Dice Malévich que es difícil establecer una línea entre lo que es arte y lo que no lo es. La poesía nos fuerza a detenernos y extrañarlo todo, también lo conocido. Si el mundo no es objetivo, como también quiere Malévich, ¿no es la poesía la que hace que el mundo sea otra cosa? Seguramente, algo mental, pero no voluntario, no deliberado, sino forzoso.La materia no-objetiva del mundo sería también, en virtud de la magia de la poesía, ubicua, pero indetectable si no fuera de forma indirecta, como es la materia «oscura» del universo.El poeta seguramente aspira a llegar al punto en que poder hacer con esa materia «cualquier cosa», como dice Riley de su música. «Got to the point where I could do anything I wanted».Es de suponer que la poesía seguirá aprendiendo de la música, como en su origen. Quizás le toca volver atrás por haber desconocido -no reconocido- el valor de las vanguardias del siglo pasadoà Y creo que la poesía se reconducirá a lo que no tiene valor psicológico, a la simultaneidad de tiempos, rápido y lento, a la indeterminación en el proceso, no en el resultado, a poner el acento en las partes, no e

Barbara Guest (1920-2006) es una de las figuras más prestigiosas y enigmáticas de la poesía experimental estadounidense. Única mujer entre los poetas de la Escuela de Nueva York (celebrada por nombres sobresalientes como John Ashbery y Frank OÆHara), la escritora recibió un reconocimiento tan esporádico como tardío.Hoy Guest representa un punto de referencia fundamental entre importantes poetas neovanguardistas como Charles Bernstein, Mei-mei Berssenbrugge, Susan Howe, Bernadette Mayer, Ron Silliman o Rosmarie Waldrop. No en vano Guest tendió un sutil pero insoslayable hilo de continuidad entre las mujeres que contribuyeron a la innovación de la literatura en inglés durante el siglo XX, empezando por escritoras señeras como Dorothy Richardson, Gertrude Stein, H.D. y Marianne Moore.Guest tanteó con curiosidad, cuidado e imaginación los medios y linderos convencionales de la poesía moderna: «El acto más importante de un poema es llegar más allá de la página para que seamos conscientes de otro aspecto del arte. Lo que nos proponemos es delimitar la obra de arte para que parezca que no tiene ni principio ni fin,

«Riechmann nos insta a mirar de otra manera, a repensar nuestro lugar en el mundo y la marcha de nuestra sociedad. Nos emplaza a cuestionar sin temor lo establecido. Su invitación a aprender a fracasar mejor responde, primero, a un intento de desmontar la ideología de la resignación, y, en definitiva, revela una concepción de apertura radical hacia y de la existencia. Descubre un carácter plenamente receptivo, en permanente escuha, que elude la soberbia y el victimismo, que asume el riesgo de la incertidumbre y que se tensa a raíz de ella, mediante el cual errar es una oportunidad de progresar». Alberto García-Teresa «Fracasar mejor, nos proponía con lucidez Samuel Beckett. Estigmatizar el fracaso, o pretender eliminarlo –con ilusoria inconsciencia–, equivale a desertar de la vida». Jorge Riechmann

Una manera de medir el tiempo es el nombre de la trilogía poética que su autor, Valentín Carcelén, ha ido hilvanando en los últimos años de producción literaria. Anterior a esta segunda parte apareció El momento, «un libro pleno de claves existenciales y metapoéticas en donde la herida que reabre la memoria encuentra una expresión depurada y armónica», en palabras del poeta Jesús Cárdenas para Culturamas. Ahora, con esta segunda entrega, El pasado, Carcelén sigue indagando en el paso del tiempo, en la memoria y la pérdida, en un intento de justificar la existencia a través de aquello que fuimos. Pese al tono melancólico del conjunto, el poeta realiza un canto conciliatorio con la vida, donde la celebración de y por ésta se une a la de un mundo asumido, donde la destrucción de aquello que se ama pervive más allá de las fronteras de la muerte.

La pesada carga de la conciencia culpable de Ana Llurba la persigue entre las calles de Berlín y Cracovia mientras se sumerge en la compleja cuestión del paso del tiempo. Su objetivo principal es capturar lo que sucede entre su educación sentimental, la memoria familiar y la Historia en general. Partiendo de su primer poemario ("Este es el momento exacto en que el tiempo empieza a correr", ganador del Primer Premio de Poesía Joven Antonio Colinas), Ana entrelaza hábilmente varios temas recurrentes en la filosofía de la historia, tales como la teleología, la teodicea, la dialéctica hegeliana y el fin de los grandes relatos, con la rutina y la vida diaria, explorando así la constante tensión entre lo solemne y la frivolidad. Y, a través de su voz poética, descubrimos el denominado "primer mundo" desde la lente de lo banal y el remordimiento, revelando así una mirada única sobre nuestra realidad contemporánea.

