Poco imaginaban los incondicionales fans de Les Luthiers —y entusiastas exégetas (Màrius Serra y Álex Grijelmo) cuyas loas adornan la solapa— que, en paralelo a sus labores de archivero mayor del grupo, trabajaba ya Carlitos en la redacción de sus propias memorias. Y sí, de tan preclaro músico y compositor —y no menos erudito bufón—, es preciso también saber, entre otros muchos inconfesables spoilers, que es docto y alumbrado hombre de ciencia, con acreditada fosilifilia, y fue siempre infatigable voyeur de toda suerte de extrañas criaturas, asistido siempre por una insaciable curiosidad de enciclopedista y bendecido por otras tantas e igualmente loables aficiones. Llevó también —y se entrega ya sin recato alguno a— una vida plena —si bien no cantada hasta ahora, no por ello menos digna de ser contada—. Este nuevo libro viene a completar una suerte de trilogía donde narra otros aspectos de su vida, a saber: sus azarosas andanzas cada vez que se bajaba del escenario. Carlitos, o “el loco”, como lo rebautizaron sus compañeros, ha recorrido el mundo observándolo con ojos de niño. Todo le interesa y todo lo maravilla: un pajarito o una caracola, una fórmula química o un jeroglífico, una jitanjáfora o una cinta de Moebius. Y es que no solo hay vida allende los escenarios, sino que resulta tanto o más fascinante que la desplegada sobre las tablas, y de ello dan fe las aventuras de este luthier a quien le pasaron tantas cosas…

Dos decenios hubo que aguardar para deleitarnos con la épica y monumental —de necesidad—autobiografía de Quincy Jones: Q, el proteico y excesivo portento que diera forma y sustancia a la música estadounidense desde los prolegómenos del bebophasta la eclosión del hip hop. Ahí es nada… Dotado como pocos, currante y tunante por igual —mas inasequible siempre al desaliento—, Quincy Jones, leyenda viva de la música popular afroamericana, encontraría su verdadera vocación como compositor y arreglista, emprendiendo una carrera entre cuyos más destacados lances sobresaldrían la concepción, producción y realización de sus memorables álbumes para Frank Sinatra, Ray Charles, Dinah Washington, Sarah Vaughany Count Basie; además de incontables partituras para bandas sonoras de películas y programas de televisión; mas también la producción del álbum más vendido de todos los tiempos, Thriller, de Michael Jackson; y sin descuidar, por ello, sus propias composiciones ni sus igualmente encomiables aventuras empresariales y humanitarias. Cuéntase aquí, sin tapujo que valga, cómo desde su azarosa infancia en el South Sidede Chicago fue inadvertidamente cayendo presa de tan fatídico interés por la música y cómo, ya en el umbral de su adolescencia, encuentra la iluminación en Seattle gracias a tan temprana e irreprimible pasión. A sus primerizas andanzas como trompetista, escoltando, entre muchas otras estrellas, a Billie Holiday, y a sus no menos legendarias correrías por medio mundo con la banda de Lionel Hampton, seguirá la consolidación de una carrera que abarcará, prácticamente, todo el espectro de la música popular estadounidense, y cuyos logros le han reportado la increíble cantidad de setenta y seis nominaciones a los Grammy. Hito solo comparable al protagonizado por el propio Q en sus demás facetas como ejecutivo musical, cazatalentos, productor de cine y televisión e infatigable empresario; acaso uno de las más importantes figuras empresariales de la comunidad afroamericana estadounidense. Q es, en suma, el deslumbrante autorretrato de uno de los más grandes creadores de la cultura estadounidense contemporánea, tipazo cuya singladura vital vertebra una de las grandes historias de éxito de nuestro tiempo.

Hacia 1914, una ya reconocida Carmen de Burgos comenzó a realizar entrevistas a cantantes, actrices, bailarinas y artistas de variedades, y llegó a sumar tantas que, en 1915, tuvo la idea de reunirlas en un libro que ha pasado a ser una fuente impagable de testimonios sobre la vida cultural y el mundo artístico del primer tercio del siglo XX. Figuras que ocuparon el centro de atención en un mundo en el que el teatro y las tablas eran un entretenimiento verdaderamente popular y masivo; mujeres tan famosas como las más famosas actrices o cantantes actuales.

