¿Sabía usted que, igual que hoy en España existe un banco malo, en su día creamos una eléctrica mala? ¿Que, tal como hoy rescatamos las autopistas privadas arruinadas, hace tres décadas corrimos en auxilio de las centrales nucleares? ¿Que los días de nervios, confusión, caídas en bolsa y pérdidas millonarias alrededor de Bankia ya se vivieron, casi paso por paso, en la caída de la eléctrica Fecsa? ¿Que, igual que las últimas reformas educativas estrangulan a la escuela pública para dar oportunidad de negocio a la privada, otro tanto hicieron varios Planes Energéticos Nacionales con la instalación de centrales térmicas? ¿Que la liberalización del sector eléctrico, cuyo precio aún pagamos, se defendió con, palabra por palabra, las mismas falacias con que hoy se aboga por la privatización de la sanidad? El sector eléctrico español es un ejemplo de manual de lo que sucede, y cómo sucede, cuando se deja en manos privadas un sector estratégico. El resultado final es tristemente conocido; los métodos (marco discursivo, argumentos concretos y maniobras) que usaron entonces las elites económicas y políticas, no tanto. Es de interés recordarlos ahora que esas mismas elites pretenden hacer algo equivalente, y de idéntica forma, con otros sectores clave como la sanidad o la educación.

Francisco Franco consideró la Guerra Civil como una lucha «entre los hijos del mismo pueblo, de la misma madre patria» y a él mismo, como «jefe y salvador de la patria» encontrando en España una mujer, madre e indefensa. En cuerpo y alma aborda la relación simbólica entre el estado dictatorial de Franco y el cuerpo alegórico femenino de la nación. Trata la utilización metafórica de las imágenes sexuadas o denominadas «de género» en el discurso político, desde el primer periodo autárquico de la década de los cuarenta hasta los años del «consumismo» y el «aperturismo» que habrían de sucederle a finales de los cincuenta y los sesenta. En esta metáfora orgánica de la nación, en la que la «nación» se transmuta en la figura física de una «mujer» con todas sus cualidades (maternidad, vulnerabilidad, fertilidad), los cuerpos de las mujeres vendrán a desempeñar un papel central en el imaginario político, y el control de esos cuerpos se torna en herramienta esencial del «biopoder» del régimen para la consecución de sus fines totalitarios.

El descubrimiento de Occidente rompe la habitual visión eurocéntrica y propone una perspectiva nueva construida a partir de las observaciones hechas de una cultura extraña: la china. Durante el siglo XIX, China se volvió a Occidente y empezó a elaborar una etnología del continente europeo. Entre los primeros embajadores que China envió a Europa, que eran en primer lugar intelectuales y habían de convertirse en diplomáticos, se discutía qué era lo que en realidad mantenía unida a esta Europa, en todos los niveles de la sociedad y del Estado. Estas personas se pasearon por las metrópolis europeas, no dominadas por un asombro ingenuo, sino con sentido crítico y seguras de sí mismas. Su etnología se ocupa de las constituciones, de la representación, de la política y del discurso diplomático, pero también de aspectos de la progresiva modernización industrial y de la cultura de la vida cotidiana.

Walter Benjamin estaba fascinado por la repercusión de las nuevas tecnologías en la cultura, un interés que se extendía más allá de sus ensayos críticos. De 1927 a 1933 escribió y presentó alrededor de ochenta trabajos para el novedoso entorno radiofónico. Radio Benjamin reúne las transcripciones conservadas de estos trabajos. Esta colección ecléctica muestra la variedad temática del pensamiento de Benjamin y el entusiasmo del pensador por la sensibilidad popular. Sus famosos programas de «Ilustración para niños» y sus comedias, lecturas, reseñas de libros y obras de ficción nos muestran un Benjamin más creativo que crítico. Estos trabajos dan cuerpo a ideas desarrolladas en sus ensayos, algunas de las cuales se hallan también representadas allí donde tratan de temas tan dispares como los aumentos de sueldo o historias de desastres naturales, temas elegidos por su interés para el gran público y examinados con pasión y agudeza. Walter Benjamin canaliza aquí, de manera deliciosa e incisiva, su complejo pensamiento hacia un gran público, que sacará provecho de esta nueva voz de uno de los pensadores más respetados del siglo XX.   «La radio de Benjamin difícilmente podrá ser superada... No existe parangón de lo que Benjamin consiguió en estas charlas». Stuart Jeffries, Financial Times   «[Un] vigoroso compendio... Tanto en su tono como en su despliegue temático». Publishers Weekly   «No ha habido crítico y lector más original y más serio en nuestro tiempo». George Steiner   «Bajo la mirada de sus palabras se transforma todo como si se hiciera radiactivo». Theodor Adorno   «Benjamin se entregó de lleno a la tarea de la transformación revolucionaria su vida y su obra son un reto para todos nosotros». Terry Eagleton

