SURCO Cuadernos de poesía es una nueva Revista sobre creación poética, ensayo, crítica y traducción literaria, concebida desde la atemporalidad, ajena a modas y corrientes literarias, no desgastada de partida por las imposiciones del mercado, que propone una visión trascendente sobre lo sublime poético en el siglo XXI, una reconfiguración del escenario y de los actores en la poesía moderna y una suerte de revolución estética que vuele por los aires las limitaciones y las convenciones del lenguaje poético contemporáneos. A lo largo de las páginas de SURCO Cuadernos de poesía, dialogaremos, reflexionaremos y escribiremos en torno al fenómeno poético. Así es como se fijan los universos; así es como se anticipan las vanguardias. En el número 4 de SURCO Cuadernos de Poesía, intervienen: Imre Kertész, Hugo Mújica, Laura Cesarco Eglín, Florencia Lobo, Carlos Jiménez Arribas, Yamila Transtenvot, Eduardo Moga, Edda Armas, Reynaldo Pérez Só, Lucas Margarit, Julio Monteverde, Roger Gilbert-Lecomte, Francesc Parcerisas, Lara Dopazo Ruibal, Miren Agur Meabe, Allen Ginsberg, Ezra Pound, Michael Reck. «Con el más

Cocteau escribió Le coq et l'arlequin como manifiesto estético a favor de la música despojada de Erik Satie. Eran los años de la polémica entre los partidarios de Wagner y Debussy. El poeta, novelista y cineasta se sitúa al margen de ambos, pues dice buscar una música que sea ajena a las brumas, que esté definida por la claridad. Las sentencias ingeniosas de este texto pueden calificarse como el acta de nacimiento de una nueva forma de hacer música en Francia, la del llamado Grupo de los Seis. Cocteau reflexiona también sobre su propia aportación a la historia de los estrenos escandalosos, el ballet Parade con música de Satie.

Una casa de salud a comienzos del siglo pasado. La historia inmemorial de su construcción y pervivencia en el tiempo. "Una danza con los pies atados" es una novela coral donde bailan alrededor de la locura y sus secretos un grupo de personajes variopintos, agitados siempre por sus deseos, obsesiones, sueños, pérdidas y melancolías. Entre ellos se encuentran un viejo anarquista y su hija Magdalena, un psiquiatra joven formado en el espíritu de la Institución Libre de Enseñanza, amantes lejanas, espectros celosos, víctimas y victimarios. Borrando las fronteras entre la realidad y la ficción, entre lo humano y lo inhumano, entre la razón y la sinrazón, los monólogos interiores, las cartas y las anotaciones de diario que recorren estas páginas ofrecen un esbozo del complejo panorama sobre el tratamiento de la enfermedad mental en España y la manera en que este determinó muchos destinos.

Cecilia 2 nació bajo el signo de los discos malditos. En 1973 Evangelina Sobredo era una artista que había cosechado un gran éxito comercial con su primer álbum, pero de la que mucha gente esperaba más de lo mismo. En su segundo trabajo, en cambio, la artista se sinceró emocionalmente y decidió abordar temas espinosos, que llevaban décadas silenciados —la memoria de la Guerra civil, la emancipación femenina, el suicidio—, pero que pronto transformarían el país arriba abajo. No obstante, la valentía de Cecilia no fue secundada por una discográfica que privaría al álbum de su cubierta y su nombre originales, a lo que se sumó el autoritarismo de una censura que, a pesar de la agonía del régimen, aún sacó fuerzas para prohibir que uno de sus temas —«Un millón de sueños»— sonase en las radios. Despojado de sus señas de identidad, el disco fue un fracaso en ventas, aunque medio siglo después es su álbum más elogiado. Este ensayo reconstruye el proceso de creación de este esperado segundo LP de Cecilia y aporta el contexto necesario para entender la importancia de la artista como icono transgresor en nuestra historia musical.