La conmovedora e hilarante historia del genial (y demencial) líder de Felt, Denim y Go-Kart Mozart Lawrence es el mejor ejemplo de la estrella del pop que nunca llegó a triunfar, con sus sueños de gloria frustrados durante las últimas cinco décadas por culpa de la mala suerte, aunque también por una buena dosis de autosabotaje. A los sesenta y un años se embarca en una nueva misión: escapar de la pobreza, el olvido y la humillación de los niños que se ríen de él en la parada del autobús componiendo un gran éxito. En 1980, Lawrence formó Felt, que publicó diez álbumes y diez singles de un pop preciosista antes de separarse, diez años después. Si bien fue un grupo de culto que solo tuvo un momento de gloria fugaz con el single "Primitive Painters", su influencia es innegable y llega hasta nuestros días. En 1991, Lawrence dio un cambio de rumbo total y se reinventó con el grupo de pop electrónico Denim. En 1997, la canción «Summer Smash» —que podría traducirse como "éxito veraniego" pero también como "verano hecho pedazos"— se convirtió en el single de la semana de Radio 1 y parecía que sería un éxito rotundo. Sin embargo, la muerte de Lady Di en un accidente de coche en París propició que la discográfica destruyera todas las copias del disco por respeto a la princesa de Gales. Para Lawrence, supuso el enésimo fracaso y desembocó en una depresión de caballo, la adicción a la heroína y el desahucio. Pese a todo, nunca se rindió. En "Superestrella de las calles", el periodista y autor de best-sellers Will Hodgkinson hace un deslumbrante y emocionante retrato de este genio loco en un periplo a través de las calles de Londres mientras Lawrence reconstruye su vida —o lo que queda de ella— mientras un jubilado lo confunde con una anciana, se ve obligado a arrastrar sacos de monedas de dos peniques hasta el banco local y deambula por los lejanos suburbios de Londres en busca de inspiración lírica. Mientras caminan juntos por calles empapadas por la lluvia, Will cuenta la historia de la estrella de culto más excéntrica de Gran Bretaña mientras emerge con fuerza una pregunta acuciante: ¿vale la pena sacrificarlo todo —familia, relaciones, salud, cordura— por el arte?

El cancionero de Frank Zappa, tótem literario del rock, ve por fin la luz en esta edición bilingüe de su obra lírica completa, un hito editorial que nos permite contemplar en toda su amplitud el universo creativo del genio norteamericano. Diseminadas hasta ahora en un sinfín de fuentes dispersas, las letras de sus discos constituyen un documento esencial para reconocer la enorme valía de un músico sin parangón. Este libro recoge por vez primera, tanto en inglés como en castellano, la producción de un letrista ágil, concienzudo e hilarante, desde su debut discográfico en la escena californiana de los años sesenta hasta los trabajos que dejó preparados antes de fallecer a principios de los noventa. Frank Zappa se desvela en este volumen como el gran cronista satírico del rock. A lo largo de centenares de canciones, el artista estadounidense recrea sus vivencias en un oficio poblado por ejecutivos avaros, músicos quejicosos y periodistas ignorantes; idea mundos disparatados con montañas parlantes, cerditos vanidosos, arañas gigantes y princesas galácticas; y, sobre todo, emplea su verbo afilado para ridiculizar a políticos y empresarios mezquinos, sindicalistas y fundamentalistas embaucadores, gurús charlatanes, jipis pretenciosos, grupis lascivas, adolescentes asilvestrados y padres de familia alcoholizados. Con tan variado elenco para sus vitriólicas diatribas, y valiéndose de un lenguaje procaz y un humor corrosivo, Zappa saca a la superficie los aspectos menos ejemplares del American way of life, dinamita a su paso cualquier tabú habido y por haber, e ignora sabiamente todo principio de corrección política. Con la ayuda de textos introductorios y notas explicativas que sitúan el contexto de cada disco y canción, el lector de Frank Zappa, obra lírica completa descubrirá una voz deudora de Rabelais, Jarry y el dadaísmo, ante la que resulta imposible contener la carcajada o ignorar su profunda crítica social. Desde la primera a la última página, Zappa incita en este libro a la provocación y a la reflexión con su hábil manejo del sarcasmo, y un estilo tan singular que acaso no haya mejor epíteto que zappiano para rendir tributo al maestro y dar cuenta de la importancia de una obra cuya relevancia no deja de crecer con el paso del tiempo.

