A las puertas del vigésimo quinto aniversario de la muerte de Frank Sinatra, se edita por primera vez en España, con una nueva introducción del autor, el sentido recuerdo que, a modo de semblanza, compuso Pete Hamill (confidente y compañero de correrías ùa quien Sinatra trató de convencer, sin suerte, para que escribiera sus memoriasù) cuando la noticia de la muerte de «La Voz» le sorprendió en la sala de embarque de un aeropuerto. En este singular homenaje al crooner acaso más idolatrado de la canción estadounidense, el periodista y galardonado autor ofrece una evocación ponderada de la esencia de Sinatra, examinando su arte y su leyenda desde el punto de vista de un confidente y fan. A partir de las conversaciones íntimas mantenidas a lo largo de muchos años, Hamill revela cómo Francis Albert Sinatra fue cincelado por la xenofobia con la que se trató a la comunidad ítaloamericana durante su infancia, pero también por las iniquidades que trajeron consigo la Ley Seca, la Depresión, y pasó una juventud marcada por la guerra; tras la cual hizo suya la lucha contra el racismo, con lo que se hizo acreedor a l

Reino Unido se tambalea al borde del colapso. La herencia de Thatcher se ha traducido en una ofensiva de cuarenta años de duración no solo contra el sistema público, sino, sobre todo, contra cualquier muestra de solidaridad y cualquier atisbo de comunidad. Con la desigualdad y la pobreza en cotas históricas, el Brexit se presentó como una salida a esa espiral autodestructiva, pero no era más que otra trampa: la fractura social ha seguido creciendo. Sin embargo, en esa fractura se ha fraguado una nueva escena musical que expresa toda la rabia y todo el descontento que ahogan a la mayor parte de la sociedad. Hijos del Brexit es un recorrido por esa nueva escena pero también por el contexto social y político que la ha hecho posible. Bandas que recuperan lo mejor del punk y el pospunk, festivales en los que se cuelgan efigies de Thatcher y conciertos con pogos multitudinarios en los que la desolación cotidiana se diluye. La pista de baile siempre será nuestra.

Las memorias del cantante de AC/DC, que, tras un periplo vital alucinante y accidentado, sustituyó al trágicamente desaparecido Bon Scott al frente de uno de los grupos clave del rock duro para firmar "Back in Black": un hito del rock y el segundo disco más vendido de todos los tiempos. Brian Johnson nació en 1947 en Dunston, en la región de Newcastle, al nordeste de Inglaterra. Su padre fue militar y combatió en el norte de África durante la Segunda Guerra Mundial y su madre creció en el seno de una opulenta familia italiana. De muy joven, Brian se quedó prendado del rock cuando vio a Little Richard en televisión tocar «Tutti Frutti». Dotado de un potente chorro de voz, pronto empezó a destacar entre el coro de los boy scouts y no tardó en montar los primeros grupos de versiones. Mientras trabaja como delineante en una gran empresa de turbinas de vapor y pasa una temporada como paracaidista del Ejército, se pone al frente de Geordie, con los que consigue colocar un single en el Top 10, salir en el Top of the Pops y hacer giras por Europa y Australia… Sin embargo, la suerte del grupo se estancó y, tras una serie de álbumes fallidos, Brian Johnson se encontró en la ruina, separado, con dos hijas pequeñas y una amenaza de embargo. Pese a todo, superada la treintena y cuando parecía que el sueño del rock se esfumaba, fue convocado para un casting de AC/DC, que tras la trágica muerte de su cantante, Bon Scott, estaban en un impasse. Brian sorprendió a los hermanos Young con su potencia vocal y pericia con las letras, y lo enrolaron para grabar el que sería a la postre el mayor éxito del grupo: "Back in Black", grabado en las Bahamas y que incluye himnos como "Hells Bells" o "You Shook Me All Night Long", y que acabaría siendo el segundo disco más vendido de todos los tiempos. Narrado con humor y con una sensibilidad poco común entre la fraternidad del rock, "Las vidas de Brian" es un excepcional y emocionante testimonio de una de las grandes voces del rock.

Vuelven Los Chikos del Maíz con su cuarto álbum de estudio, un disco/libro de más de 90 páginas donde, en torno a la idea y concepto de FUTURO y cuidando el apartado gráfico, se dan cita los pensadores más críticos y las escritoras más relevantes de su generación: César Rendueles, Miquel Ramos, Layla Martínez o Arantxa Tirado, conforman un elenco de auténtico lujo que nos recuerda el mundo que está por venir. La educación, la cultura, el cambio climático, los derechos LGTBI o la amenaza fascista, son diseccionados a lo largo de las páginas con precisión y rigor. El futuro es nuestro. En el apartado musical, Yes Future' es el disco más arriesgado de los valencianos: surfean los tracks a ritmo de electrónica, beats ochenteros o funk destinado a reventar las pistas de baile de tu centro social preferido. Además de los ritmos acelerados, se han rodeado de un equipo de instrumentistas de primera calidad y se suceden las guitarras, los teclados Hammond y las trompetas y trombones, dando forma al que quizá sea su álbum más 'pop' y hedonista. Pese a ello, siempre hay hueco para algún himno político que remueva las

