Esta novela narra la progresiva decadencia de una familia de la alta burguesía de Lübbeck a lo largo de tres generaciones. Un clásico de la literatura contemporánea. Tras el éxito de la nueva traducción en Edhasa Literaria (tapa dura), ponemos a disposición de los lectores la edición económica de esta gran obra, con la nueva traducción realizada por Isabel García Adanez, que realizó también la nueva traducción de "La montaña mágica".

Un arriesgado triunfo del maestro de la narrativa inteligente David Foster Wallace reinventa una vez más el arte de la ficción Los ocho relatos que componen Extinción forman un universo surrealista en el que conviven la realidad más prosaica con delirantes espirales de la conciencia humana. En "El alma no es una forja" las fantasías que un niño imagina mientras su profesor cae en un delirio homicida le sirven para hablar de la angustiosa soledad de su padre. "Extinción" nos presenta a un matrimonio que visita una clínica del sueño para tratar los ronquidos del marido, en lo que resultará ser un doloroso retrato del desamor. "El canal del sufrimiento" explica los inimaginables prodigios anatómicos que permiten a un escultor crear cotizadas miniaturas, reflejando el absurdo y la profundidad de la creatividad artística. Reseñas: «Uno de los mayores talentos de su generación, un escritor virtuoso que aparentemente es capaz de hacerlo todo.» The New York Times «Un arriesgado triunfo del maestro de la narrativa inteligente. Filósofo inquisitivo y habilidoso narrador, el autor de La broma infinita crea complejas historias repletas de cuestiones metafísicas y crítica social devastadora, todo ello con un peculiar sentido del humor.» Booklist «Wallace pertenece a la mejor clase de exhibicionista, un escritor que no se contenta con sus dones literarios... Es capaz de correr riesgos espléndidos, y cuando triunfa el resultado es una ficción extraordinaria y visionaria.» San Francisco Chronicle

Entre todos los libros de Flaubert, «La tentación de San Antonio» es el que mejor expresa la naturaleza profunda del escritor. Esta obra le acompañó toda su vida, pues hizo de ella tres versiones. El tema de la prueba de fuerza con el Diablo le obsesionó desde su juventud, y concibió la idea de escribir este drama filosófico, poema fantástico de personaje único y de múltiples manifestaciones, en sus años de colegial en Rouen. Flaubert concibe en esta obra el mundo como un infierno y un vasto teatro, en el que se suceden las apariciones infernales. Igual que Dante, guiado por Virgilio, recorría los círculos del infierno, Antonio, llevado por el demonio, se desplaza en sueños por el espacio. Los nueve círculos del infierno dantesco aparecen aquí en forma de las tentaciones que se suceden, figuras demoniacas de los propios deseos del ermitaño, avivadas por la curiosidad intelectual.

El término «violencia», en su sentido más elemental, refiere al daño ejercido sobre las personas por parte de otros seres humanos. Los experimentos totalitarios del siglo xx ampliaron este uso de la violencia, a una escala y una intensidad inéditas en la historia de la humanidad, y es en este contexto donde cabe encuadrar esta obra perenne de HANNAH ARENDT. Para la filosofía política, la violencia obejeto de su estudio tiene dos caras: la violencia organizada del Estado o aquella que irrumpe frente al mismo. Esto ha hecho que muchos pensasen que la violencia es sobre todo una forma de ejercicio del poder. La posición de partida de la autora en SOBRE LA VIOLENCIA consiste en el estudio minucioso de la violencia política en sus encarnaciones extremas dentro del mundo contemporáneo y en su cuidadosa separación entre violencia y poder político; este último es el resultado de la acción cooperativa, mientras que la violencia del siglo xx está ligada al alcance magnificador de la destrucción que proporciona la tecnología.

Ioana Gruia (Bucarest, 1978) vive en Granada desde 1997. Después de una estancia postdoctoral en París, trabaja como docente e investigadora de literatura comparada en el Departamento de Lingüística General y Teoría de la Literatura de la Universidad de Granada. Es autora de los siguientes libros: Otoño sin cuerpo (finalista del Premio de poesía de la Universidad de Granada Federico García Lorca en 2002), Nighthawks (Premio de cuento de la Universidad de Granada Federico García Lorca en 2007), Eliot y la escritura del tiempo en la poesía española contemporánea (Visor, 2009), y El sol en la fruta, publicado por Renacimiento en 2011.