Este libro es un viaje en el espacio y el tiempo hacia una época musical poco valorada a pesar de su importancia. Se trata de un ejercicio de memoria con el que rescatar músicas y músicos, comunicadores, aventureros, diletantes, de tiempos en los que hacer música no era tan fácil como parecía. Se trata también de recordar como unas generaciones que abrazaron la energía del rock and roll se lanzaron a dar luz y color a un país demasiado gris y triste, dominado por el silencio y la mediocridad de un régimen fratricida que no supo entender los cambios, las diferencias y, ni mucho menos, la música popular. Todo ello visto desde Cataluña, ese pequeño país desde el que se miraba (y escuchaba) a Europa buscando salidas, empapándose de novedades y de esperanzas con las que construir un futuro mejor. En este primer volumen, se reconstruye la historia de la música popular en Cataluña, en todas sus expresiones, desde el impacto del rock and roll hasta la locura ye-yé, desde las cavas de jazz y cançó hasta los entoldados de fiesta mayor. Todo con la intención de reconstruir la memoria, que tantas veces se ha fragmentado y ocultado, para que aquellos que se asomen a estas páginas puedan, quizá, encontrar aquellas piezas que se quedaron por el camino y que hoy pueden ayudar a entender mejor nuestro paisaje musical.

Tras más de cinco décadas desde su disolución, Màquina! sigue siendo aquel grupo de culto que ha quedado como una referencia en la historia del rock underground de nuestro país. Esta historia se desarrolló durante una época compleja, en una lucha para sacar adelante un proyecto musical ambicioso, singular y al margen de concesiones, en cada una de sus diferentes etapas. Màquina! resulta un caso único, heroico, de un enorme mérito en una época musicalmente convulsa pero de gran creatividad en la que simbolizó una nueva manera de hacer y vivir la música.

Adéntrate en la mente de una de las cantantes y compositoras más influyentes de nuestro tiempo con esta antología de sus citas más inspiradoras y reveladoras. Swifties del mundo, ¡regocijaos! Desde lo más alto de la lista de best sellers del New York Times llega el libro de la artista americana del momento: Taylor Swift, en primera persona. Compuesto por una selección antológica de sus memorias, citas, opiniones, recuerdos, soflamas, epifanías y otros pronunciamientos —extraída de entrevistas, declaraciones, posts y demás confesiones que la cantante ha ido regalándonos a lo largo de sus ya más de quince años de carrera—, esta antología ilustrada adopta la apariencia y el discurso propio de una autobiografía para brindarnos una reveladora aproximación a la evolución de su modo de pensar y componer, al tiempo que compartiéndonos sus reflexiones sobre el estado y el futuro de la industria musical y sobre su propio lugar en el mundo. Las canciones de Swift la han convertido en una de las cantautoras más vendidas de todos los tiempos, pero ha acumulado también el poder suficiente como para saltarse las normas de una industria obsesionada por el control de la imagen y la carrera de sus artistas. Ha defendido sus propios intereses y los de otros artistas, esgrimiendo su derecho a reclamar un justo reparto de los derechos de autor, e inspirado, también, a decenas de miles de compatriotas a alzar su voz y, entre otras cosas, a ejercer su derecho al voto. Logros que le han valido figurar en las listas de las mujeres más poderosas de Forbes y entre las cien personas más influyentes del mundo en el ranking de la revista Time. Por vez primera, puedes encontrar sus citas más inspiradoras y sugerentes en este brevísimo pero muy necesario compendio de la mano de la crítica de arte Marisol Salanova.

Ana Gorostizu es una flanêuse del sonido. Peregrina hasta las raves en los bosques y los recintos industriales en las afueras de la ciudad y observa la alianza que establecen los cuerpos con las máquinas. Allí el sonido de los altavoces, el humo y las luces estroboscópicas se funden con el sudor y la carne en una criatura colectiva que se mueve, que respira y que habla un lenguaje propio. Porque la música electrónica no es tanto un género como una serie de prácticas en las que la materia sonora, el ruido y la abstracción hacen de interfaz entre la humanidad y la tecnología. El arte sin órganos es un recorrido por ese territorio habitado por las voces fantasmales de las grabaciones y los samples. Por los DJ, brujos capaces de pulsar y pausar el tiempo con sus mesas de mezclas. Por la melancolía que invocan las melodías siniestras del lofi y el ambient. Por un reguero de cuerpos agitados como bacantes que despiertan tras un largo encierro pandémico. Este ensayo es una mística del techno. Una etnografía del club. Un diario del trance. Un breve tratado político sobre la fiesta como espacio de libertad, diversidad y deseo. Pero sobre todo es una cartografía de los sonidos que articulan nuestro tiempo. «En esta época de agotamiento generalizado en las artes, y en la vida, la rave sigue pareciéndonos a muchos una situación en la que los sentidos y el cuerpo pueden cobrar vida. El reto es crear un lenguaje que le haga justicia. Ana Gorostizu aporta tres formas de conocimiento: como productora, como raver y como oyente. En el espacio entre estas perspectivas encontramos esa experiencia vital de la rave que tanto nos gusta». _McKenzie Wark, autora de Raving «El arte sin órganos recoge con precisión expresiva y conceptual todo lo que la música electrónica es capaz de producir en los cuerpos». _Pablo Caldera