Durante la segunda mitad del siglo xx, la biología ha ido adquiriendo un protagonismo creciente en el conjunto de las ciencias, desarrollando nuevos modos de conceptualizar y de intervenir sobre la vida. Desde el interés pionero de Edward Steichen y de Salvador Dalí por las ciencias de la vida, un conjunto significativo de artistas ha situado la biología en el núcleo de sus investigaciones. En el siglo xxi, cuando los efectos de la biología han traspasado los límites disciplinares del conocimiento científico, el término «bioarte» designa un conjunto heterogéneo de prácticas artísticas que no sólo remiten a la biología iconográficamente, sino que se sirven de sus propios medios (materiales y técnicas), recurriendo al laboratorio como un verdadero atelier. Partiendo del análisis exhaustivo de un conjunto significativo de artistas y obras, el presente volumen revela que, tras la aparente homogeneidad del término «bioarte», se oculta una larga y compleja historia de relaciones entre arte, biología y tecnología. La vocación abarcadora del texto permite analizar la posición que ocupa el bioarte con respecto a otros marcos establecidos, tanto artísticos como científicos. Las tensiones que se producen entre el bioarte y estos marcos actualizan debates cruciales para la comprensión del arte actual, tales como la función crítica que se atribuye a los diálogos interdisciplinares, la teorización de la inmaterialidad en el ámbito del arte y las nuevas tecnologías, o los recurentes diálogos entre arte y vida que se producen en el arte contemporáneo.

Jesusa Palancares, una mujer de extracción humilde de Oaxaca, huérfana de madre a temprana edad, termina conociendo todo el país al unirse a las tropas de la revolución mexicana. Al perder a su marido, tendrá que sobrevivir en la capital en todo tipo de oficios, conociendo el duro trabajo de las fábricas y el no menor de las casas como sirvienta y lavandera. La dura existencia le llevará a encontrar refugio en la espiritualidad y la religión, y a creer en la reencarnación. Narrada en primera persona, en un lenguaje popular tratado con especial sensibilidad por la autora, Hasta no verte Jesús mío nos cuenta las pasiones y los sueños de una mujer humilde que va a ser testigo de los grandes sobresaltos de la historia mexicana. El humor, la violencia, el compromiso velado, la constante presencia de la muerte y la alucinación se combinan en las páginas de esta novela en la que queda patente la inquebrantable conciencia social y el compromiso con los más desfavorecidos por parte de Elena Poniatowska, a través de la historia de Jesusa a la que ha convertido en un personaje inolvidable de la literatura de todos los tiempos.

Investigar, desde la perspectiva de género, la influencia de la ideología y la cultura, así como su proyección social en el siglo XX, en el ámbito educativo español nos ofrece nuevas herramientas de reflexión para entender la pluralidad de caminos recorridos por las mujeres. Las lagunas en el análisis de la historia del colectivo femenino son aún inmensas en el currículum escolar y, consecuentemente, en la sociedad. Por ello, el objetivo prioritario del presente trabajo es educar en igualdad de género al alumnado de la Educación Secundaria Obligatoria. Para ello ofrecemos al profesorado una propuesta didáctica centrada en el cine de ficción y el documental, por su potencial motivador y conceptual, además de su capacidad para generar análisis y debate en torno a la cultura e ideología de una sociedad determinada. Además estamos convencidas de que es una herramienta útil e idónea para la investigación histórica y el aprendizaje de las ciencias sociales fundamentado en la innovación educativa.

Generación cochebomba es una novela que nos acerca a un momento crucial de la historia peruana: a aquellos años ochenta del pasado siglo en los que Sendero Luminoso y los subtes -o el rock subterráneo, un movimiento primo hermano del punk ibérico- cruzaron sus caminos. Largas jornadas de amistad, amor, música, drogas y acciones armadas salvajes y desconcertantes se dan cita en una narración que posee muchas virtudes: una de ellas, mostrarnos, a través de los ojos de una generación completamente descreída, cómo era la vida en Lima en aquel tiempo de escasez, apagones y represión.

