Este libro descubre las claves de la gnomónica o ciencia de los relojes solares y nos enseña a construir un reloj de sol en una fachada con las mínimas complicaciones posibles. Además de las instrucciones técnicas incluye: • una breve historia de los relojes de sol • una selección de las sentencias filosóficas y poéticas que adornan estos artefactos, • ilustraciones de relojes de sol asombrosos. Estos instrumentos, que han sobrevivido al paso de los años, materializan conocimientos milenarios de astronomía.

En 2098, un agente sueco especializado en ciencias del comportamiento trabaja evaluando a las premikas (androides de lujo con inteligencia artificial y apariencia de mujer diseñadas para satisfacer el deseo sexual de sus dueños) y valorando si se han vuelto demasiado «humanas». Una de ellas, Angèle, perteneciente al poderoso Théodore Désilets, parece haber adquirido sentido del humor a pesar de la baja cota de sintiencia que se le presuponía. Lo que el agente descubre, y lo que en este libro se expone, es una reflexión fundamental sobre la naturaleza profunda de la existencia.

Cubiertas por la nieve, bajo la penumbra que caracteriza a los márgenes que el progreso ha olvidado iluminar y custodiadas por la mirada de un gigantesco timonel de concreto, estas dos novelas cortas nos transportan a una fría ciudad al nordeste de China. Allí, un arma asesina revive el caso de una serie de crímenes que quedó sin resolver, y un hombre ahogado por las deudas decide demostrar a quienes ha defraudado que no se equivocaron al confiar en él. Con una sobriedad lacerante, la prosa de Shuang Xuetao, uno de los autores jóvenes más celebrados en la China contemporánea, entrelaza tiempos en los que la violencia y el desencanto son el factor común: un pasado de ebullición social e industrialización rampante, un presente de abandono y los días intermedios en los que la utopía fue transformándose en una feroz competencia. Este volumen es la presentación en lengua hispana de una de las escrituras más emocionantes del continente asiático, una obra cuya asimilación de la mejor literatura occidental nos demuestra que, en medio del más crudo realismo, puede brotar una sobrecogedora esperanza por un futuro sin adjetivos.

Limpieza y suciedad no son conceptos que se deban dirimir exclusivamente en el marco de las normas de higiene dictadas por las autoridades sanitarias o el de los servicios de limpieza y tratamiento de residuos dependientes de cualquier ayuntamiento. Por el contrario, ambas nociones han ido incorporando, a lo largo de su devenir histórico, una dimensión simbólica que ha conllevado su interpretación en términos morales. Los planos de la limpieza física y la limpieza moral aparecen socialmente fundidos y, por lo tanto, imposibles de disociar. Lo limpio es correcto, moral y decente; lo sucio constituye una transgresión de la norma. En el presente libro se abordan las estrategias discursivas. sobre lo limpio y lo sucio que se han desarrollado en el ámbito de las prácticas artísticas contemporáneas. Para ello, se examinan las acciones de lavar o ensuciar como actos políticos conducentes a la definición de cuerpos alternativos que buscan escapar a las presiones disciplinarias del orden social. Asimismo, se analiza cómo los conceptos de suciedad y polución son aplicados a una de las grandes construcciones culturales que han servido para clasificar y excluir: la raza. Por último, y como no podía ser de otro modo cuando se habla de las políticas de la limpieza como garantes del orden moral imperante, se estudia el caso de la sangre menstrual y de su invisibilización –por temor a su efecto de contagio y de corrupción por parte de las políticas visuales patriarcales–. Raza, genero y moral se entrelazan, en consecuencia, en el entramado discursivo elaborado en este ensayo, en el que, por primera vez, se afronta la gestión que los artistas contemporáneos han realizado de conceptos tan connotados simbólicamente como los de limpieza y suciedad.

El artista, al menos desde el Romanticismo, se ha erigido en el profanador natural del tabú. De forma explícita y deseada, o bien a su pesar, su conflicto con la moralidad social ha sido también un conflicto con los límites jurídicos. Frente a estos límites, derivados principalmente de la idea de lo sacrílego o lo obsceno, el artista ha ido conquistando su libertad de crear, su derecho a la irreverencia, dentro de un mundo que por ser de ficción o de figuración no puede causar daño. El arte, sin embargo, juega a superar ese pacto de ficción con el público, pisando así de nuevo los límites de lo ilícito. La irreverencia del artista, en las democracias liberales de hoy, apenas mantiene su vieja épica en la lucha contra la burocracia estatal, sino que es el enfrentamiento contra las diversas manifestaciones de la llamada cultura de la cancelación lo que cifra en muchos casos la lealtad del artista a su propia libertad creadora. Así, cuando los Estados habían asumido la transgresión como parte de la libertad artística y parecía morir una determinada forma de entender y legitimar la esfera propia del arte, la cultura de la cancelación, silenciando o condenando a algunos autores al ostracismo, ha revitalizado el potencial de reflexión irreverente de las obras. En otras palabras, ha situado de nuevo la libertad del artista en el centro del debate social, lo cual nos obliga, como se hace en este libro, a discurrir críticamente sobre autobiografías indiscretas, corridas de toros, raperos desalmados, películas que hacen uso de la pornografía o de crímenes reales, grafiteros vandálicos y aquellos vanguardistas que sin proponérselo sentaron las bases de cómo el arte puede ser subversivo.

