Poesía contenida pero no fría, emocionada pero no sentimental, centrada en un universo cotidiano, pero no vulgar. Así, la mirada de Subirana rescata al mundo de la intascendencia sin elevarlo a ninguna otra categoría. Esta antología bilingüe de sus siete libros de poesía nos acerca a una de las voces más personales de la poesía catalana actual.

Una novela que testimonia y denuncia la agresión sexual padecida por la autora siendo niña. Un libro valiente, perturbador y necesario. Un soleado domingo de mayo, Adélaïde, una niña de nueve años de familia parisina acomodada, sufre una agresión sexual por parte de un desconocido en el hueco de la escalera de su casa. Como mecanismo de autodefensa, su mente bloqueará los recuerdos del episodio. Pero el trauma de lo vivido derivará en soledad, tristeza y una persistente sensación de culpa y vergüenza que marcarán su vida. Ella tratará por todos los medios de ocultar a los demás el abismo de un sufrimiento que no ceja y tendrá problemas en la adolescencia y en su iniciación en la sexualidad.Veintitantos años después, superado –al menos en parte– ese trauma infantil, Adélaïde revivirá lo ocurrido de nuevo. La policía ha detenido al presunto culpable, un hombre apodado el Electricista, sospechoso de ser autor de decenas de abusos sexuales a menores. Ella –como otras muchas víctimas– es llamada a declarar en el juicio, lo cual la obliga a enfrentarse, cuando ya no contaba con ello, al individuo que le destrozó la vida.Esta es una novela desgarradora sobre la pérdida de la inocencia, sobre un trauma de difícil –acaso imposible– superación y sobre las dolorosas y perseverantes secuelas que deja en quien lo ha padecido. Es también un testimonio valiente sobre los tabúes, las trabas burocráticas y la insensibilidad institucional que rodean a estos casos cuando llegan a los juzgados. Una historia narrada desde la propia experiencia, con voluntad de denuncia y con una poderosísima voz literaria que la eleva más allá del mero testimonio. Un libro demoledor, inquietante, veraz y necesario.

review

Chinatown es uno de los filmes más memorables de la que posiblemente sea la década más memorable del cine estadounidense. Incluido de manera habitual en las listas de las mejores películas de la historia, su exquisita mezcla de clasicismo y modernidad, nostalgia y desencanto, belleza y sordidez, le han garantizado un lugar especial en el corazón de numerosos cinéfilos, pero hasta ahora nadie había contado al detalle la increíble historia real que rodeó tanto la preparación como el rodaje de este auténtico hito de Hollywood. Tomando la realización de Chinatown como punto de partida, Sam Wasson va mucho más allá del simple «cómo se hizo» para explorar y contextualizar el filme como un punto de inflexión en la cultura general, retratando el glorioso periodo que lo alumbró y entretejiendo de paso las vidas de cuatro individuos sumamente imperfectos (Jack Nicholson, Roman Polanski, Robert Evans y Robert Towne) y el modo en que llegaron a coincidir una sola vez para crear una obra de arte casi perfecta.

Escrito en 1966, El arte como oficio se ha convertido en el gran ensayo clásico de entre todos los que escribió Bruno Munari. Este libro es un valioso y singular intento por situar la importancia de los "nuevos productores de formas" del mundo contemporáneo en relación con el arte y con la experiencia personal de nuestra vida cotidiana. Con ello, Munari logra hacernos observar de una manera activa y tomar conciencia del mundo formal que nos rodea al tiempo que pone en valor la labor de los diseñadores, personajes que no solo se erigen como responsables de la creación de objetos funcionales y estéticos, sino que ejercen de auténticos moldeadores "democráticos" del gusto. Repleto de ejemplos y referencias a nuestra vida diaria, esta obra nos invita constantemente a detenernos y a repensar las formas que nos rodean. Desde la visualidad de las letras escritas o dibujadas hasta la versatilidad de un material como el bambú, pasando por el valor de una cuchara o unos peldaños desgastados por el uso, o el brutal contraste entre las ostentosas cuberterías europeas y la modestia de los palillos japoneses, Munari nos introduce con la facilidad y la sencillez de los grandes maestros a las grandes cuestiones teóricas de las disciplinas del diseño y la creatividad.

