Santiago García y David Rubín han unido sus talentos para poner al día el mito de Beowulf, que durante más de mil años ha inspirado a partir del poema heroico del mismo título, obra fundacional de la literatura inglesa, a generaciones de autores, desde J. R. R. Tolkien hasta un buen número de guionistas de Hollywood. Aunque el texto se redactó en lo que hoy es el Reino Unido, trata de las aventuras de un héroe escandinavo en tierras que en la actualidad pertenecen a Dinamarca y Suecia: un monstruo, Grendel, ha llegado al reino de los daneses. Durante doce años, devora a sus mujeres y hombres, hasta que desde la otra orilla del mar llega Beowulf para intentar salvarlos. La versión que proponen García y Rubín sigue fielmente el argumento y la estructura en tres actos del texto original. No pretende ser revisionista, irónica ni posmoderna, sino que ha buscado apegarse al tono y los hechos narrados en el poema, y transmitir con toda su potencia la resonancia épica y melancólica de sus versos a través de los recursos formales del cómic contemporáneo. La perspectiva no es, pues, la del género de la espada y brujería o la fantasía heroica, sino la de reconstruir un relato muy antiguo con una mirada moderna, respetando la sencillez monumental del material de partida. Así, 'Beowulf' cobra nueva vida, como si fuera una historia que descubrimos por vez primera.

En lo que conocemos como "mundo desarrollado", la mayoría de la población se muestra en las encuestas a favor de la igualdad, las leyes ya no distinguen los derechos atendiendo al sexo de las personas y en muchos países existen "políticas de igualdad". Entonces, ¿cómo es posible que persistan las desigualdades entre hombres y mujeres? María Pazos Morán explica en este libro que las políticas públicas vigentes proporcionan incentivos económicos para que se mantenga la familia tradicional, no permiten que ambos sexos puedan repartirse igualitariamente el cuidado de sus criaturas y personas dependientes e impiden a muchas mujeres mantenerse en el empleo de calidad durante toda la vida. En definitiva, a pesar de la retórica oficial, no se ofrecen condiciones materiales para la igualdad. En el actual contexto de liquidación de las políticas sociales, la autora argumenta la necesidad de mantener y profundizar estas políticas y de eliminar sus actuales sesgos de género y, apoyándose en la experiencia internacional, esboza una vía para el cambio estructural hacia una sociedad compuesta por personas sustentadoras/cuidadoras en igualdad. Además, contradice de forma argumentada percepciones ancestrales firmemente arraigadas, como que son las mujeres quienes eligen especializarse en el trabajo doméstico y de cuidados, que la desigualdad beneficia a la economía o que una sociedad igualitaria es utópica. Pero, sobre todo, defiende que justicia social y de género son inseparables y que las reformas propuestas beneficiarán a todos los seres humanos. Una visión sintética e integradora que llenará un vacío en la literatura internacional sobre igualdad de género y sobre política social.

La Teoría del partisano de Carl Schmitt constituye uno de los análisis más lúcidos de esta sugerente figura, la cual irrumpe en la historia con la guerrilla española que puso en jaque al ejército regular de Napoleón. «Gracias a este choque se abrieron nuevos espacios de guerra, se desarrollaron nuevas nociones de beligerancia y surgió una nueva teoría de la guerra y la política». Partiendo de esa chispa inicial, Schmitt reconstruye la evolución del partisano: de las teorías de Clausewitz al revolucionario de profesión, de Lenin a la «nación en armas» de Mao, hasta llegar al terrorismo en la Argelia francesa. Uniendo el rigor del jurista con la penetración del filósofo, Schmitt precisa los caracteres distintivos del combatiente irregular, esto es, de aquel que se sitúa al margen de la «enemistad convencional», con sus guerras domesticadas y circunscritas, para entrar en el ámbito de la «enemistad verdadera». El partisano cobra así, a sus ojos, el rango de un protagonista clave de la historia universal en el contexto del nuevo «nomos de la tierra», para acabar convirtiéndose, con la absolutización del partido y la criminalización del adversario de guerra, en portador de una «enemistad absoluta».