En otoño de 1965, la cantante de blues Willie Mae «Big Mama» Thornton hace una gira por Europa con el American Folk Blues Festival. En cinco semanas recorre ciudades como Berlín, Copenhague, Estocolmo, Bruselas, Amsterdam, Dublín, Londres, París y Barcelona. La acompañan, entre otros, los músicos John Lee Hooker, Buddy Guy, Walter «Shakey» Horton y JB Lenoir. Una chica sin suerte sigue a la salvaje Big Mama Thornton en esta gira en la que se descubre el pulso cambiante de los contradictorios años sesenta. De fondo, la lucha de los afroamericanos por los derechos civiles, la guerra en Vietnam, los movimientos contraculturales y las drogas. Todo a ritmo de blues, una música nacida de la pobreza y de la resistencia. «Soy gorda. Y negra. Pero valgo más que todos vosotros, bastardos. Nunca nadie me enseñó nada. Nunca fui a la escuela de música ni nada parecido. Si escucho un blues que me gusta, intento cantarlo a mi manera. Siempre es mejor hacer las cosas a tu manera. Mi forma de cantar viene de la experiencia. De mi propia experiencia. De mis propios sentimientos. No canto como nadie excepto como yo misma».

«Partí de mi A Coruña natal con veinticinco años, sin apenas haber viajado antes y con un currículo de proyectos nómadas completamente en blanco. Hoy por hoy, puedo decir que me he recorrido medio mundo en solitario, que he acampado cientos de veces en cualquier lugar, que he vivido en primera persona grandes y peligrosas revoluciones, que he sido detenido e interrogado por dos diferentes gobiernos, que me he perdido y me he encontrado a diario, que he sobornado sin ningún tipo de pudor y que también me he plantado sin titubear ante la extorsión, que he disfrutado sin límites de la improvisación y, lo más importante, que he aprendido a confiar en mi instinto cuando la situación así lo requiere». Jorge Sierra completa su vuelta al mundo a bordo de Naranjito, su Citroën 2CV del 79, apodado así por el llamativo color de su carrocería, recorriendo América de sur a norte, desde Chile a Estados Unidos, viviendo increíbles aventuras y conociendo personas asombrosas.

Hay encuentros que dejan una huella indeleble en nuestra memoria y nuestro cuerpo, encuentros que nos cambian profundamente o, tal vez, solo nos desvelan quiénes somos en realidad. Eso es lo que le ocurre a la niña Soledad cuando conoce a Ana Gregoria, su maestra de escuela, de quien aprenderá a hacer trabajos, amarres, bebedizos. A llamar al silencio sobre sí misma para no ser vista ni escuchada. A dominar a las ánimas del purgatorio. Porque la niña Sole tiene la mano que cura. Muchos años después, su hija Lina descubrirá que ella también tiene la mano que cura y, tras la muerte de su padre, una fuerza desconocida la obligará a buscar a Ana Gregoria, ya anciana, para hallar respuestas en un mundo cada vez más oscuro e impenetrable. La mano que cura habla de los poderes, de la brujería y de las su­persticiones que se transmiten en secreto. Del duelo y de la muerte, del deseo de formar una familia. Habla de magia y de ciencia, y de cómo todo es la misma cosa. Porque «uno no es nada. Uno es un canal por donde pasa lo que es verdad». Con una prosa envolvente y ecos de Amparo Dávila o Ma­- riana Enríquez, la escritora colombiana Lina María Parra Ochoa explora en su debut novelístico la complejidad de los vínculos afectivos, el peso de la tradición y nuestra conexión con la naturaleza en un texto cargado de tensión telúrica que enamorará a los amantes de lo sobrenatural.

Jornadas laborales que ocupan todo el día, bajas médicas que no se respetan, vacaciones que nunca llegan, agresiones que se silencian. Recluidas en el mismo espacio que sus patrones y aisladas de sus compañeras de profesión, las trabajadoras del hogar y los cuidados conforman uno de los colectivos que más explotación y violencia sufre. Como Adriana, que tuvo que trabajar con una lesión grave de hombro porque sus jefes le negaban la asistencia médica. O como Janina, a la que su jefa solo le permitía tener una semana de vacaciones al año. O como Kenia, con un horario tan agotador que solo podía soportarlo a base de analgésicos. Cristina Barrial recoge las historias de cinco limpiadoras y cuidadoras que le contaron su experiencia a lo largo de varias entrevistas. Sus vidas están repletas de violencia laboral e institucional, pero también de resistencia, organización continua y lucha individual y colectiva. Todas ellas han abierto las puertas de las viviendas en las que trabajan para hablar de lo que sucede dentro. Todas ellas han convertido la casa en una trinchera.

