DABITCH Y FLAO NOS CUENTAN CON MAESTRÍA LA HISTORIA DE UN GITANO Y UN PAYO CUYA VIDA ES EL CANTEManuel, de familia andaluza y recién llegado de Francia, se encuentra con su amigo Benito, un gitano con el que comparte el amor por el flamenco verdadero, no el fl amenco rock para las masas, sino el que nace del dolor, de la pobreza y de la injusticia social. Benjamin Flao, con sus lápices, nos transporta a las soleadas tierras de Andalucía capturando en su trazo vibrante la esencia del flamenco, como si fuéramos un cantante o una bailaora sumergidos en la tragedia de su representación.

Los mejores libros jamás escritos.«[...] El capitán mandó que todos los heridos subiesen arriba a morir, porque dijo "Señores, o a cenar con Cristo o a Constantinopla".»En el decadente Imperio español de los últimos Austrias, con más frentes abiertos de los que finalmente pudieron contenerse, afloró un nuevo tipo de soldado: el miliciano de dudosa extracción, pendenciero y predispuesto al saqueo. Uno de aquellos soldados fue Alonso de Guillén, más conocido como capitán Alonso de Contreras, que narra en este libro, con minuciosa exactitud y feroz naturalidad, las peripecias y recovecos de su vida y su oficio. Esta asombrosa sucesión de duelos, abordajes, temporales, combates y episodios cortesanos conforma el impagable testimonio del carácter y la vida de los soldados profesionales de la España de su tiempo.Esta magnífica biografía, una pieza única de nuestra literatura que nos acerca a la vida de un hombre de armas, viene acompañada de una introducción de Ismael López Martín, profesor en el departamento de didáctica de las lenguas y de las ciencias humanas y sociales de la Universidad de Zaragoza.

Praga, 1939. Josef Rada, casado con Marie y padre de un joven estudiante de Medicina, Edmund, es un funcionario íntegro y eficaz. No se le conocen aficiones ni amigos, y ni si quiera le interesa la política: vive dedicado completamente a su familia y a su trabajo. Pero ese pequeño y confortable mundo será dinamitado, casi literalmente, por la invasión alemana y el colaboracionismo con los invasores de un antiguo conocido de la infancia, Fobich. El hecho de que el lector de El deber «avance a paso vertiginoso por una de las novelas antidictadura más eficaces», como ponderara Max Brod, se debe, sin duda, a que ofrece un retrato del patriotismo contra la ocupación nazi que no degenera en el patetismo ni en la retórica. Su eficacia estriba en el personaje de Rada, creíble por su actitud, al principio antiheroica y vacilante, el buen conocimiento de la realidad política y, sobre todo, el magistral tratamiento literario: un texto en apariencia sencillo y objetivo pero, como ya señalara la crítica de la época, «sabedor del artificio y sofisticado». Escrita en 1943, El deber es una novela cuya relevancia especial se infiere del paisaje político en que fue creada. Los autores germanohablantes de Checoslovaquia, judíos casi todos ellos, tenían un motivo adicional para escribir sobre el destino de su patria: en junio de 1942 la masacre nazi de Lídice causó el horror en todos los países del mundo civilizado. El propio Winder señaló: «En un siglo bárbaro, como lo es el nuestro, los artistas tienen el deber de defender con perseverancia la dignidad del hombre, la dignidad del espíritu».

Entre 1897 y 1906, cuando decide poner fin a su vida a los 29 años, Oskar Andersson alumbró una de las producciones más originales de la narración y el humor gráfico de su época. Con una obra a medio camino entre la dinámica del slapstick, la caricatura descarnada y la inventiva surrealista, O. A. asombra todavía por el virtuosismo de su trazo, su penetración crítica y modernidad. Considerado el iniciador de la tradición historietística sueca, en su serie de tiras mudas de "El hombre que hace lo que le viene en gana" hace gala de un espíritu pre-dadá y un propósito sistemático de subvertir los usos y convenciones. Junto a este serie, el libro se completa con una serie de historietas y caricaturas, auténtica galería de personajes que conforman un caleidoscopio de todos los estratos y servidumbres sociales