Este es un libro de amor. Habla sobre la imposibilidad del amor en nuestra estructura económica. ¿Qué significa esto? El capitalismo no está ahí fuera: en el FMI, la OMC o el BCE. El capitalismo es una promesa de paraíso en la tierra, una idea de éxito y realización, un poder de fascinación. Tiqqun le pone nombre y le da figura: la Jovencita. La Jovencita no es mujer ni hombre, sino una imagen, un modelo, un ideal. Eterna juventud, seducción ilimitada, placer indiferente, amor asegurado contra todo riesgo, control de las apariencias, cero defectos. Impersonal, implacable, impecable, impermeable e imposible, la Jovencita se apodera de nuestra mirada, de nuestro deseo y de nuestro imaginario. Es una máquina de guerra. No se deja tocar y nunca pierde. Fragmento a fragmento, Tiqqun dibuja el campo de batalla: nos lo hace ver. De qué modo un bolso, un culo, una sonrisa, un perfume, unas botas o unos bíceps pueden ser armas en una guerra. Librada entre nosotros y en el interior de cada uno. Una guerra contra el azar y los encuentros sin garantías, la belleza y la sensualidad singulares, el tiempo de toda duración, la violencia del abandono y la entrega. Contra el amor verdadero. Esta edición incluye el texto «Hombres-máquina: modo de empleo», donde Tiqqun desarrolla el análisis del biopoder contemporáneo: la reducción de la vida humana a simple carne que vigilar y gestionar según parámetros estandarizados de belleza, salud o placer.

¿Qué significa que cuando hablamos de reproducir la vida bajo el capitalismo estamos hablando de la reproducción de la fuerza de trabajo? Cuarenta años después de su publicación, El marxismo y la opresión de las mujeres es un libro que llega «justo a tiempo» porque constituye una contribución esencial al desarrollo de una teoría integradora de la opresión de género bajo condiciones capitalistas. Lise Vogel rastrea con agudeza los textos clásicos en busca de «la cuestión de la mujer» en la tradición socialista para repensarlos críticamente a partir de las categorías centrales de El capital de Marx. Así, nos abre una nueva lectura sobre el género, la producción y la reproducción social de la vida material. Las innovaciones teóricas de Vogel sientan las bases de lo que actualmente conocemos como la Teoría de la Reproducción Social y mantiene el foco sobre las condiciones de reproducción de la vida y su degradación bajo el orden capitalista. Las innovaciones teóricas de Vogel abren una senda que, colocando el concepto de reproducción social en el centro, permite pensar el género, pero también el racismo, la

Hace siglos, los robots de Panga cobraron conciencia, abandonaron sus herramientas y partieron en masa hacia la naturaleza. Nadie los volvió a ver jamás; desaparecieron entre mitos y leyendas urbanas. Hasta que, un día, la vida de Dex, une monje del té, cambia drásticamente con la llegada de un robot. Este viene a cumplir una promesa: comprobar cómo le va a la sociedad humana. Y no puede regresar hasta responder a la pregunta: «¿Qué necesitan los seres humanos?». Sin embargo, la respuesta cambia según la persona que la conteste. Monje y robot tendrán que viajar por Panga para reunir todas las respuestas posibles. Monje y robot, la premiada bilogía de Becky Chambers que incluye Salmo por quienes se construyeron en la naturaleza y Plegaria por la timidez de los árboles, plantea una utopía futurista donde la gente ya tiene lo que quiere. Y ¿acaso es importante tener más?

¿Cómo nos relacionamos con el arte en la era de la cancelación? ¿Podemos llegar a amar al genio y su obra a la vez que detestamos al monstruo? Un inteligente ensayo que nos enfrenta a nuestros dilemas morales y contradicciones. ¿Podemos apreciar la obra de artistas como Hemingway, Sylvia Plath, Miles Davis, Polanski, Woody Allen o Picasso? ¿Deberíamos? La escritora Claire Dederer se propuso indagar en la relación que tenemos con la obra de aquellos artistas a quienes admiramos, al tiempo que lidiamos moralmente con su personalidad, en ocasiones monstruosa. Desde Michael Jackson hasta Virginia Woolf, la autora se cuestiona cómo conciliar nuestra indignación y desprecio con el amor profundo que sentimos por el arte. Y va más allá: ¿la monstruosidad masculina equivale a la femenina? ¿Si una artista es también madre, una identidad rompe fatalmente con la otra? Este libro, precedido de un gran éxito de crítica, ahonda en la disonancia cognitiva propia de una época en la que hemos dejado de transigir ante el genio por la mera razón de serlo, pero plantea también importantes reflexiones sobre la pervivencia de su obra y sobre su concepción misma: dado que el arte tiene el imperativo de retratar los elementos más oscuros de la psique, ¿no se expone a apropiarse de ellos? Es más, ¿qué ocurre cuando el artista contempla el abismo durante demasiado tiempo? ¿No puede estar siendo víctima de su propia genialidad? Con atino, brillantez y la honestidad de quien se enfrenta a sus propios dilemas morales, Dederer ha logrado una obra trascendental y compleja que eleva el debate intelectual.