Las huelgas de estudiantes de 1986-1987 y las de profesores de enseñanzas medias de ese año y el siguiente hicieron frente a los intentos de reforma que darían lugar al actual sistema educativo. El examen de selectividad para el acceso a la Universidad, los primeros borradores de la LOGSE y el refuerzo de los conciertos escolares fueron, todos ellos, establecidos y contestados en aquellos años. La originalidad y la autonomía de los movimientos de alumnos y profesores no pudieron impedir, sin embargo, la reorganización del sistema educativo. El resultado ha sido una escuela clasista, escindida entre centros subvencionados, nicho protector de las clases medias, y centros públicos progresivamente especializados en las poblaciones sin recursos. Se trata de un sistema escolar que no sirve como institución democrática, condena al 30 % del alumnado al abandono escolar y despilfarra a espuertas uno de los principales recursos de toda sociedad: la capacidad de aprendizaje de las generaciones más jóvenes.

Tras el sonado éxito de "Una historia natural de los sentidos", Diane Ackerman ha usado su personalísimo talento para explorar el mayor de los talentos: el escurridizo, eterno y siempre interesante asunto del amor. El resultado es cien por cien Ackerman: una espléndida, seria, científica, poética y juguetona vista panorámica de las muchas formas y caras del amor. Ackerman bebe de gran variedad de fuentes, tanto clásicas como de su experiencia inmediata. Explora e ilumina las raíces históricas, culturales, religiosas y biológicas del amor. Propone una nueva lectura de Freud («trazando el mapa de las áreas bélicas del amor»), Stendhal («el amor como fantasía») y Proust («el erotismo de la espera») y extrae lecciones de distintos amantes a lo largo de la historia. A continuación, fija su atención en lo físico: la química, la biología y la neurofisiología asociadas con el amor en el cerebro, la mente y el cuerpo. Discute la «evolución del rostro», el abrazo, analizado a la vez como caricia y como química, y las costumbres del matrimonio. Y siempre nos asombra. Su toque distintivo, al que se suman sus aventuras y exploraciones personales, enriquece nuestro conocimiento sobre mujeres y caballos, hombres y sirenas, sexo y volar, y sobre otras materias igualmente atractivas. El libro empieza: «el amor es el gran intangible». A partir de esta afirmación Diane Ackerman se dispone a hacerlo más tangible, rastreable, respirable y..., en resumen, lo amamos.

Reunimos en el presente volumen los libros Rapsodia euskara (1961), Baladas y decires vascos (1965), e Iberia sumergida (1978), a los tres libros de poesía de Gabriel Celaya (Hernani, 1911 - Madrid, 1991) escribió sobre el país vasco. Estos tres poemarios responden a una misma indagación de Gabriel Celaya en su propia tradición cultural, buscando legitimarse en su identidad de poeta vasco en lengua castellana. Si en Rapsodia euskara consideraba ésta como esencialmente advenediza (la de un poeta que debe recurrir a una lengua que no es la suya, sino la de "los que mandan"), en Iberia sumergida se reconcilia plenamente con su condición de poeta español a través de la equivalencia de lo ibérico y lo vasco. Celaya es el representante por antonomasia de la poesía social en España, pero no sólo es eso; en su amplia producción se puede observar que también es un poeta intimista, muy preocupado por la forma, a menudo romántico, y siempre rompedor: uno de los poetas más significativo en la poesía española desde la segunda mitad del pasado año.

Supongamos que esto no es una novela, pero sí un libro ?con su lomo y sus tripas y su poderosísima bibliografía consultada o, mejor, corporeizada?. Supongamos que porque ha habido una muerte hay una trama, pero no va a ser narrado lo sucedido ?lo sucedido va a ser colocado en posición verbal de ser leído o, mejor, atravesado?. No es ficción, no es confesión, no es exhibición ?supongamos que es dislocación porque en cada movimiento de las frases, como descubrió Gertrude Stein, sucede?. Lo sucedido en Adrift's book ha sido y está siendo ?en las tripas de este libro, ahora mismo? una investigación salvaje acerca de las Othras que hay en cada quien, de sus miembros fantasma, sus géneros en tránsito, y de, por tanto, la posibilidad de una narración fuera de género. Supongamos que esto es ?como de hecho es? una gran exploración con rumbo desconocido.