Pier Paolo Pasolini fue un gran cineasta, un notable poeta, un extraordinario novelista y, tal como demuestra en el presente volumen, uno de los mayores ensayistas del siglo XX. Como pensador y como creador, Pasolini entendió que la auténtica provocación y una forma de escándalo que no fuera recuperable por el sistema de consumo cultural eran las armas más eficaces que poseía un intelectual. Y es precisamente este espíritu de la transgresión, entendido como reflexión lúcida, comprometida y a contracorriente, el que habita los ensayos que componen este libro -incluido el que le da título-, redactados a lo largo de más de treinta años e inéditos hasta ahora en nuestra lengua. En este sentido, la presente antología se compone de un conjunto de textos que, atendiendo a su vitalidad intelectual, su alcance histórico y la belleza de su escritura, son de primer orden y dan cuenta del mejor Pasolini, crítico radical de nuestra cultura y ajeno a cualquier tipo de concesiones. En ellos se abordan temas fundamentales en la reflexión y la vivencia de este autor: la violencia y su extremo, la guerra; la educación, tal como se nos impone y tal como podría ser; eso que llamamos cultura, y la dialéctica crítica que ésta exige; la sociedad, siempre junto a la soledad de aquel que toma conciencia de su deriva; o la política, que para Pasolini no podía ser sino una estrategia de la resistencia. El libro se cierra con dos documentos absolutamente excepcionales: un texto, publicado de forma póstuma apenas dos semanas después de la muerte de Pasolini, que el propio autor definió como «un testamento intelectual y espiritual»; y una última entrevista, brillante y brutal como todas, que tuvo lugar apenas cuatro horas antes de su asesinato. En ella Pasolini advertía de que «mientras nosotros estamos aquí hablando puede que haya alguien en el bar planeando liquidarnos», lo que no habla tanto de una premonición como de la estricta lucidez de quien ha tocado «la vida violenta » y conoce verdaderamente su lugar en el mundo.

El presente volumen consta de nueve discursos inéditos, siete de ellos dirigidos a estudiantes universitarios en días de dichosa graduación. Es éste un género muy peculiar de la oratoria norteamericana que ha dado lugar a piezas memorables adornadas con nobles sentimientos, recuerdos edificantes y melifluos elixires emitidos por autoridades de intachable prestigio moral o intelectual. El autor de Matadero Cinco también gozaba de una excelente reputación, pero él mismo se encargaba de sabotearla para ejercer un magisterio terrestre, coloquial, benévolo y satírico (cuando llegaba la hora de los dardos). Si "el cuerdo parece un chiflado cuando la sociedad enloquece", este libro es la muestra más acabada de una cordura lunática.

Durante siglos, el cuadro que representa a la familia de Felipe IV ha sido el centro de atracción del Museo del Prado y ha inspirado a artistas y escritores, convirtiéndose en un verdadero icono cultural. Sin embargo, Diego Velázquez es uno de los pintores más misteriosos de su época, y 'Las meninas', su obra maestra, cumbre de la pintura barroca española, es quizás también el más extraño de los grandes cuadros de la pintura occidental. Después de toda una vida en la corte al servicio de Felipe IV, Velázquez por fin fue nombrado caballero en 1658 y alcanzó una dignidad insólita para un pintor en aquel momento. En torno a este acto de ennoblecimiento cortesano, Santiago García y Javier Olivares construyen en la novela gráfica 'Las meninas' una fantasía de largo alcance inspirada en hechos históricos. Por sus páginas pasan desde el conde-duque de Olivares hasta Foucault, desde el Greco hasta Buero Vallejo. Ésta no es sólo la historia de una obra de arte, sino la historia de cómo una obra de arte se transforma en un símbolo. Y al final, también, un nuevo intento de contestar a la pregunta que se han hecho generaciones de artistas, historiadores, estudiosos y aficionados: ¿cuál es el secreto de 'Las meninas'? Un secreto oculto a plena vista. 'Las meninas' recibió el Premio Nacional del Cómic 2015, así como el premio a la mejor obra española en el 33.º Salón del Cómic de Barcelona del mismo año. Está traducido en Francia, de la mano de Futuropolis, y la edición estadounidense ('Ladies in Waiting', publicada por Fantagraphics) ha estado nominada en la categoría de mejor edición de material internacional en los prestigiosos premios Eisner 2018.