Tiene treinta años, es profesora, casada con un ejecutivo, madre de dos niños. Vive en una casa confortable. Sin embargo, es una mujer helada. Igual que miles de mujeres ha sentido cómo su curiosidad, su impulso vital se iban anquilosando a fuerza de un trabajo que compaginar con compras que hacer, cenas que cocinar, baños de niños que preparar... Todo eso que se entiende por la condición normal de mujer. Annie Ernaux cuenta brillantemente esta alteración de lo cotidiano, este empobrecimiento de las sensaciones, esta dilución de la identidad; esclavitud a la que las mujeres son empujadas como a un desafío.

Ota Pavel enloqueció en Innsbruck, en 1964, mientras cubría las Olimpiadas de invierno como cronista deportivo. La enfermedad truncó una carrera periodística en la que ya había comenzado a despuntar, pero la gente no se olvidó de él. Los lectores hacían cola en la calle para comprar su primer libro, una selección de reportajes sobre deportistas checos, y los médicos del psiquiátrico se ocuparon de que a Pavel le llegaran fotos del gentío que se agolpaba en las librerías. También le dieron un cuaderno y un bolígrafo, y así nació "Carpas para la Wehrmacht", una preciosa colección de relatos autobiográficos con un protagonista indiscutible: Leo Popper, el padre de Ota. El soñador Leo, enamorado de la pesca y de la belleza femenina, supo vivir su vida como una fiesta en la Checoslovaquia de los años treinta. Plusmarquista mundial de la venta puerta a puerta, era capaz de vender atrapamoscas que no atrapaban moscas, o aspiradoras en aldeas sin electricidad. Más tarde, la invasión nazi de Checoslovaquia obligaría a Leo a usar todo su ingenio y audacia para garantizar la supervivencia y el buen ánimo de su familia. Algo tuvo que ver la guerra con la enfermedad de Pavel. Pero "Carpas para la Wehrmacht" no es el libro de un enfermo. Tampoco es triste, sino todo lo contrario. Como afirma Mariusz Szczygiel en el epílogo, «solo un prisionero de la depresión podía escribir el libro más antidepresivo del mundo». Un libro que, por su humor y originalidad, emparenta a Pavel con otros clásicos de la literatura checa como Jaroslav Hašek y Bohumil Hrabal.

¿De dónde surge la idea tantas veces repetida de que Shakespeare, hoy en día, escribiría para el cine o la televisión? Tal vez de la intuición colectiva, que este libro constata, de que en buena parte de la ficción audiovisual contemporánea persiste la impronta de un coautor no acreditado, invisible, la influencia del cual serpentea entre muchos procedimientos dramáticos que siguen siendo irrenunciables. Los inicios in medias res, la coralidad de personajes y situaciones, la síntesis de tragedia y comedia, la dramatización de la naturaleza, los diálogos adversativos o el paroxismo de la violencia son recursos que el teatro de Shakespeare llevó a un grado exquisito de maleabilidad. La ficción contemporánea los sigue adoptando y remodelando de una manera particularmente insistente, tal vez porque en estos momentos se ha hecho más visible que nunca una profética intuición del autor de Como gustéis: que el mundo camina hacia su constante autorrepresentación. De ahí la extrema modernidad del dramaturgo. Y también que Jordi Balló y Xavier Pérez ?tras libros ya clásicos sobre el funcionamiento de la ficción audiovisual: de La semilla inmortal a Yo ya he estado aquí? se hayan fijado en él para su última obra. Los autores construyen un fluido relato de las relaciones del corpus shakespeariano con los universos narrativos de la contemporaneidad. De Juego de tronos a El caballo de Turín, de Funny Games a Breaking Bad, de El amigo de mi amiga a The Big Bang Theory, entre otros muchos ejemplos, Balló y Pérez identifican nexos, desgranan incidencias y saltan con absoluta elegancia por encima de tiempos y épocas, con el fin de mostrar un entramado de relaciones significativas. Pues aquello que revela El mundo, un escenario es una cosmovisión que va más allá de un solo autor para expandirse en muchas otras direcciones, a través de las formas dramáticas que aún perduran. ¿O acaso el antecedente directo de muchas metaficciones de Hitchcock, Godard, Almodóvar o Aaron Sorkin no se encontraría en la playscene de Hamlet? Éste es el objetivo del presente libro, que se lee como una novela: identificarnos como actores y a la vez espectadores de un relato sin fin.