Nacida y criada en una comunidad judía ortodoxa en el corazón de Buenos Aires, Tamara Tenenbaum aprendió las costumbres afectivas y sexuales del mundo laico como una antropóloga que descubre una civilización desconocida. A partir de sus estudios de filosofía y la militancia feminista, de las conversaciones con amigos y compañeras, de su propia experiencia e incluso de su propio cuerpo, recorre en este libro los desafíos a los que se enfrentan hoy los y las jóvenes en el inicio de su vida como adultos. El fin del amor explora qué sucede cuando el matrimonio o la pareja monógama ya no son un objetivo vital, como lo fue para nuestros padres y abuelos. Desde el valor de la amistad hasta la cultura del consentimiento, pasando por la maternidad, la soltería, el poliamor, las parejas abiertas y el funcionamiento de las tecnologías del deseo como Tinder, Tenenbaum se zambulle en el universo de los afectos para celebrar el fin del amor romántico y proponer que, de sus cenizas, salga un amor mejor, que haga más libres a hombres y mujeres. Tamara Tenenbaum ha escrito poesía y ficción, ha trabajado como docente en la Universidad de Buenos Aires y ha colaborado en medios como El País, Orsai y Vice. El fin del amor, su primer ensayo, ha sido un éxito en Argentina, donde lleva ya siete ediciones publicadas.

Huyendo de todo lo que se espera de una biografía de un político al uso, Josefina Carabias nos dejó un libro que es mucho más que una semblanza de un hombre de ideas que tropezó con la amarga realidad de España. Es también una crónica vívida del Madrid de una época irrepetible, el de las tertulias en cafés y el voto femenino, por el que se pasean personajes como Unamuno y Valle-Inclán. Y es, sobre todo, una reivindicación de Carabias como pionera del periodismo español, un ejercicio literario vibrante que no renuncia a la veracidad, a la altura de nombres como Chaves Nogales.

Lo que una vez fue un próspero vecindario de clase trabajadora en el lado sur de Chicago, los ‘patios inferiores (bottomyards), es ahora la definición de la plaga urbana. Una aspirante a diseñadora de moda, Darla, y su amiga Cynthia, obsesionada con la imagen, llegan al vecindario en busca de un alquiler barato, descubren algo mucho más y siniestro que acecha detrás de las paredes de su nuevo hogar. Como un cruce entre ‘Get Out2’ de Jordan Peele y ‘The Thing’ de John Carpenter, ‘Bottomyards’ de Daniels y Passmore, ofrece una visión del horror que es asquerosa y sangrienta en todos los sentidos, ala vez que divertida y aterradora. La obra se enfrenta a los monstruos, tanto metafóricos como reales, que están desplazando a las culturas de los barrios urbanos de hoy en día.

En 1939, como los alemanes de París, Benjamin fue internado en un campo de «trabajadores voluntarios» en Nevers. Liberado gracias a la intervención de sus amigos, regresó a París hasta que llegaron las tropas de la Wehrmacht. Entonces huyó hasta Marsella, e intentó embarcarse hacia Estados Unidos. Su viaje llegó hasta el puesto fronterizo español en PortBou, donde, amenazado con ser entregado a la Gestapo, se suicidó. Esta historia se entrelaza con la del poeta Ezra Pound, exiliado en la Italia fascista. En Roma se encuentra con Mussolini para ponerse a su servicio, pero éste le rechaza, convencido de tratar con un espíritu perturbado. Detenido en 1944 por los estadounidenses, condenado por traición, fue encerrado en Pisa en una jaula, antes de ser internado durante trece años en su país.

Este libro desmonta los cuatro mitos fundamentales de la historiografía franquista sobre la guerra civil: 1) que la República recibió más ayuda militar que los vencedores; 2) el supuesto expolio del oro del Banco de España para financiar la contienda, cuyo correlato fueron las oscuras y secretas maniobras del franquismo para “recuperarlo”; 3) las razones por las cuales los republicanos –“la escoria de la nación”– perdieron la guerra de forma catastrófica; y 4) el presunto desequilibrio en las finanzas exteriores en contra de los sublevados.

Como botánica, Kimmerer formula preguntas sobre la naturaleza con las herramientas de la ciencia. Como miembro de la Citizen Potawatomi Nation, comparte la idea de que las plantas y los animales son nuestros maestros más antiguos. Basándose en su vida como científica, indígena, madre y mujer, nos muestra cómo otros seres vivos nos ofrecen regalos e importantes lecciones. En una rica trenza de reflexiones que van desde la creación de Isla Tortuga hasta las fuerzas que amenazan su florecimiento, despliega su idea central: el despertar de una conciencia ecológica requiere el reconocimiento y celebración de nuestra relación recíproca con el resto del mundo viviente.

