socio-políticos durante el siglo XIX y principios del XX debido al rápido crecimiento urbano y al desarrollo de nuevas clases sociales. Los intentos oficiales por controlar ese desarrollo a través de una legislación que, bajo la bandera de la asistencia al pobre o el freno a la delincuencia y el alcoholismo, privilegiara la conformación de una ‘clase media’, llevó a la aplicación de una ‘higiene auditiva’ en la que ciertas manifestac