Noviembre de 1959. Italia acaba de salir de las penurias de la posguerra y vive una época de auge económico. El gran cambio social está por llegar. Nuestro hombre, Pasolini, explora Milán: quiere hacer suya la ciudad, contenerla. Pretende esgrimir la misma vehemencia que, diez años atrás, le había permitido transformar el imaginario de Roma. La década de los 60 asoma la cabeza, es Nochevieja y un puñado de chavales milaneses de la periferia, los teddy boys, se lanzan en busca de sensaciones extremas. En los bares se bebe whisky y champagne. La extensión viril de los jóvenes es la motocicleta. Y el amor no se conquista; se roba en la calle. Inédito hasta ahora, Nebulosa es el guión de una película que nunca llegó a rodarse. Asumida su pérdida durante mucho tiempo, no fue hasta 1995 cuando apareció en los archivos de la revista italiana Filmcritica. Está considerada la pieza que cierra el ciclo sobre la juventud iniciado con dos novelas: Chicos del arroyo y Una vida violenta. Negra, encolerizada y febril, Nebulosa nos devuelve la imagen de un apasionado intelectual que denunció con mucha antelación todos los males de la sociedad contemporánea. Pier Paolo Pasolini nace en Bolonia el 5 de marzo de 1922. Durante su infancia y adolescencia sigue al padre militar en sus movimientos de una ciudad a otra por el norte de Italia. En 1942, debido a la guerra, se refugia en Casarsa, el pueblo de su madre. Este mismo año escribirá Poemas en Casarsa, obra a la que siguen Las cenizas de Gramsci, Poesía en forma de rosa, La mejor juventud y La religión de mi tiempo. En 1950 se traslada a Roma y hace su debut narrativo con Chicos del arroyo, una corrosiva crítica social de su tiempo. En los años 60 dirige su mirada al cine y firma el guión y la dirección de la película Accattone: a partir de entonces dirigirá casi una película al año. En 1973 inicia su colaboración con Il Corriere della Sera, y sus artículos, en los que enfrenta sin complejos las dolorosas cuestiones de la Italia contemporánea, serán sucesivamente recopilados en dos antologías: Escritos corsarios y Cartas luteranas. Asesinado en la localidad marítima de Ostia, cerca de Roma, su vida concluye el dos de noviembre de 1975.

París, años sesenta. En el café Condé se reúnen poetas malditos, futuros situacionistas, y estudiantes fascinados por la bohemia parisina. Y aunque la nostalgia de aquellos años perdidos parecería ser el tema central de la novela, Modiano le da un giro sorprendente. Porque En el café de la juventud perdida es también una novela de misterio. Todos los personajes, todas las historias, confluyen en la enigmática Louki. Cuatro hombres nos cuentan sus encuentros y desencuentros con la hija de una trabajadora del Moulin-Rouge. Algunos la buscan, otros la aman, y para casi todos ellos la chica encarna el inalcanzable objeto del deseo. Louki, como todos los que la acompañan en su vagabundeo por un París espectral, es un personaje sin raíces, que vive inventando identidades, renaciendo una y otra vez, luchando por construir un presente perpetuo. Modiano recrea alrededor de la fascinante y conmovedora figura de Louki el París de su juventud, al mismo tiempo que construye con su estilo inconfundible una hermosísima novela sobre el poder de la memoria y la búsqueda de la identidad, dos grandes ejes de la obra del escritor francés. «De una belleza inaudita» (Isabel Coixet). «Una especie de concentrado de Modiano que presenta efectos altamente estimulantes» (P. Martínez Zarracina, El Norte de Castilla). «Modiano sigue siendo fiel a su propio universo, pero en mi opinión -y para mi asombro- da un salto hacia delante en cuanto a asunto y estrategia narrativa. Libro tras libro, me produce una admiración que no cesa de aumentar» (Robert Saladrigas, La Vanguardia). «Magistral... Excepcional» (Miguel Sánchez-Ostiz, ABC). «Una belleza deslumbrante. Una obra maestra» (Fernando R. Lafuente). «Como fan (fanático) de Modiano, se la recomiendo muy encarecida­mente» (Joan de Sagarra).

Los breves y brillantes ensayos que dan cuerpo a Cita con los clásicos -unos textos que aparecieron originalmente en Saturday Review- abordan sesenta libros que, para Rexroth, constituyen «los documentos básicos de la historia de la imaginación»: Del Poema de Gilgamesh al Huckleberry Finn de Mark Twain. Distinguido por el estilo directo y vivaz de Rexroth, Cita con los clásicos presenta ideas elaboradas con un lenguaje sencillo, tonificadas por la impresión de que el autor habla cara a cara con el lector. Versátil y buen conocedor de varios idiomas, Rexroth no se deja constreñir ni por Oriente ni por Occidente; pasa con presteza de Homero al Mahabarata y de Murasaki a Stendhal. Solo cuando nos detenemos para tomar aire, reparamos en sus afinidades especiales: Casanova, Izaak Walton, Macbeth, las sagas islandesas, la poesía clásica japonesa. Lo ha leído todo. En Laurence Sterne ve toques de Buda; en Henry Fielding, asomos de Confucio. «Puede que la vida no dé pie a demasiado optimismo», sostiene Rexroth en su introducción, «pero desde luego es cómica y las grandes obras de la literatura universal nos presentan al hombre cubriéndose el rostro con dos máscaras convencionales que decoran el proscenio de los teatros: una que ríe y otra que llora. ¿De quién es el rostro que oculta la doble máscara? Es un simple rostro humano, tuyo o mío. Ahí reside la ironía suprema que distingue a la gran literatura: resulta todo de lo más banal».