Publicado originalmente en 1981, En la cresta de la nueva ola, primer libro firmado por un joven Ramón de España, devino con rapidez obra de culto. A través de piezas independientes, el autor analizaba la situación del pop y del negocio musical en un momento decisivo: entre la década de los años setenta y la de los ochenta. Lo hizo, además, con ironía y un saludable buen humor, quizá porque era, a la vez, su despedida del periodismo musical tras permanecer en primera línea como uno de los nombres esenciales que contribuyeron a su renovación en un periodo apasionante, de constantes cambios, tanto sociales como sonoros. Este libro pasa revista al ecosistema que conformaba el «maravilloso mundo del rock» (promocioneros, organizadores de conciertos, músicos, periodistas, público), analiza el origen y la posible evolución de la New Wave (y nuestra incipiente Nueva Ola, posteriormente denominada La Movida), se detiene en fenómenos tan singulares como el regreso de algunas bandas de los años sesenta o el de las fans, retrata con una agudísima e ingeniosa precisión a algunos de sus músicos f

Biografía oral de Andrés Herrera, músico legendario de la escena sevillana, y sus compañeros de grupo. Explícitos, directos, narrando sus experiencias vitales y musicales, los procesos de composición y grabación de sus discos, unos albums que les han colocado en lo más alto de la escena independiente musical nacional. Si describir su estilo es tarea compleja, sus vidas no lo han sido menos...ica por qué los emblemas de los clubes más importantes tienen ese aspecto. En el mundo del fútbol globalizado de hoy, los clubes a menudo se ven obligados a equilibrar los deseos de los aficionados y el deseo de los propietarios para encontrar nuevos mercados. No es raro que los emblemas se conviertan en una superficie de conflicto cuando lo viejo se encuentra con lo nuevo, solo pregúntele al Hull City AFC o al Paris Saint-Germain. Por lo tanto, estudiar la heráldica del fútbol consiste tanto en conocer el pasado de los clubes como en entender su futuro. su propia investigación. A lo largo de una noche y con las agujas del reloj y el implacable temporal pisándoles los talones, la búsqueda de la verdad les revelará una ca

En sus poco más de cincuenta años de vida, Frank Zappa vivió en primera fila el nacimiento del rock & roll, el underground californiano que dio lugar al movimiento hippie, la liberación sexual y los movimientos juveniles revolucionarios de los sesenta, la llegada del rock, la música disco y el punk, el conservadurismo de la Era Reagan y la caída del comunismo en la Europa del Este. Mientras tanto, publicó más de sesenta discos que alternaban grandes obras sinfónicas con las canciones más escatológicas o combinaban el comentario político con la música electrónica. Defensor acérrimo de la libertad de expresión y enemigo de los límites, nada escapaba a su sátira y ningún estilo musical le era ajeno. Frank Zappa se consideraba a sí mismo ante todo un compositor y consideraba todo su trabajo —sonoro, visual y textual— como una gran obra en la que estuvo trabajando toda su vida. Justo lo que el mundo necesitaba: Otra biografía de Frank Zappa.

La segunda mitad de los sesenta es crucial en la historia del pop y el rock. Se cuenta, con profusión, la presencia de formaciones y personalidades nacionales que marcan el momento pero también el influjo internacional y las numerosas visitas exteriores. Clave es aportar una visión transversal, global, año a año, incidiendo en todos los géneros convivientes y mostrando toda esa cultura popular que personifica un tiempo diferente: moda, diseño gráfico, radio, televisión, revistas, diarios, nuevo cine, publicidad, reproductores e industria discográfica. Se palpan subculturas, drogas legales e ilegales y una sensación de estar conectados, permanentemente, con el exterior. Y es que, más allá de los avatares políticos, la variedad artística –de Los Bravos a Serrat y de Aute a los jovencitos Paco de Lucía y Camarón de la Isla– es incesante y, al margen de importar fenómenos, se exportaban diferentes nombres y corrientes al mundo.

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En septiembre de 1941, la Wehrmacht de Adolf Hitler rodeó Leningrado, iniciando el que resultaría ser uno de los sitios más prolongados y destructivos de la historia occidental. Más de un millón de habitantes perecieron en lenta agonía a causa de aquellos dos años y medio de bombardeos y hambruna. Los supervivientes recordaban las calles sembradas de cadáveres congelados, cuyos familiares no tenían ni los medios ni fuerzas para enterrarlos. Ciudadanos desesperados quemaron libros, muebles y suelos de madera para mantenerse calientes. El hambre les arrastró hasta el extremo de comerse a las mascotas y, con el tiempo, unos a otros para mantenerse con vida. Atrapado entre las fuerzas invasoras nazis y el Gobierno soviético, se encontraba el compositor Dmitri Shostakóvich, el cual compondría en pleno asedio una pieza pensada para alentar, exhortar, elogiar y conmemorar a sus conciudadanos: su sinfonía nº 7, la "Sinfonía Leningrado". Este homenaje al valor fue copiado en un microfilm que viajó a través de Oriente Medio y sobrevoló los desiertos de África del Norte en una misión secreta para llevarlo hasta Estados Unidos, donde la sinfonía fue transcrita e interpretada, jugando un papel sorprendente a la hora de reforzar los lazos de los Aliados frente los poderes del Eje. "Sinfonía para la ciudad de los muertos" narra la verdadera historia de una ciudad asediada, del triunfo del coraje y la resistencia frente a una terrible oposición. También es una historia que habla del poder de la música y sus significados, una historia de mensajes secretos y dobles sentidos; de cómo la música en sí es un código, del modo en que puede alentarnos a resistir una tragedia impensable; de cómo, cuando no podemos alzar la voz, nos permite hablar en susurros entre los barrotes de nuestra celda y de cómo tiene el poder de consolarnos en nuestro padecimiento.

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