La sencillez de la condición humana El humorista gráfico Cesc se dedicó, como sus contemporáneos Sempé y Steinberg -que él reconocía como grandes influencias-, a la anotación costumbrista. Como Sempé, miró con ternura a los niños y a la gente de la calle. En especial a la gente con oficios modestos como las floristas, los peones o incluso los mendigos. Por otro lado, más crítico y en línea con Steinberg, denunció los abusos del poder, la banalidad y la preocupación por las apariencias de los ricos, y la burocracia kafkiana. Este volumen recopilatorio, en el que Jordi Duró ha desempeñado labores de antólogo y diseñador, reúne los dibujos sin palabras de Cesc. Dibujos que no necesitan una explicación y que muestran por tanto su cara más directa y cercana, la que él prefería. Reivindicando a este gran dibujante como alguien que retrató con ternura algo más allá incluso de su época y su país: la sencillez de la condición humana. A pesar de los problemas que tuvo con la justicia (protagonizó dos juicios que fueron sobreseídos), con la censura y con las presiones políticas que llegaban a él a través de los editores y que provocaron que fuera "retirado" durante temporadas, mantuvo un público fiel que admiraba su capacidad poética de sintetizar ciertas ideas que no hubieran podido expresarse a través un lenguaje que no fuera el dibujo. Un dibujo amable que enmascaraba mensajes duramente críticos. "Desde la parcela de la caricatura, Cesc cumplió el papel que en literatura cumplieron los Goytisolo, Celaya, Blas de Otero, García Hortelano. Rompía la imagen establecida de nuestra sociedad: una imagen de hogar medio con páter familias sentado en un sillón con orejeras, lector de ABC y frecuente radioescucha de Cabalgata fin de semana, de Bobby Deglané". Manuel Vázquez Montalbán "Cesc fue uno de los pioneros contemporáneos del humor gráfico en prensa (...). Construyó un universo de dibujos de un realismo tierno y sencillo como sus personajes, pero cargado de fina ironía. Niños inocentes y preguntones, obreros perplejos por lo que veían y vivían, ricachones como malos de cuento y situaciones paradójicas de la vida cotidiana nutrían los dibujos que Cesc comenzó a publicar en prensa a principios de los 60, cuando era preciso decir muchas cosas, pero se podían decir muy pocas". Rafel Vallbona, El Mundo

Un ensayo controvertido y provocador pero necesario para comprender una parte clave de nuestra cultura y de la transición del franquismo a la democracia. Un ensayo que nace de una lectura tan honda como brillante.

Con Crisis (de ansiedad) vuelve el Juanjo Sáez más trasgresor y políticamente incorrecto. Derecho a la vivienda (de cartón), obreros «reformados» porque finalmente se han arrodillado, finales de túneles iluminados tenuemente por el brillo de los ojos de un lobo voraz, banqueros a los que se les ha metido un obrero en el ojo, banqueros desalmados que inventan pócimas para crear pobreza, banqueros que se lo pasan muy bien en medio de tanta crisis. Crisis (de ansiedad) reúne una selección de viñetas sobre la crisis económica y sus efectos en la gente común publicadas en el diario catalán Ara. Como complemento a estas viñetas además incluye tres historietas inéditas basadas en la vida del propio Juanjo que tratan el tema de la crisis desde un ángulo más personal: ¿qué pasa cuando a tu padre, un señor mayor, se queda sin trabajo? y ¿cómo habla la gente en sus casas del «capitalismo»? Format Fixed Layout especial per a tablets.