Una relación entre dos que desemboca -inevitablemente- en una multiplicidad de relaciones posibles. La revelación de aquello que se percibe como obvio, pero a menudo se niega o se pierde de vista: la conciencia de que la otra persona es una persona otra, soberana e insondable. ¿Cómo relacionarse con ella? La voz que escribe duda, y a la vez confía; conmuta y confronta, conjetura y congenia. No quiere engañarse ni dar por sentado: construye lo mutuo, celebra su extrañeza.Con, inmensa partícula mínima de lenguaje, apela a la importancia del vínculo, pero también a las circunstancias en las que algo sucede y a cómo reaccionamos ante ellas. En estos poemas el lenguaje nos interroga, se muestra como espejo y se disloca; la sintaxis se violenta y se vacía. Así este libro espera ser definido y multiplicado con la persona que lee.La de Miriam Reyes es una de las grandes voces poéticas que empezaron a escucharse con el siglo, una de las de mayor influencia en las generaciones siguientes: por su discurso visionario en su tratamiento de la identidad, por su ambición de dar palabra al cuerpo, por su capacidad para articular una propuesta colectiva desde la experiencia intima. Una escritura no confesional sino conceptual, que en Con amplía su espectro de pensamiento hacia la complejidad de las relaciones afectivas, y explora su impacto -su mutación- en nuestra identidad.

En estos poemas del Bukowski más maduro, se aprecian momentos de quietud insólita, instantes de contemplación abismada que transforman lo trivial en mágico. Pero si hay algo que destaca es la tenacidad incesante, el tesón de un autor que no ve otra manera de seguir adelante que abordar el siguiente verso como si fuera el primero, el más importante, el definitivo. Lo que queda a la postre es un poeta en su plenitud, poseedor de una sabiduría que lo lleva a la compasión. No faltan aquí las provocaciones y los exabruptos que lo llevan a reconocer que no sabría qué hacer si le arrebataran la locura de la que se nutre, o a achacar su éxito perenne en Europa a «traductores geniales de la hostia». Pero también hay en estas páginas magníficos retratos de los inadaptados de su entorno, desde el padre maltratador hasta las mujeres que le partieron el alma, pasando por los profesores que tan poco le enseñaron, los imitadores, los fanáticos faltos de imaginación, los «muertos en vida»…

Los poemas de Una vida de pueblo (2009), de Louise Glück, Premio Nobel de Literatura 2020, se suceden en forma de breves relatos y monólogos que giran en torno a los ritmos de la vida diaria de unos habitantes cuya existencia se ve definida por el lugar en que nacieron. Anclados en una aldea anónima italiana, el escenario no es, sin embargo, el idílico entorno de las églogas clásicas o el tópico paisaje de acuarela que la sencillez del estilo de la autora parecería evocar —poco más que montañas, ríos, campos, sol, olivos y unos pocos adjetivos—, sino un lugar cruel que «mata sin ningún motivo a la gente, / solo por no perder la costumbre». Atrapadas en la dicotomía de quedarse y envejecer o marcharse y mirar siempre atrás, la polifonía de voces de diferentes generaciones compone así una suerte de palimpsesto que es también una lente a través de la cual mirar reflexivamente la infancia y sus secretos, la adolescencia y sus ambigüedades, la madurez y sus engaños, la vejez y las certidumbres de la tumba. A medio camino entre lo que podría haber escrito Robert Frost si hubiera sido un poeta confesional y una Antología de Spoon River sin moralismos, Una vida de pueblo supone el punto final a la fórmula de poemas-secuencia que la autora empezó a ensayar sobre todo en El iris silvestre (1992) y que encuentra aquí uno de sus mejores logros.

El arte de Cavafis tiene la gran virtud de transmitirnos imágenes y sensaciones que fundamentalmente son formas de ver el mundo. Cuando habla un determinado personaje puede que su discurso vaya hacia fuera o que represente su propia voz interior. Dicho de otro modo, la voz narrativa puede corresponder al tiempo «histórico» en que se desarrolla el poema, o al tiempo actual, es decir, el de la lectura. La poesía de Cavafis, alejada del lirismo, objetiva, narrativa y prosaica, en el sentido de la poesía contemporánea, trata de la vanidad del poder y la soledad de los ciudadanos, del amor y el placer, de la dignidad de los perdedores, de la creación artística. Sus protagonistas, hombres o mujeres, en la antigüedad tardía, en el mundo bizantino o en la sociedad contemporánea se enfrentan con frecuencia a la misma disyuntiva: ser quienes quieren ser o renunciar a ello y entregarse a las convenciones.