Los pueblos bereberes, que en tiempos remotos se extendían por todo el territorio norteafricano, desde el Mar Rojo hasta las Islas Canarias y desde las orillas del Mediterráneo hasta más allá de los límites meridionales del desierto del Sahara, se concentran en la actualidad especialmente en Argelia y, sobre todo, en Marruecos donde más de un tercio de su población es de origen bereber o, como ellos prefieren denominarla, amazigh (que significa «hombre libre»). Los bereberes de Marruecos muestran una gran diversidad, tanto tipológica como cultural, pero comparten incuestionables signos de identidad comunes: un idioma, el tamazight, muy difícil y prácticamente desconocido fuera de su ámbito, y una serie de arraigadas tradiciones populares, propias de la idiosincrasia de unas gentes, individualistas en grado sumo, que no admiten la existencia de ninguna organización que transgreda la dignidad de la persona, su incondicional libertad y la autorresponsabilidad. Entre esas tradiciones destaca la narración de cuentos populares que, aun hoy, cuando la irrupción de la radio y la televisión en su mundo está sustituyendo el contar y escuchar por la mera recepción pasiva, constituye uno de los pasatiempos favoritos de los bereberes marroquíes. De la admirable riqueza literaria y variedad temática de esos relatos son buen ejemplo los reunidos en este libro, compilados por el etnólogo Uwe Topper a partir de 1975, procedentes en su mayoría de la tradición oral.

El suicidio, concebido durante muchos siglos, en la estela del pensamiento clásico, como un ejercicio de libertad, e incluso como una liberación, queda reducido, a la luz de la psiquiatría de las últimas décadas, a la mera patología mental. Sin embargo, tal reducción supone la simplificación de uno de los aspectos más decisivos de la experiencia humana: el dolor. Este extraordinario ensayo da cuenta, con delicadeza y hondura, de nuestra condición como seres humanos; de las distintas formas de nuestra fragilidad.

Susana Estrada enseña un pecho mientras Enrique Tierno Galván le entrega un galardón. Amparo Muñoz es coronada Miss Universo y María José Cantudo protagoniza el primer desnudo integral del cine español. Marisol aparece desnuda en la portada de Interviú y Bárbara Rey presenta un programa sentada en un sillón de mimbre a lo Emmanuelle. La jovencísima Sandra Mozarowsky muere al caer desde el balcón de su casa. Los rumores y especulaciones llegan hasta los blogs de la actualidad. Es la época del fantaterror, la tercera vía y el destape. El desnudo femenino se intelectualiza a la vez que se va consolidando como bien de consumo. Mientras tanto, Catalina come miga de pan para que le crezcan las tetas, lee a hurtadillas revistas del corazón, tiene un amor secreto y se encierra en su cuarto para jugar con Angélica, su mejor amiga. Allí dejan de ser ellas para convertirse en Daniela Astor y Gloria Adriano, trasuntos de esas actrices que crean un estereotipo que no se corresponde con el de la madre de Cati, enfermera de un odontólogo con muchas ganas de aprender; ni con el de la madre de Angélica, profesora de sociología en la universidad. Las niñas viven en un mundo paralelo hasta que la realidad da un giro imprevisto y han de mirar de frente las cosas que pasan. Recolocar el mundo. Decidir quiénes son y qué significa ser una mujer admirable. Ésta es una novela que, contrapunteando la voz en primera persona y el falso documental, se pregunta sobre los límites del pudor y sobre qué significa la liberación de las mujeres. Habla de cómo se relacionan la realidad y sus representaciones, y de cómo éstas a menudo se escriben con un lenguaje ajeno que Marta Sanz hace suyo a través de una potente mezcla de violencia y de ternura, sentido del humor y sentido crítico. Daniela Astor y la caja negra habla de las metamorfosis, la herencia y la memoria del cuerpo. De la rivalidad y la solidaridad. Es una novela sobre la Transición que elige un punto de vista con el que aún no se había narrado: el de las preguntas que se hacen las mujeres, su inquietud y sus bellas imágenes.