Diario del ladrón no es tan sólo un diario, pero tampoco se puede considerar únicamente una novela. A caballo sobre la confesión y la crónica, sobre la invención y el deseo, esta obra clave de la producción de Jean Genet arrastra al lector hacia un mundo de vileza y decadencia, admirablemente trascendido gracias a un consciente poderío verbal e imaginativo que el autor maneja con plena conciencia. El protagonista pretende salvarse del mal por el propio mal. «Ética y estética del vicio» bien podría valer como subtítulo de Diario del ladrón, expresando así la posición que Genet toma ante la vida, necesariamente enfrentado con una sociedad a la que ni quiere ni puede pertenecer.

«Cuando vinimos a instalarnos no sabíamos nada de las hormigas [...] ¿cómo podíamos imaginar la historia de las hormigas?» Siruela continúa su labor de recuperación de toda la obra de Italo Calvino con La hormiga argentina, un relato publicado en 1952, que el propio Italo Calvino sitúa junto a La nube de smog (Siruela, 2011) por una afinidad estructural y moral. Aquí el «dolor de vivir» proviene de la naturaleza: las hormigas que infestan la costa de Liguria, pero es semejante la actitud de modesto estoicismo del personaje central, quien no acepta ninguno de los modelos de comportamiento que se le proponen para hacer frente a la plaga de hormigas que invade su casa. Uno de los más logrados relatos de Calvino, en el que el más estricto realismo se transmuta repentinamente en la fantasía más desatada.

Kallocaína es el nombre del suero de la verdad que el científico Leo Kall ha inventado para garantizar al Estado seguridad y estabilidad, pero la verdad se escapa a la instrumentalización y sus efectos son demoledores: el protagonista asiste horrorizado al surgir gradual de una conciencia individual y autónoma con la que intenta luchar. Escrito en 1940, Kallocaína es una novela antiutópica, al estilo de 1984 que Orwell publicó unos años más tarde, inspirada en el apogeo del nacionalsocialismo en Alemania: una visión alucinada de una sociedad totalitaria en un futuro gris, dominada por un Estado policial que llega a invadir la esfera privada de los ciudadanos suprimiendo toda forma de libertad y reduciendo los hombres a máquinas, cuya función principal es reproducirse, obedecer y no sentir.

En el crudo invierno de 1944, la dirección central de los campos de concentración envía un requerimiento a la oficina de la Gestapo en Buchenwald: ¿vive aún el deportado Jorge Semprún, de 20 años, matrícula 44.904? Los comunistas prisioneros en el campo interceptan el mensaje y planean ocultar al joven tras la identidad de otro preso agonizante. El recuerdo de esta suplantación sirve a Semprún para situarse esta vez en el núcleo más duro y trágico del campo de la muerte. La esperanza y la solidaridad, que contrapuntea el horror, componen este imborrable episodio de su vida. Mientras sus recuerdos nos conducen, en un emocionado recorrido por el tiempo, del París ocupado a la clandestinidad y a otros momentos más próximos, el obstinado retorno al pasado, redivivo mediante la escritura, adquiere un sentido superior a la luz del presente: amigos y camaradas de la Resistencia, ecos de la niñez en Madrid, perfiles femeninos, el recuerdo de una canción, versos que resuenan como un sortilegio...

¿Qué hacen la letra o la leyenda en un cuadro, en una instalación? ¿Son representación?, ¿son presentación? Es el caso que no pocas piezas de artistas contemporáneos renuncian a representar cosas y figuras o a la abstracción y lo que ponen a la vista en sus trabajos es letras, frases, en fin, escritura. Éste es el campo de reflexión de este libro y más específicamente aquellos casos en que el texto que se da escrito en la pieza es ilegible. Se trata, pues, de una mirada al lenguaje en la obra de arte a través de un conjunto de cuadros, grabados, esculturas o instalaciones de artistas como Ramón Bilbao, Ricardo Calero, Esther Olondriz, Jaume Plensa o Antoni Tàpies, en todos los cuales el lenguaje ocupa un lugar central, un lenguaje que además es ocasión para la logofagia.