Fundada en 1964 en Barcelona por José Batlló y Amelía Romero, la colección de poesía El Bardo llegó a conformar uno de los catálogos poéticos más relevantes de nuestro país, no solo por su calidad intrínseca sino también por su impronta sociocultural. Con cerca de cien títulos en su haber, la esforzada labor de Batlló (como director de la colección) y de Romero (como editora) sirvió para dar voz a algunos de los poetas más interesantes del momento, especialmente entre la joven poesía española, sin importar si estaba escrita en castellano, catalán, galega o euskera, padeciendo por el camino, muchas veces, la dureza de la censura franquista. La colección El Bardo se especializó igualmente en la elaboración de sonadas antologías poéticas, alrededor de las cuales se fue forjando una suerte de canon renovador dentro de la poesía española. Como poeta, el propio Batlló publicó entonces diversos poemarios de interés. En paralelo, promovieron la creación de varias revistas de poesía, actuando Batlló como corresponsal en España de otras tantas realizadas en el extranjero. La conexión de El Bardo con Europa y L

Georg Heym (1887-1912) forma parte de la llamada primera etapa del Expresionismo alemán (1910-1914). A pesar de su muerte prematura con solo veinticuatro años, Heym ocupa un lugar destacado entre los grandes nombres de la literatura expresionista como Gottfried Benn, Georg Trakl o Else Lasker-Schüler. Umbra vitae, publicado de manera póstuma el mismo año de su muerte, es la obra que lo consagra. Los poemas de este libro, más maduro y osado que El día eterno (1911), recogen una atmósfera de amenaza y peligro que se agazapa en la sombra, envolviendo al poeta y revelándole como en sueños, proféticamente, los tormentos de la guerra, el sufrimiento y la aniquilación del ser humano, y su propio final. Umbra vitae no tardó en despertar el interés del artista Ernst Ludwig Kirchner, quien realizó una serie de grabados en madera para la reedición del libro en 1924. El resultado no solo funde texto e imagen, sino que nos narra dos historias: la de dos hombres que han sufrido, dos hermanos espirituales que transmiten el presentimiento o la experiencia de la muerte. La conjunción de imagen y texto hace de Umbra vitae una obra de culto para poetas y artistas.

El 27. La generación del 27. Los poetas del 27. Cualquier lector sabe de qué poetas estamos hablando: Guillén, Lorca, Dámaso, Aleixandre... Pero ¿no hay algo artificioso en que entre la nómina de poetas que vivieron las mismas circunstancias históricas no se contemple ninguna de las poetas que entretanto se han ganado el reconocimiento como las Sinsombrero? Presentamos, en un solo libro, un nuevo 27 que, enriquecido por las savias antes despreciadas de las Sinsombrero, y articulado en torno a los tres grandes poetas de la época (Lorca, Aleixandre, Cernuda), incluye a un predecesor tan admirado como Juan Ramón Jiménez y a su discípulo más talentoso, Miguel Hernández. Un 27 vibrante, entusiasta, seductor, desafiante y vital. Un 27 como nunca se había leído antes.

review

Las únicas certezas que poseemos sobre esta autora son las relativas a su biografía, como su verdadero nombre (Christine Thonhauser), el lugar y las fechas de su nacimiento y muerte (Wolfsberg, 1915-1973), que fue la menor de nueve hermanos y, resumiendo mucho, que su vida estuvo marcada por la enfermedad y la pobreza, y que es una de las escritoras en lengua alemana más importantes de la historia de la literatura.Es cierto que la poesía de Christine Lavant es, a menudo, hermética, pues utiliza el propio lenguaje para oponerse también a una lengua con la que no puede expresar todo lo que le gustaría ni como le gustaría hacerlo. Más que confirmar su hermetismo, a mí me gustaría reivindicar la poesía de Christine Lavant como revolucionaria. Porque se vale del lenguaje para luchar contra el propio lenguaje, porque toma la soledad y el rechazo como arma para enfrentarse a aquello que le aporta tanta felicidad como sufrimiento. Porque el principio y fin últimos de su amor y su rechazo son ella y su existencia. Todas las ellas y todas las existencias que, como su universo, no dejan de girar, transformarse y multip