Desde hace dos décadas se están produciendo profundas rupturas en los cines africanos por diferentes causas: una nueva relación con la realidad, renovadas estrategias estéticas y la aparición de un cine popular poscolonial. Olivier Barlet aborda en esta obra las cuestiones críticas que plantean estas evoluciones, ofreciendo una visión personal del desarrollo reciente de una cinematografía todavía poco conocida, pero que lucha por ocupar su lugar en el cine mundial. Este libro, que ha sido traducido también al inglés y al árabe, es una síntesis indispensable para desafiar las ideas preconcebidas y para enriquecer el enfoque del cine como arte crítico. “La labor de Olivier Barlet, incansable investigador y crítico apasionado de los cines africanos, es digna de elogio”. (Cahiers du Cinéma) “La nueva obra de referencia sobre todos los temas que aborda el cine en África”. (Slate Afrique) “Olivier Barlet es una enciclopedia viviente del cine africano”. (Jeune Afrique)

Es tarde en la noche en el puerto de Algeciras y dos hombres –uno tuerto, el otro cojo– esperan la llegada del próximo ferry que les conduzca a Tánger. ¿Quiénes son? ¿Qué les ha llevado hasta allí? Y lo más importante: ¿llegará ese barco que les ayude a cruzar el estrecho tan entrada la noche? Los dos hombres conversan. Son traficantes de droga viejos y cansados, expertos en introducir el hachís desde las costas de Marruecos hasta Andalucía. Comparten una larga trayectoria de violencia y aventuras al margen de la ley, plagada de romances y traiciones mutuas, y llegados a estas alturas de la vida ya carecen de ilusiones y esperanzas. El barco parece no llegar nunca, y mientas tanto los dos hombres comentan crímenes pasados y planes de futuro.

William Henry Davies (1871-1940) fue un poeta y novelista inglés. De origen humilde, empezó a trabajar desde muy joven. Abandonó Inglaterra en 1893 y, durante algunos años, vivió vagabundeando entre Estados Unidos y Canadá, pero se vio obligado a poner fin a esta vida de aventurero tras un accidente que le costó la amputación de un pie. Regresó a su país y se estableció en Londres, donde, por un tiempo, se ganó la vida como vendedor ambulante.Durante ese período inició su actividad como poeta. Gracias a la ayuda y al apoyo de George Bernard Shaw y de Edward Thomas, en 1905 consiguió publicar su primera colección de poemas, Soul's Destroyer and Other Poems, que obtuvo un éxito notable.William Henry Davies forma parte del movimiento de los "Georgian Poets", quienes, contraponiéndose a la artificiosidad estetizante de la literatura inglesa de finales del siglo XIX, proclamaban la necesidad de un retorno a la naturaleza y a la sencillez de la vida campestre. La lírica de Davies es simple y sugestiva. Describe la naturaleza y logra plasmar, sin afectación, de una manera sincera y espontánea, las emociones que despiertan un paisaje, el encuentro con un niño o con un pájaro, la aparición del arco iris. Sus temas son escasos, pero la autenticidad de su inspiración y la sencilla musicalidad del lenguaje es, precisamente, lo que confiere a su poesía una fuerza y una vitalidad especiales.Davies no es únicamente un poeta de la naturaleza; en su lírica sobre Londres logra retratar, con la misma eficacia, la vida urbana, y pinta con unos pocos trazos, pequeños cuadros repletos de cosas, de personajes, de sentimientos. Su fama está ligada fundamentalmente a sus poesías, en especial a las breves, mientras que entre sus obras en prosa adquirió una notable popularidad la novela La autobiografía de un supervagabundo publicada en 1907, con una introducción de Bernard Shaw, y que por su atmósfera picaresca y su estilo descarnado recuerda, en algunos fragmentos, a Daniel Defoe.(Ruiz, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de William Henry Davies).

Cuando Pessoa contaba 25 años, ideó un proyecto que trataría de reunir siete obras de teatro estático. De ellas, la única que concluyó fue El marinero, que se publicaría en la revista modernista Orpheu y que editamos ahora en castellano con ilustraciones de Ignacio Lobera.El marinero, a pesar de no haber recibido durante muchos años más atención que sus obras poéticas, contiene toda una declaración de intenciones. Aunque con una estructura mínima y un lenguaje preciso, está cargada de pasión y tragedia. Es una obra perturbadora, misteriosa y lúcida que nos introduce en el gran universo pessoano. 