Como los de su primera entrega, con la que Victoria León ganó el Premio Iberoamericano de Poesía Hermanos Machado, los poemas de Flores de fuego, escritos entre 2018 y 2022, parten de una poética y unas concepciones estéticas fundamentadas en el clasicismo y la lengua natural, ensayando nuevas formas y tonos. Dividido en cuatro secciones, que dialogan entre sí o con lecturas de Cioran (a quien se debe la metáfora del título), Lucrecio, Nietzsche, Goethe, Marco Aurelio, Zweig, Keats, Breton, Foscolo o Cernuda, el libro tiene la soledad como gran tema común: la soledad como destino humano, pero también como faro desde el que nace e irradia la poesía para iluminarnos y tendernos paradójicos puentes con la vida, o como búsqueda del alma del mundo en el sentido platónico, necesaria para crear y vivir plenamente. La primera parte, inspirada por la sinfonía Séptima de Mahler, la forman poemas que tratan de la noche como símbolo de la existencia, entendida como un camino de exploración y conocimiento. La segunda, escrita durante el confinamiento pandémico, aborda la dialéctica del recuerdo y el olvido, la presencia y la ausencia, la huida hacia dentro y la renuncia serena a lo que acaba, pero también la necesidad de ir al encuentro de los otros. La tercera es una mirada al pasado, una constatación de la identidad heterogénea y cambiante, una pesquisa de las propias huellas a través del afecto y la amistad, la unidad y la plenitud restituidas. Los poemas finales buscan una poesía celebratoria que encuentra en el amor y el deseo otro nombre de la fe y de la esperanza.

Libro excepcional por su acrisolada perfección y por su insólito lugar dentro de la poesía española del último medio siglo, Manual de eternidad parece surgir de la nada para aspirar apremiantemente a la categoría de clásico. De la nada porque su aliento narrativo parece enraizar en la épica, en un limbo casi anterior a la literatura, de donde también brota un humor raro, sin parentescos líricos aparentes, y en el que rastreamos, sin embargo, ofrendas a todas las tradiciones literarias, del clasicismo a la modernidad, reflejadas tan pródigamente como en una galería de espejos. No nos asombra que el producto de un escritor casi inédito descanse en un pedestal tan sólido y claro, porque es evidente desde los primeros versos que el autor está dotado de una gran erudición y de un talento fuera de lo común, casi de chiste, casi de cómic. Pero los versos mismos nos asombran infinitamente, en sucesivas lecturas, hasta fundirse con el propio asombro en un todo diáfano, sin sombras. No nos hemos parado a preguntarnos qué habría sido de la poesía de Arturo Pascual de no haber fallecido prematuramente, porque en este libro cabe todo él. Quizá sí nos preguntemos dónde termina «lo anterior» al libro, sus fuentes más ignotas, y en ese viaje al centro del poeta se condensa el enigma de este Manual tan vibrante como mudo, tocado por una gracia anterior a casi todo.

¿Sabes cuando cascas un huevo y la cáscara está muy blanda es decir, finísima y descubres con asombro que por dentro no hay nada y la cáscara se deshace entre tus dedos de forma tan misteriosa como el vacío que contenía? Bien. Bienvenidos a ese huevo.

Gregorio Morán (Oviedo, 1947) es uno de los escritores y periodistas más singulares (y por lo tanto más raros) del último medio siglo. Quizás lo que más y mejor le distinga sea su feroz sentido de la independencia intelectual, una independencia no se sabe si asesina o suicida, pero siempre mortal, mortalmente afilada. Aparte del poco atendido, muy justiciero y valiosísimo Asombro y búsqueda de Rafael Barrett, aparte de sus famosísimas y añoradas «Sabatinas intempestivas» en La Vanguardia, que no solo realmente aparecían los sábados, sino que eran también realmente intempestivas, ha publicado numerosos y muy discutidos libros sobre la tribu política y la tribu literaria en editoriales grandes y comerciales, pero también libros de carácter literario en editoriales de prestigio, como la riojana Pepitas de Calabaza. En ella apareció o reapareció en 2015 el implacable Nunca llegaré a Santiago, su libro más literario y narrativo junto con El viaje ruso de un vendedor de helados, que ahora aparece o reaparece en esta casa editorial. Si Nunca llegaré a Santiago participaba de varios géneros literarios, y tenía mucho de diario personal y de libro de viajero, El viaje ruso de un vendedor de helados puede leerse a un mismo tiempo, aunque no solo, como libro de viajes y como novela, aunque vaya mucho más allá. A.L. Gregorio Morán (Oviedo, 1947). Durante muchos años se dedicó a la actividad política antifranquista. Periodista de investigación y colaborador desde finales de los años setenta en distintos medios de comunicación. Coguionista, junto a Juan Antonio Bardem, de la película Siete días de enero. Publicó la biografía Adolfo Suárez. Ambición y destino y diversos libros sobre la cultura española: El maestro en el erial. Ortega y Gasset y la cultura del franquismo, así como El cura y los mandarines, a propósito de la inteligencia española en el período final de la dictadura y los primeros años de la democracia. También El precio de la Transición, Los españoles que dejaron de serlo. Euskadi, 1937-1981, Miseria y grandeza del Partido Comunista de España. 1939-1985, entre otros. Su último libro recién aparecido está dedicado a la figura del presidente Felipe González, El jugador de billar. Vive desde hace más de veinte años en Barcelona.