La alucinante atmósfera de este libro, sumada a su virulencia, convierten Habitaciones exiguas en una metáfora de la desesperanza, de la capacidad de autodestrucción del ser humano, de la soledad y la amargura. Los personajes protagonistas de esta novela -Syd­ney, Roy y Gareth- son como ángeles oscuros situados en la frontera que separa lo infernal de lo celestial. Víctimas de una pasión desenfrenada, acaban hundiéndose en el pozo sin fondo de la crueldad, la humillación y la violencia. Habitaciones exiguas es una historia en la que el amor, la voluntad de dominación y de sometimiento, y el an­sia de posesión se apoderan de tal modo de sus protagonistas que nada puede detenerlos, ni siquiera la tortura o el crimen. La obra de James Purdy (1924-2009) se caracteriza por la dureza de sus planteamientos, su lenguaje áspero y su desprecio hacia todos los convencionalismos. Su talento fue reconocido por numerosos escritores y críticos: Edith Sit well, Angus Wilson, Paul Bowles, Susan Son tag, Gore Vidal o George Steiner lo elogiaron entusiásticamente cuando era aún muy poco conocido en su país. Su primera novela, Malcom, publicada en 1959, está lejanamente inspirada en la picaresca cervantina, pero instalada en un mundo cruel y perverso. En otras obras, como Cabot Wright Begins o Eustace Chisholm and the Works, al igual que en estas Habitaciones Exi guas, Purdy explora a fondo los motivos del deseo sexual, la pasión y el amor desesperado. Como alguien dejó escrito en una frase que ha perdurado, James Purdy fue un maestro de la literatura del mal.

«Máscara» reúne trece relatos del maestro polaco de la ciencia ficción, Stanislaw Lem, nunca hasta ahora publicados en castellano. Escritos a lo largo de toda una vida, y nunca antes antologados, en ellos encontramos al mejor Lem: un Lem radical, visionario, burlón y violentamente inteligente, el Lem de «Solaris» o de «Vacío perfecto». La diversidad de los relatos recogidos en este volumen es enorme: desde la jocosa y grotesca parodia de las historias de alienígenas que es «La invasión de Aldebarán», pasando por el delirio de «La rata en el laberinto» o la tenebrosa pesadilla de «Moho y oscuridad», hasta culminar en la pieza central del volumen, la compleja y filosófica parábola que da título a la obra, «Máscara», la historia de una inteligencia artificial que quiere escapar de su destino y seguir solo su libre albedrío. Sumamente refinados, profundos y originales, los relatos recogidos en «Máscara» nos muestran a un Lem en estado de gracia. Un autor con mayúsculas, de culto, que merece la pena elevar a los altares de la literatura moderna, por encima de géneros y de etiquetas.

Después de las recopilaciones de humor de prensa '¡La crisis está siendo un éxito!' (Astiberri, 2011), '¡Esto es importantísimo!' (Astiberri, 2012) y 'Profundamente anticlerical' (Astiberri, 2012), llega esta obra completamente inédita donde Manel Fontdevila busca un porqué al rechazo que producen el sano desorden social y la desobediencia entre amplios sectores de la opinión pública. En respuesta al 'Indignaos' de Stéphane Hessel ?que se inicia en la concepción misma de la portada ?, Fontdevila propone un cómic que trata de crisis, contestación y cultura de la transición: a la vez ligero y provocador, explora dónde estamos, de dónde venimos y, sobre todo, indaga hasta dónde podemos llegar con nuestra respuesta. El autor manresano habla en 'No os indignéis tanto' de cauces de expresión, y de lo importantes que son las rupturas para ampliar dichos cauces. Para ello, analiza el tema desde un doble ámbito. El de la política, donde la reflexión sobre la transición y el proceso del 15-M tiene una importancia capital. Y el del humor: Georges Brassens en la Francia de los años 50 con su poesía y música contestataria, el papel de las revistas satíricas en España -buscando las costuras de 'La Codorniz' durante el franquismo-, el cine de Monty Phyton en los 70; o ya más recientemente, remite al secuestro por mandato judicial de la revista 'El Jueves' por una polémica portada de los príncipes, de la que él fue guionista.