¿Cómo vivieron los gais durante el franquismo? ¿Qué discurso tenían sobre su sexualidad? ¿Estaba realmente condenada la homosexualidad? El historiador Geoffroy Huard intenta responder a estas preguntas a partir de numerosos periódicos, libros, testimonios, informes policiales y médicos, documentos de archivo de los tribunales de “Vagos y Maleantes” y de “Peligrosidad y Rehabilitación Social” (sin estudiar desde el regreso de la democracia a España). Mediante una reconstrucción meticulosa, rigurosa y documentada del mundo gay en nuestro país, Huard nos muestra, más allá de las ideas recibidas, cómo se ejercía la justicia de clase contra los homosexuales, una represión restringida principalmente a las clases populares cuando su forma de vida tenía un vínculo con la delincuencia, la vagancia o la prostitución, mientras que a los homosexuales de las clases medias y la burguesía que podían justificar un trabajo e ingresos “honestos” no se los condenaba. Son esos estilos de vida de las clases populares y esa justicia de clase lo que el autor restaura aquí

«Escribí este libro porque sentía que nadie hablaba de ello. Y contar la historia de mi padre era contar la historia de los portugueses. Porque él no era diferente.» En Mozambique, a principios de los años setenta, una niña de padres portugueses empieza a descubrir el mundo de los adultos mientras es testigo de las injusticias que la rodean. Isabela Figueiredo relata en estas excepcionales memorias su paso de la infancia a la adolescencia en Lourenço Marques –la actual Maputo–, la compleja relación con su padre y su marcha a Portugal durante la convulsa etapa de descolonización. La autora revela sin tapujos la violencia y el racismo feroz y normalizado y, ya en Portugal, el peso que le supondría su condición de «retornada». Publicada en 2009, la honestidad y fuerza de esta obra, que desmontaba cualquier imagen edulcorada del pasado colonial portugués más reciente, provocó admiración y polémica y, con el tiempo, se ha convertido en uno de los libros más relevantes de la literatura portuguesa de este siglo. Con una escritura transparente, lírica e intensa, la hondura literaria del Cuaderno golpea al lector en estas páginas que trascienden su valor testimonial para constituir, por encima de todo, una hermosa reflexión sobre el amor filial, turbulento e indestructible. «Ningún libro restituyó mejor la verdad desnuda y brutal del colonialismo portugués en Mozambique. (…) Para ello era necesaria la búsqueda de las sensaciones infinitamente vibrantes y puras de una niña, hija de colonos, que vivía a flor de piel todo cuanto sucedía.» José Gil

Durante los primeros años de la II Guerra Mundial, John Kemp, un joven estudiante de clase humilde, llega desde un pequeño núcleo de provincias a la ciudad universitaria donde cursará sus estudios. En medio de un ambiente lúgubre, deprimido y profundamente intimidatorio elegirá, como salvoconducto emocional, a una chica anónima sobre la que dibujará una identidad alternativa, y la bautizará con el nombre de Jill. A partir de ese momento, comenzará el movimiento feroz de una espiral obsesiva sobre ella hasta que los acontecimientos experimentan un giro sorpresivo que pondrán al protagonista contra las cuerdas. Su vida y sus aspiraciones, así como sus deseos y anhelos darán paso a un relato poético y grandioso de la mano de uno de los maestros de la literatura inglesa del siglo XX.

Los manuales de historia de la lingüística que se usan en la actualidad no recogen ningún nombre de mujer. Ninguno. Algo que resulta paradójico si tenemos en cuenta que el surgimiento de esta disciplina, en el primer tercio del siglo XX, coincide con el acceso de las mujeres occidentales a la educación superior, eligiendo en muchos casos estudios humanísticos. ¿Cómo explicar este hecho? ¿Acaso ninguna logró hacer aportaciones significativas en un campo de saber que tuvo muchas cultivadoras? Este libro propone no tanto hacer una crónica de las lingüistas olvidadas —un olvido que no solo afectaría a figuras individuales, sino a todo un colectivo— como reflexionar sobre las causas de su exclusión. ¿Cómo se forjan las ideas sobre las lenguas? ¿Qué temas, estilos y metodologías han primado en su gestación, difusión y progreso? Teresa Moure traza una historia alternativa y crítica de la lingüística, ilustrando la participación de las mujeres en oficios y saberes relacionados, como la traducción, la criptografía, la antropología, la primatología, la sociolingüística o la filosofía del lenguaje. Y lo hace a partir de una interesante hipótesis: mostrando cómo esas mujeres, consideradas voces secundarias en este saber (y otros muchos), se dedicaron a asuntos considerados “menores” o marginales, con planteamientos y procedimientos divergentes a los canónicos.