Tras décadas de apisonadora neoliberal, de deshilachar cualquier tejido social y de arrancar de raíz los impulsos emancipadores heredados de décadas (por no decir siglos) de lucha, tenemos entre las manos una tradición que boquea necesitada de oxígeno. Este segundo volumen de Corriente Cálida se fija en la supervivencia de la tradición socialista en nuestra realidad y en nuestra imaginación, y también sus posibles metamorfosis, sus renacimientos y los lugares de donde podría provenir el alimento de un neosocialismo climático. En Fósiles socialistas exploramos cómo el socialismo se ha visto obligado a intervenir en momentos de peligro histórico, cómo un ecomodernismo popular o un internacionalismo climático pueden dar nueva vida al imaginario ecosocialista, o cuál ha sido el papel del sindicalismo en las transiciones económicas. La crisis ecológica impide que nos recreemos en horizontes revolucionarios sin fecha ni plazo. De quienes se digan «socialistas» depende que sus propios fósiles produzcan el combustible que la transición ecológica requiere. Gemma Barricarte - Xan López - Ira Hybris y Sophie Lewis - M

Con el objetivo de resituar los méritos estéticos de la vanguardia histórica española, este volumen reúne los mejores especialistas en el ultraísmo y presenta al lector un mosaico de aspectos insuficientemente conocidos del movimiento. Se estudian sus proyecciones atlántica, portuguesa y catalana, sus luchas internas, su camino historiográfico, su compromiso ideológico, las razones de su agotamiento, la deuda futurista y sus contribuciones en el campo de la traducción. También se ofrecen lecturas novedosas de la poesía de varios representantes del movimiento y aproximaciones al estudio de la metáfora entre literatura y cine.

Bubblegum Boy comienza el curso en un colegio nuevo y, como nos ha pasado a todos, tiene un poco de miedo… ¿Qué pensarán de él Cebollita, Emilio y Mandarina? ¿Puede que sus nuevos compañeros no lo acepten por tener cabeza de chicle? María Ramos, autora de Picnic e ilustradora de El libro del futuro, trata con especial sensibilidad un tema que a todos nos ha tocado de cerca y firma un libro de bellísimo y edificante.

Los versos de Aurora Luque—«la más griega de nuestras escritoras modernas» a ojos de Jaime Siles—parten de una afinidad con la tradición clásica que le permite a un tiempo poetizar las inquietudes de nuestro tiempo con extraordinaria sensibilidad y hermanarnos con la humanidad entera. Desde los poemas tempranos de Hiperiónida (1 9 8 1 ) hasta los celebrados versos de Un número finito de veranos (2021)—Premio Nacional de Poesía 2022—, el canto a la cultura y la vida del Mediterráneo, el hedonismo como réplica a la finitud, la exaltación de los sentidos y el cultivo del espíritu son algunas de las calas donde fondea la «poética solar» que celebra la vida, frágil pero pletórica, y sus ambivalentes ofrendas—la belleza, la amistad, el deseo—, así como la insobornable autonomía de la poesía. Cual «camarada de Ícaro», la poeta ha surcado durante veinte años los cielos en busca de «ese esplendor de la experiencia» que nos permite sabernos vivos, y su poesía reunida en esta edición a cargo de Josefa Álvarez ofrece al lector un viaje extraordinariamente audaz y exuberante.