Will Navidson, un famoso fotoperiodista premiado con el Pulitzer, se traslada con su familia a una casa en el entorno rural de Virginia en un intento de salvar su matrimonio, seriamente perjudicado por sus viajes continuos y su adicción al trabajo. Además de Navidson, la familia está compuesta por la hermosa ex-modelo Karen Green y los dos hijos pequeños de ambos. Muy pronto, Will descubre que la casa presenta una anomalía arquitectónica singular: su espacio interior es ligeramente más grande que el que debería ocupar según sus dimensiones exteriores. Este es el arranque de El expediente Navidson, un fascinante documento que narra los sucesos acaecidos en la casa de Ash Tree Lane, es decir La casa de hojas. Will Navidson tratará de averiguar qué secreto esconde La casa de hojas, al mismo tiempo que procurará poner a salvo a su familia. Un viaje para el que recabará la ayuda de todos los medios a su alcance, incluida la de su hermano gemelo Tom, un profesor universitario y hasta toda una expedición de espeleólogos. Mientras Will y sus seres queridos se enfrentan a los peligros de esa casa encantada, un joven tatuador de Los Ángeles, el carismático y tierno Johnny Truant, malvive y quema las noches a una velocidad vertiginosa de la mano de su inseparable escudero, Lude. Las historias de Truant y Navidson se entrelazarán gracias a un hallazgo que cambiará la vida de todos los personajes inolvidables que atraviesan esta monumental novela.

Este libro estudia las capacidades expresivas de la comunicación publicitaria y, particularmente, una de sus utilizaciones más complejas y menos estudiadas, la sensibilización. Explora el cruce de caminos entre la comunicación publicitaria comercial y la social, y profundiza en las particularidades del Tercer Sector como contexto de especialización del lenguaje de la publicidad. La autora propone una eficacia publicitaria adecuada a las responsabilidades de transformación social y de educación cívica de los agentes del Tercer Sector. Todas sus acciones de comunicación, incluidas las publicitarias, necesitan contribuir de forma transversal a sus objetivos socioculturales, por lo que este trabajo propone una necesaria eficiencia cultural que se vincule a sus necesidades de gestión, y una eficacia cultural que ayude a establecer nuevas metodologías de elaboración y de evaluación de los discursos publicitarios adecuadas para las campañas educativas. Eloísa Nos Aldás (Castellón, 1974) es doctora y profesora del área de Comunicación Audiovisual y Publicidad en la Universitat Jaume I de Castellón (UJI). Codirectora del Programa Oficial de Postgrado "Estudios Internacionales en Paz, Conflictos y Desarrollo" de la UJI. Coordina la línea de investigación de la Cátedra UNESCO de Filosofía para la Paz sobre "Comunicación para la Paz y la Cooperación" y es investigadora del Centro de Análisis de la Comunicación del Tercer Sector (C-ACTS). Ha editado Medios Periodísticos, Cooperación y Acción Humanitaria (Icaria); junto a V. J. Benet, La publicidad en el Tercer Sector (Icaria); y junto a Mª J. Gámez, Medios de comunicación y solidaridad: reflexiones en torno a la (des)articulación social.