Un joven sin historia ni pasión precisa -excepto el amor por el jazz- se encuentra sumergido en una aventura cuyas causas y reglas se le escapan, una historia de detectives raídos y torpes, una secta religiosa preocupantemente flipada, estafadores tan retorcidos que son incapaces de distinguir entre la verdad y las ilusiones que se fabrican, un loro muy, pero que muy instruido, una hermosa extranjera que se esfuma apenas entrevista, peleas, tiroteos, persecuciones, puertas falsas y pasajes secretos, asesinos impávidos... Toda la panoplia de la novela negra pero tratada con gran inteligencia, libertad, desenvoltura y sentido del humor en un libro desconcertante en el que no obstante se adivina de inmediato que lo esencial es la literatura. Tal como el autor precisaba en una entrevista, «Cherokee es una novela de aventuras... e incluso de amor. No me gusta que se la catalogue como novela policíaca, aunque haya armas, persecuciones, indagaciones. Pertenece a un ámbito más amplio. El eje es alguien que busca a una mujer. El hecho de que él mismo sea perseguido por diferentes categorías socioprofesionales (risas) constituye un movimiento de doble persecución». «Un libro que se lee como si se escuchara free jazz, como si se participara en un juego de niños: indios en pie de guerra. O quizá también como un tratado de moral cuyo valor supremo sería el humor. El humor, decía Queneau, es una tentativa de desinfectar los buenos sentimientos de su imbecilidad» (Pierre Lepape, Les Nouvelles Littéraires). «Seres y cosas son vistas dans tous leurs états, como dijo Ponge. Ésta es la causa de que Cherokee sea un paraíso para las metáforas, el lugar (pero no el laboratorio) de una escritura activa, inventiva, de una rara precisión y de una gran felicidad» (Georges Anex, Journal de Genève). «Hay que confesarlo enseguida: no se puede explicar Cherokee. La única y principal realidad de esta novela reside en su lenguaje. Un lenguaje que consigue el prodigio inverso, engendrar su propio universo» (Jean-Pierre Salgas, La Quinzaine Littéraire). «Se lee como un polar algo pervertido, revisitado por Queneau. Como Queneau, Echenoz tiene el gusto por la payasada, por los personajes algo extravagantes, por las atmósferas irreales que se transfiguran en el realismo más exacto, y también el sentido del diálogo. Pero detengo ahí la comparación: Echenoz es Echenoz... Leed este libro astuto, soñador y lleno de humor. Para vuestro placer» (Michel Nuridsany, Le Figaro). «Cherokee es también el nombre del tema de Miles Davis que hace cuarenta años marcó el nacimiento del jazz contemporáneo: más precisamente, el día en el que a la trama orquestal ceñida, dirigida hacia una única figuración, iba a suceder el desgarrón del tejido, la multiplicación del tiempo y del espacio, y sobre todo el blues inconciliable del azar y de la necesidad, materia misma de este libro» (La Nouvelle Revue française).

«Nadie combina la crudeza del noir con la mejor tradición del terror como lo hace LairdBarron. El resultado es una narración rica en detalles, amplia en alcance y llena de espeluznantes implicaciones. Es un escritor que logra capturar -con más fidelidad que cualquier otro autor que pueda mencionar- todo ese tinglado del lugar que ocupa la humanidad en el cosmos. Y si piensan que lo que digo es una exageración alocada, entonces es que aún no han leído su ficción. Léanla». S. P. Miskowski para Seattle Pl En la periferia de nuestra existencia, acechando desde oscuridades más profundas que el Cosmos y que se extienden más allá del círculo de luz de nuestra hoguera y del calor de la conciencia, existen cosas extrañas... magia negra, cultos abyectos, rituales obscenos y entidades abominables que operan al amparo de las sombras. Los Hijos de la Vieja Sanguijuela llevan con nosotros desde tiempos inmemoriales. Y nos aman. Donald Miller, geólogo y académico, ha vivido casi toda su afortunada existencia al borde de un abismo, debatiéndose entre una cómoda ignorancia y un secreto enloquecedor. Ahora, al final, todo debe converger. Donald descubrirá los oscuros secretos que se ocultan en los bordes, en los rincones y las grietas de la realidad y de su propia consciencia, desenterrando verdades aterradoras sobre su esposa Michelle, sus mellizos adultos y todo lo que él conoce y en lo que confía. Y es que Donald está a punto de enfrentarse con... El Rito.