NUEVA EDICIÓN 10.º ANIVERSARIO - NUEVO PRÓLOGO DEL AUTOR Aleix Vergés, DJ Sideral (Barcelona, 1973-2006), fue el emblema de una década, un faro involuntario y generacional que fraguó su leyenda a los platos del mítico club Nitsa y como líder, cantante y guitarrista del hype más clamoroso del pop español de los noventa: Peanut Pie. La estrella de Sideral afluyó en la encrucijada postolímpica, y su intuición, su talento y su influencia presenciaron el nacimiento de dos de los festivales de música de mayor envergadura planetaria: Sónar y Primavera Sound. El metro noventa y siete de Aleix rompió el techo e iluminó el camino de una generación de jóvenes hedonistas y noctámbulos; de los hijos de la democracia, la segunda residencia y el sueño dopado de la universidad. Poco a poco, los surcos del techno, la llegada de estrellas internacionales, el entusiasmo postolímpico y el desembarco masivo del éxtasis —la droga del amor— conformaron la banda sonora de una década, de la que Aleix se convertiría, muy a su pesar, en icono y estandarte. Aleix Vergés era la música y fue un pionero. Una esponja indiscriminada. Constante. Devoraba todo tipo de sonidos, y su curiosidad era infinita. Su altura y su delgadez, su insultante belleza y su irresistible magnetismo, convivieron con una personalidad quebradiza, sensible e insaciable. Aleix estaba convencido de no poder amar, de ser venenoso y de que la muerte se lo llevaría temprano. Vivió a degüello, escribió, pintó, fotografío y se bebió y rayó la vida como si siempre faltara un segundo para el final, un desenlace temprano como sus vaticinios que se consumó una noche de 2006. Tenía solo treinta y dos años y un legado gráfico, plástico y musical que incluye ochenta y cuatro mixtapes, el disco de Peanut Pie, tres discos como mezclador y su obra póstuma, «Canciones siderales», bajo el nombre de Leire. Aleix nunca compuso una canción, pintó un cuadro o escribió un poema para sí mismo: su familia, sus colegas y la gente que le apoyó fueron siempre el motivo sentimental y creativo de su existencia. Héctor Castells, amigo de Aleix Vergés, escribe una biografía, una novela generacional eléctrica e intensa, que fluye a la velocidad de las mezclas de Sideral. El libro es una crónica vibrante de la Barcelona de los noventa y de una vida efímera e imparable, vista, escuchada y sentida en boca de muchas de las personas que le conocieron en vida.

La lucidez de Hélène Cixous regresa con esta nueva edición de Las ensoñaciones de la mujer salvaje. La autora retrata su infancia y adolescencia en Argelia y la profunda huella que deja en su vida y en su «escribir-pensar». Expone una línea de pensamiento teórico que propone una «escritura femenina» en la que se arma un «placer de texto» que es, sobre todo, combativo. Cixous nos pide que entremos sin corazas en este texto sutil que discurre inesperado, que dice diciendo -porque el gerundio es el tiempo de la negociación- y que en algunos momentos posee una inigualable prosa poética, pues sabe que no se puede hablar de las nuevas realidades con las viejas proposiciones del lenguaje. Llegamos en Las ensoñaciones de la mujer salvaje a un texto que juega con el lenguaje, que toma las palabras como armas políticas. Hélène Cixous juega también con el género literario, entre la autoficción y la prosa testimonial, pero sobre todo escribe para construir un remanso de memoria y como forma de estar en el mundo.

«Verde que te quiero verde», cantó García Lorca en un memorable poema del Romancero gitano. Y A la pintura es el dibujo que trazó Alberti con nostalgia de lo que quiso ser y no pudo: pintor. La renovación de la poesía por parte de los poetas del 27 tiene mucho que ver con la presencia de los colores en los versos. Fueron los físicos quienes abrieron la puerta del infinito universo cromático hace 350 años con una serie de experimentos, algunos de los cuales forman parte de nuestro imaginario cultural. Así, el prisma de Newton se convirtió en objeto de culto al aparecer en la cubierta de The Dark Side of the Moon. La óptica y el prog rock unidos para siempre. Precisamente es un físico y poeta, David Jou, quien abre este número con un texto sobre la física del color y, justamente, es el músico Sergi Pagán quien trata del uso del color por parte de los compositores clásicos. Chema Conesa, periodista, fotógrafo y editor, se ocupa de la percepción y uso del color en la fotografía, con especial atención a los fotógrafos españoles. La doctora en Historia del Arte y profesora universitaria María

La noción de lo humano necesita una redefinición urgente. En una época de avances biotecnológicos radicales, y a la luz de los imperativos políticos y medioambientales de nuestra era, el término posthumano se erige como una alternativa. Este libro ofrece

Del desmoronamiento del franquismo hasta la victoria del PSOE: fachas, ultras, socialistas, conspiraciones, obispos y monarcas. Crónica sentimental de la transición consistió, en su origen, en una serie de entregas publicadas semanalmente para el suplemento dominical de El País entre el 6 de enero y el 4 de agosto de 1985, año de la publicación de su primera edición. El propósito de la obra fue, en palabras de su autor, reflejar "con hechos de la vida cotidiana, la evolución de la sentimentalidad de la gente, la evolución del tono moral desde la sociedad paternalista y autoritaria hasta, quizá, la búsqueda de un nuevo padre, un padre democrático". Un documento clave para entender la transición española, cuyo valor fundamental estriba en el estilo fresco, perspicaz y profundamente crítico que caracterizan la obra de Vázquez Montalbán; esa manera, dice su autor: "en la que alterno canciones, rumores, tópicos y toda clase de sucesos con la descripción de la vida política y cultural de la época".