Ben Clark es exponente de un tipo de poesía socialmente comprometida, atípica por su combinación de tres factores -precisión formal, estilo coloquial, descentramiento de la voz poética- que, si bien de modo independiente están presentes en buena parte de la lírica actual, reunidos en un mismo texto generan un cóctel altamente inusual para el lector. Sorprende especialmente la fluidez de su métrica cazada al vuelo. Clark se esfuerza en recordarnos que -aunque lo ignoremos- la mayor parte del tiempo hablamos en endecasílabos y heptasílabos con acento en sexta. Para muestra, un botón: «De no ser el que soy / hubiera deseado ser Ronaldo». Basura relata la conversión del mundo en materia de desecho, nos recuerda que Londres es una ciudad con más ratas que humanos y dedica toda una sección a los Hermanos Collyer, uno de los ejemplos más extremos del síndrome de Diógenes. Con este libro, Clark se aproxima a las preocupaciones ecológicas de uno de los renovadores de la poesía social en nuestros días: Jorge Riechmann. Ambos comparten la aversión a los excesos líricos, el gusto por la exactitud en la descripción anecdótica. Ambos exhiben una alabanza sin tapujos hacia la sencillez, subordinan la escritura a la cotidianidad y la cotidianidad al inconformismo. Se les puede calificar de ingenuos y críticos al mismo tiempo sin problemas. Forma y contenido se hacen indistinguibles a lo largo de este poemario: la voluntad minimalista de trascender lo dicho con pocas palabras se entrelaza con el gesto de autocontención propiamente ecologista. «Escribir poco en un país de excesos» es su lema. Ajeno a todo discurso panfletario, el posicionamiento político de Clark es indirecto. No recurre a la manida condena moral. Deja, por contra, traslucir un sentimiento de malestar a través del ambiente social que describe. Las conclusiones quedan reservadas para el ámbito de la praxis, la intervención real en la modificación de lo existente. El poema son sólo las premisas, el razonamiento -y el paso a la acción- es tarea de los lectores. ERNESTO CASTRO CÓRDOBA

«Ni la euforia ni el escepticismo en relación con una nueva Europa ampliada pueden hacernos olvidar que Europa todavía no ha sido verdaderamente comprendida, entendida. Esta forma históricamente única y singular de crear una comunidad de sociedades y Estados distintos se sustrae a todas las categorías y conceptos al uso. El ejemplo de Europa muestra con especial claridad hasta qué punto nuestros conceptos políticos y el instrumental teórico de las ciencias sociales se han vuelto inapropiados y ajenos a la realidad, hasta qué punto siguen encerrados en el marco teórico de un nacionalismo metodológico. [...] Este libro se integra en un proyecto más amplio de Ulrich Beck, siendo la última parte de una trilogía sobre el ?realismo cosmopolita?. En el primer libro de la trilogía, Poder y contrapoder en la era global, Ulrich Beck se interroga sobre la legitimidad del poder en la situación de interdependencia global. El segundo libro, La mirada cosmopolita o la guerra es la paz, establece los fundamentos de una Ilustración cosmopolita. La Europa cosmopolita, este tercer y último libro escrito junto con Edgar Grande, arroja luz sobre la Europa desconocida en la que vivimos.» Del prólogo de los autores

Después de su clásico Armas, gérmenes y acero, Jared Diamond se pregunta cómo unas sociedades han desaparecido sin apenas dejar huella de su evolución han alcanzado una próspera civilización material y cultural. El punto de partida es una rigurosa investigación de los casos de culturas que no han perdurado: historias trágicas como la de los mayas, los habitantes de la isla de Pascua, los indios anasazi en Norteamérica; historias menos terribles como la de Islandia o de Japón, culturas que han sabido reaccionar con éxito a desafíos ambientales; historias de vencedores y vencidos, como el caso de la República Dominicana y de Haití, y finalmente, historias aún abiertas como las de China o Australia, que están buscando soluciones innovadoras a sus desafíos ecológicos y sociales. «Uno de los proyectos intelectuales más significativos de nuestra generación.» The New York Times