«Nuestro grupo podría ser tu vida» («Our Band Could Be Your Life»), que toma el título de un verso de un tema de The Minutemen y está considerado unánimemente como uno de los mejores libros sobre la música rock jamás escritos, relata la trayectoria musical de trece grupos norteamericanos capitales que dieron lo mejor de sí mismos en la década de los 80. Fueron años convulsos que coincidieron con el mandato del presidente Reagan y su política conservadora y nacionalista, y que, en lo musical, dieron lugar a la particular lectura del punk británico y su consigna del «hazlo tú mismo» por parte de algunos grupos del Nuevo Continente que produjeron un sonido agresivo y a un volumen y velocidad de vértigo. Profusamente documentado a partir de entrevistas con los músicos y los principales actores de la escena musical, Azerrad narra con pulso y pasión los avatares de trece grupos cuyo sonido inauguró no solo una nueva tendencia musical que se consolidaría mundialmente con el encumbramiento de Nirvana y su álbum «Nevermind», sino también la eclosión de toda una red de sellos discográficos, distribuidoras independientes, fanzines, radios universitarias y underground, clubs, locales de conciertos y tiendas de discos, que nacieron para vehicular la urgencia generada por la nueva música. Pronto, abanderado por Black Flag, el germen del hardcore se extendió y permitió la aparición de nuevos grupos y una nueva comunidad de fans que los seguían y apoyaban en sus interminables giras. Las trece historias incluidas en este monumental libro son el relato inolvidable de cómo unos jóvenes -sin apenas conocimientos musicales pero embebidos de la energía y urgencia del punk- hicieron posible su sueño comunal de tocar en un grupo. Su periplo no estuvo exento de incomodidades y obstáculos -vivían y viajaban en condiciones muy precarias y extremas-, y algunos se arrojaron al abismo del consumo desaforado de alcohol y drogas (otros, como Minor Threat, optaron por una conducta diametralmente opuesta, el llamado «straight edge», que reivindicaba un estilo de vida «limpio» que les permitía acometer los intensos conciertos que daban). Algunos de los discos que grabaron se encuentran entre los mejores de la historia del rock, y su influencia llega hasta nuestros días. Muchos grupos desaparecieron, otros se vendieron a multinacionales, algunos de sus miembros murieron, pero su música ha pervivido. Los trece grupos, en orden de aparición, son: BLACK FLAG, THE MINUTEMEN, MISSION OF BURMA, MINOR THREAT, HÜSKER DÜ, THE REPLACEMENTS, SONIC YOUTH, BUTTHOLE SURFERS, BIG BLACK, DINOSAUR JR, FUGAZI, MUDHONEY y BEAT HAPPENING.

Tony Durán, un extraño forastero, nacido en Puerto Rico, educado como un norteamericano en Nueva Jersey, fue asesinado a comienzos de los años setenta en un pueblo de la provincia de Buenos Aires. Antes de morir, Tony ha sido el centro de la atención de todos, el admirado, vigilado, diferente pero también el fascinante. Había llegado siguiendo a las bellas hermanas Belladona, las gemelas Ada y Sofía, hijas de una de las principales familias del lugar. Las conoció en Atlantic City, y urdieron un feliz trío sexual y sentimental hasta que una de ellas, Sofía, «quizá la más débil o la más sensible», desertó del juego de los casinos y de los cuerpos. Y Tony Durán continuó con Ada, y la siguió cuando ella volvió a la Argentina, donde encontró su muerte. A partir del crimen, esta novela policíaca muta, crece, y se transforma en un relato que se abre y anuda en arqueologías y dinastías familiares, que va y viene en una combinatoria de veloz novela de género y espléndida construcción literaria. El centro luminoso del libro, cuyo título remite a la cacería nocturna, es Luca Belladona, constructor de una fábrica fantasmal perdida en medio del campo que persigue con obstinación un proyecto demencial. La aparición de Emilio Renzi, el tradicional personaje de Piglia, le da a la historia una conclusión irónica y conmovedora. Esta novela fue galardonada con el Premio de la Crítica en España y el Premio Rómulo Gallegos, entre otros. «Un autor enorme» (Leila Guerriero, El País Dominical). «Una novela en la que se amalgaman con naturalidad Faulkner y Chandler» (Ricardo Senabre, El Mundo). «A cada nuevo libro de Piglia me pregunto no si es merecedor del Premio Cervantes, sino cuándo le va a llegar este reconocimiento» (J. A. Masoliver Ródenas, La Vanguardia).