“Deeneim, ciudad levítica, nido de víboras teologales y refugio de ejércitos derrotados, bastión de la Verdadera Fe puesta en entredicho, guinda y ajorca de las conquistas del Gran Khan, el Martillo de los creyentes. Deeneim, tu destino es ser el rompeolas de todos los fanatismos, la estación de paso donde chocarán los trenes de la realidad y la fantasía, la epopeya y el costumbrismo”. Con 'Las aventuras del Capitán Torrezno, volumen 3. Capital de provincias del dolor y Los años oscuros' llega al fin el esperado desenlace del asedio de Deeneim para llevar la trama protagonizada por el Capitán Torrezno, un héroe a su pesar, por otros vibrantes derroteros del Micromundo. 'Las aventuras del Capitán Torrezno' es una de las series fundamentales del cómic español del siglo XXI. Esta tercera entrega recoge el quinto y sexto tomo de la saga de Santiago Valenzuela, cuya primera edición corrió a cargo de De Ponent en los años 2005 ('Capital de provincias del dolor') y 2006 ('Los años oscuros') e incluye una ilustración de cubierta realizada para la ocasión, un nuevo apéndice de diez páginas, ocho de ellas en color, con las portadas originales y diferente material gráfico de interés que Valenzuela ha rescatado de sus archivos. La serie tendrá continuidad con los volúmenes 4 ('Plaza Elíptica', ganadora del Premio Nacional del Cómic 2011, y 'La estrella de la mañana', septiembre de 2024), 5 ('Babel', enero de 2025) y 6 ('La última curda', mayo de 2025), última obra a recuperar, además del volumen 7, 'Anamnesis', ya editado (Astiberri, 2023).

El pueblo andaluz. Sus tipos, sus costumbres, sus cantares, se publicó en 1877. Es una colección de piezas en prosa y verso de diferentes autores, y también anónimas, recogida por José María Gutiérrez de Alba y, más tarde, ampliada por José Martín y Santiago, dirigida a consolidar una imagen de Andalucía ya de sobra conocida, caracterizada por lo pintoresco y singular de sus habitantes, sus costumbres, manera de vestir, de hablar y de conducirse. Los textos ofrecen un repertorio de situaciones, personajes y caracteres antropológicos que se presentan como el verdadero retrato de los habitantes rurales y desposeídos de la región, en pugna con la moderna civilización que los pretende cambiar. La peculiaridad de esta compilación es que aparece en un marco de creciente regionalismo, tras los movimientos cantonalistas que se habían producido en la tierra de María Santísima y en otros territorios, y que utiliza ese retrato costumbrista para darle un sesgo claramente político, al pasar el andaluz de «tipo» a ser considerado «pueblo». Una obra en la que el costumbrismo se carga de razones políticas para retratar Andalucía y sus gentes a finales del siglo XIX. Joaquín Álvarez Barrientos es profesor de investigación del CSIC, Presidente de Honor de la Sociedad Española de Estudios del Siglo xviii, miembro correspondiente de la Accademia Peloritana dei Pericolanti, de Messina (Italia), «Premio Leandro Fernández de Moratín» por la Asociación de Directores de Escena de España y Premio de Investigación de la Real Sociedad de Menéndez Pelayo. Se ocupa de la historia intelectual y cultural española de los siglos xviii a xx. De entre sus publicaciones destacan los estudios La novela del siglo xviii (1991), Los hombres de letras en la España del siglo xviii. Apóstoles y arribistas (2006), El crimen de la escritura. Una historia de las falsificaciones literarias españolas (2014), Cultura y ciudad. Madrid, del incendio a la maqueta (1701-1833) (2017), Marcelino Menéndez Pelayo, Literatura y nación. Preliminares de historia literaria (2019), El actor borbónico (1700-1833) (2019), El astrólogo y su gabinete. Autoría, ciencia y representación en los almanaques del siglo xviii (2020), Maquetista y artillero. León Gil de Palacio (1778-1849), Entre ciudad y patrimonio (2022), Ellos (2023), y la novela, Una historia de impostores (2019).