 El amor y su sentimiento, el amor y la verdad, el amor y la muerte, el amor y su sufrimiento. Esos son los temas fundamentales de El rayo que no cesa, el volumen que Miguel Hernández (Orihuela, 1910-Alicante, 1942) publicó en 1936 en la editorial Héroe. Es la obra más acabada del poeta. Demipage recupera, en esta bellísima edición con ilustraciones tipográficas de Jean Assémat, los textos originales del poeta.El rayo que no cesa, el rayo solar, una identidad cósmica inagotable. Recordar a Miguel Hernández es un deber de amor. Pocos poetas tan generosos y luminosos como el muchachón de Orihuela cuya estatua se levantará algún día entre los azahares de su dormida tierra. (à) ¡Nos toca ahora y siempre sacarlo de su cárcel mortal, iluminarlo con su valentía y su martirio, enseñarlo como ejemplo de corazón purísimo! ¡Darle la luz! ¡Dársela a golpes de recuerdo, a paletadas de claridad que lo revelen, arcángel de una gloria terrestre que cayó en la noche armado con la espada de la luz! Pablo Neruda.ISBN 

Este volumen recoge el fruto de cuatro décadas de trabajo de uno de los poetas fundamentales de nuestrotiempo.Su dilatada trayectoria es un alto ejemplo de lo que un poeta debe ser. Independiente, ajeno siempre a tendencias y efímeras modas, ha evolucionado desde las elegías primeras hasta sus cantos celebrativos de hoy, y ha ahondado en un lirismo tan personal como despojado y emocionante. La compleja sencillez, la transparencia de su palabra, lo singularizan desde el comienzo, y son dos de los rasgos más característicos de su obra.

Qué cosa sea un recuerdo, o mejor aún, cómo se recuerda, se pregunta REKORD mientras va dejando grabados pedacitos de esa lengua en la que una se va acordando de las cosas, por el camino confirmando que el relato y el marco del relato del recuerdo no son tan verificables en el pasado mientras que la sensación y el detalle, su concreción, sí podrían guardar un poco más de veracidad. Y como nadie vive completamente a solas y como nadie habla a solas una lengua, aquí se entiende que en un recuerdo particularmente grabado en la cinta verbal del poema podrían resonar otros recuerdos particulares que lo escuchen. Nadie vive una biografía, mucho menos las vidas más orientadas sobre el deseo y su temporalidad cambiante. Morir nacer y crecer. Crecer morir y nacer. Nacer morir y crecer. Y todas sus combinaciones. Acordarse como afección continua y espontánea; recordar cómo momento activo y discontinuo de extracción; la ficción de al menos dos recuerdos imposibles de tener y algunos flashes meta. Frente a la baja pulsión vital de esta pequeña era, el gozo de experiencias que no solo se disfrutaron o penaron sino que a

Sale es un álbum sin fotografías y una plaquette hecha de poemas que salen del libro REKORD. Si REKORD es un libro en torno al recuerdo, al cómo se recuerda y reconstruye el recuerdo desde el presente de un solo cuerpo que dentro de él parecería estar figurando unos recuerdos particulares, Sale quiere impregnar la historia económica y política más allá de una sola vida, a partir de la idea de que un cuerpo está hecho de muchos cuerpos que lo precedieron en el pasado, que tú no le perteneces a tu familia y que la intimidad y la individualidad son algo mucho más abierto, mucho más común, es decir, a partir de la superposición de tiempos pasados y de la colectividad que nos conforma como sujetos.

Sin lugar a dudas, El Cantar de los Cantares es uno de los más hermosos poemas de amor de la literatura universal y su interpretación religiosa y alegórica ha motivado multitud de estudios de la tradición exegética judía y cristiana. No es seguro que su interpretación alegórica fuera anterior a su incorporación a los libros de la Biblia. Del Rabí Akiba ha llegado hasta nosotros una aguda afirmación: «Todas las escrituras son sagradas, pero El Cantar de los Cantares es la más sagrada de todas». En nuestra época se ha ido imponiendo, como indica Rolf Rendtorff, que se trata de canciones de amor probablemente para celebraciones de matrimonio. De todas formas, divino o humano, lo que resplandece en el poema es un paisaje de índole pastoril en el que se canta, de la manera más inspirada, el Amor que convierte lo divino en humano y lo humano en divino por alcanzar los más altos niveles de la Poesía.