A partir de casi un centenar de entrevistas y un proceso de documentación de más de dos años, "Balearic" cuenta —a través del relato en primera persona de sus protagonistas— la historia de una de las mecas del clubbing mundial: Ibiza. Por primera vez, y a partir del testimonio de DJs y músicos de fama internacional, periodistas, disqueros, bailarines, promotores, hosteleros y propietarios de discotecas míticas como Pacha, KU (ahora Privilege), Amnesia o Space, y bares como Café del Mar y su DJ José Padilla —artífice del fenómeno de las puestas de sol con banda sonora—, se da cuenta de la fascinante historia de la cultura de club de la Isla Blanca. El relato arranca a finales de los años cincuenta, cuando empieza a acudir el turismo internacional, primero los beatniks norteamericanos, y luego los hippies, en los sesenta, huyendo de la guerra de Vietnam y atraídos por la cultura de libertinaje y desinhibición retratada en aquel film de culto con música de Pink Floyd que fue "More", rodado entre Formentera e Ibiza. Con el sustrato musical de estos viajeros, las drogas que trajeron consigo y la iniciativa de algunos empresarios entre visionarios y chalados, se cimentaron las bases de un paraíso del ocio nocturno que explotaría en 1987, cuando unos intrépidos clubbers ingleses se quedaron prendados de la ecléctica sesión musical de los DJs Alfredo Fiorito y Leo Mas en las noches de Amnesia. Cuando exportaron el fenómeno a Inglaterra y lo bautizaron como "Balearic beat", la cultura de club se extendió como un reguero de pólvora por todo el mundo al grito de acieeeeeed. Lo que siguió fueron oleadas de turistas en busca de la salvaje descarga de música y espiritualidad telúrica de la isla, amén de otras sustancias, e Ibiza devino, para bien o para mal, en emporio mundial del turismo y del clubbing. Con la intervención de: Carl Cox, Peter Hook, Paul Oakenfold, Danny Rampling, DJ Harvey, Luciano, Louie Vega, Alfredo Fiorito, José Padilla, Nightmares on Wax, Julien Temple, Irvine Welsh, Trevor Fung, Terry Farley, Bill Brewster, Phil Mison, César de Melero, Pippi y muchos más...

Björk Guðmundsdóttir, conocida simplemente como Björk, es probablemente la artista islandesa más famosa y más importante de todos los tiempos. Nacida en 1965 en Islandia, fue una niña prodigio que, con seis años, tocaba la flauta y el piano. Grabó su primer disco como Björk con doce años y formó parte de diferentes bandas desde su adolescencia. Aunque es habitual considerar el comienzo de su carrera su álbum titulado Debut (1993). Desde entonces casi dos décadas de tránsito entre lo clásico y lo experimental: el trip-hop, la música clásica, versiones de standards de jazz, la electrónica IDM…; pasando por la alfombra roja del Festival de Cine de Cannes: Björk ganó el premio a mejor actriz en la edición del año 2000 por la película Bailar en la oscuridad; hasta llegar a una exposición dedicada a su persona en el MoMA de Nueva York entre marzo y junio de 2015. Nuestro libro presenta una colección de ensayos sobre la vida y la obra de la artista islandesa compuesta por artículos y entrevistas de medios nacionales e internacionales y de diferentes épocas. Una obra que sirve tanto para novatos como para aficionados, para encuadrar y para amplificar el conocimiento sobre la música de Björk.

El esperadísimo manifiesto del líder del mejor grupo de rap de la historia. Estructurado a partir de varios pasajes fundamentales de su vida, vamos entendiendo lo que aprendió el rapero de sus aciertos y sus errores, todos ellos siempre salpicados por sus diversos intereses: el ajedrez, la religión, la música y las artes marciales. Desde las peores zonas de New York en los años ochenta y noventa hasta las más elevadas cumbres del templo de Shaolin, las lecciones de RZA deslumbran, divierten e inspiran a partes iguales. Una guía filosófica que ilumina e inspira. Un libro fundamental para los amantes del rap. Filosofía oriental, creatividad, estoicismo, artes marciales, espiritualidad, sabiduría callejera y rap. Toda la sabiduría de RZA —líder del más increíble grupo de rap de todos los tiempos: Wu-Tang Clan— en un solo libro. «Sorprendente, profundo y provocador: un Siddharta para el siglo XXI.» THE NEW YORK TIMES