«Estas son las tres premisas fundamentales al inicio de toda relación de folleteo: 1. no estoy enamorada de ti. 2. mientras me veo contigo no habrá otros hombres. 3. si a ti también te parece bien, divirtámonos mientras dure». A Marzia Capotorti le gusta ir al grano. Tras decidir su carrera a suertes, cambia la facultad de Derecho por la barra de un bar. En el Verbe, prepara cócteles con profesionalidad y le da al sexo sin amor mientras habla sarcásticamente del género humano. No piensa en qué gastará su mísero sueldo porque lo que le obsesiona es otra cosa: morir de una muerte ridícula. Y lo cierto es que casi lo consigue... A raíz de un estúpido accidente, Marzia se despierta en un hospital, en una especie de coma lúcido que le permite escuchar qué dicen de ella quienes la visitan. Parientes, amigos, amantes... le confiesan sus miedos, recuerdos y deslices, mientras ella, que es alérgica al melodrama y algo irreverente, se protege mentalmente con teorías curiosas, como pensar que somos lo que bebemos. Su mejor amiga, según este patrón, sería tan auténtica como el café irlandés, mientras su compañera de barra es un cóctel hortera (Long Island Ice Tea) y ella se acerca al Bloody Mary. Pero, entre visita y visita, su coraza se irá desmoronando, sin etiquetas que valgan. Reducida a espectadora, llegarán las dudas. Quizá pueda aprender algo de enamorarse y hasta es posible que su madre no se esté autoengañando tanto. Quizá, la engañada sea ella... Dirigida a las porno-románticas o a quienes aún están dispuestas a darle una oportunidad a las cosas, Romanticidio es un ejercicio de exploración lleno de humor, mala leche y ternura, que ya ha sido un éxito de público en Italia.

Joan Brossa (1919, Barcelona) está considerado como el único poeta vanguardista que ha sabido juntar en su obra el espectáculo y la cotidianeidad, la magia y la realidad social, junto a un sarcasmo poco habitual en la poesía. Su obra supone un acto de ruptura con las poéticas tradicionales a través de una originalísima estética. 2ª edición (1990, 2013).

El verano más caluroso del siglo. Cuatro casas perdidas entre los trigales. Los mayores permanecen encerrados en casa. Seis niños, en sus bicicletas, se aventuran por entre los campos ardientes y abandonados. En medio de ese mar de espigas, hay un secreto espeluznante, un secreto que cambiará para siempre la vida de uno de ellos. Michele Amitrano, de nueve años, de repente tiene que vérselas con un secreto tan grande y terrible que ni siquiera puede explicarlo. Y para afrontarlo deberá encontrar fuerzas precisamente en sus fantasías de niño, mientras el lector asiste a una doble historia: una que es vista con los ojos de Michele, y otra, trágica, que afecta a los mayores de Acqua Traverse, miserable caserío perdido entre los campos de trigo. El resultado es un relato poderoso y de una absoluta felicidad narrativa, donde se respiran atmósferas emparentadas con Las aventuras de Tom Sawyer o los Cuentos populares italianos de Italo Calvino. La historia está ambientada en el tórrido verano de 1978, en los campos del sur de Italia. En este paisaje dominado por el contraste entre la cegadora luz del sol y la oscuridad de la noche, Ammaniti alterna, con gran eficacia narrativa, la comedia, el mundo de las relaciones infantiles, la lengua y la divertida sabiduría de los niños, su tenacidad, la fuerza de la amistad y el drama de la traición. Y, a la vez, esboza un inolvidable abanico de personajes adultos. No tengo miedo se convierte en un adiós desolador a la edad de los juegos, a esa energía mágica que nos permite luchar contra los monstruos, y que se insinúa bajo la piel de cada uno de nosotros como una tierna puñalada en el pecho. «La novela del descubrimiento de uno mismo a través del peligro extremo y del adiós desolador al tiempo de los juegos» (N. Canyelles, Última hora). «Un prodigio» (Gian Arturo Ferrari, La Repubblica). «Una obra maestra» (Michael Dibdin, The Guardian).