Vivimos rodeados de pantallas. En casas, en calles, en trabajos, en metros, en aviones, en bares, en tiendas, en centros comerciales. Las pantallas forman una parte indispensable de nuestra vida cotidiana. No podemos vivir sin ellas. No podemos trabajar sin ellas. No podemos viajar sin ellas. Si hace unos años su presencia estaba limitada a ámbitos como las salas de cine o el propio hogar, actualmente la pantalla es omnipresente y se manifiesta por doquier, en el espacio público y en el privado; una pantalla que adquiere formas, funcionalidades y tamaños diferentes, que se multiplica y cambia con cada nueva generación de dispositivos. La pantalla se ha convertido en la prótesis más importante de nuestras vidas, una extensión inevitable de nosotros mismos. Pasamos más tiempo delante de una pantalla que de cualquier otro tipo de dispositivo. La utilizamos para leer libros, para ver películas, para escuchar música, para jugar a videojuegos, para comunicarnos con los demás, para socializar, para entretenernos, para informarnos y para trabajar. Todos parecemos saber qué es una pantalla y sin embargo conocemos muy poco sobre su historia y las múltiples fases por las que ha transitado, en especial los más jóvenes, que han nacido con las pantallas de última generación de ordenadores, videojuegos y teléfonos móviles como principales referentes. Este libro examina, desde una perspectiva genealógica atenta a la hibridación entre tecnologías, medios, usos y prácticas, la prolongada historia de la pantalla, desde sus orígenes con la pantalla cinematográfica hasta esa pantalla diminuta, ubicua y global que es la pantalla del teléfono móvil. Conocer la historia de este particular dispositivo técnico es hoy más necesario que nunca, pues nuestra vida es ya completamente inseparable de el.

"El olor de la escalera ancha, oscura, nos golpeó en la cara. Era el olor de la ciudad, a piedra fría, baldeada, a polvo, a aire viciado y a algo más que no se puede explicar..." En 1927, a los diecinueve años, Mika Waltari abandona Helsinki para viajar a París; es aquí, en el Hôtel de Suède del barrio de Saint Germain, donde escribe La gran ilusión, su primera novela. Waltari compone una instantánea urbana de aquella generación vital e inquieta que celebró el fin de la Gran Guerra entregándose en cuerpo y alma a una fiesta interminable. La historia transcurre entre Helsinki y París; sus protagonistas, el periodista Hart, Caritas, mujer fatal y Hellas, un escritor frío y cínico, recorren las ciudades presas de sus vicios y de sus luces. Los tres formarán un triángulo trágico y ambiguo, quintaesencia de la tan alabada vida bohemia, en la que miles de jóvenes se vieron reflejados. Waltari anticipa en muchos sentidos el agotamiento de esa alegría y ese optimismo, infundiendo un sentimiento trágico y presintiendo que aquella generación no iba a ser eterna. Publicada en 1928 la obra conoció un éxito inmediato. La crítica la recibió bautizándola como El gran Gatsby finlandés, y otorgó a su autor el papel de intérprete de las inquietudes de los locos años veinte. Mika Waltari (1908-1979) es el escritor finlandés más conocido a nivel internacional. Extremadamente prolífico, se movió con éxito por distintos géneros madurando un estilo personal, brillante e irónico. En 1928, con la publicación de La gran ilusión, pasa a engrosar la lista de los escritores europeos más importantes de su tiempo. Después de la Segunda Guerra Mundial se enfrenta a los grandes contrastes de los períodos de transición con novelas históricas como Sinuhé el egipcio, El etrusco o Marco el romano que tuvieron una gran acogida de crítica y público y se tradujeron a multitud de idiomas.

Este libro es una arriesgada apuesta en el actual panorama poético. Desde una posición previa a la conciencia, Trasluz se ve atravesado no obstante por la conciencia de una realidad excesiva, que desborda los límites de lo visible. La fragilidad de esta escritura va del vocabulario a la sintaxis, y alcanza en última instancia al sentido. De ahí que las fisuras del lenguaje, sus espacios abiertos, busquen hacerse cargo de las fisuras de lo real, de un mundo en quiebra como el nuestro. A Trasluz quizá se le pueden aplicar las palabras de Edmond Jabès: «Lo misterioso en el libro no es su oscuridad sino su luz». La obra poética de Antonio Méndez Rubio (Fuente del Arco, Badajoz, 1967) ha sido destacada por su radicalidad crítica no reducible a los códigos del realismo canónico. Entre sus últimos poemarios se encuentran El fin del mundo (1995) y Un lugar que no existe (1998). Profesor de Teoría de la Comunicación en la Universidad de Valencia, participa en la coordinación de diversos colectivos de acción cultural y sociopolítica, y ha publicado, entre otros, los ensayos Encrucijadas (Elementos de crítica de la cultura) (1997), Poesía y utopía (1999) y Perspectivas sobre comunicación y sociedad (en prensa).

Si la literatura es el instrumento ideal para que el ser humano ilumine los recovecos más oscuros de su mundo interior y perciba con mayor nitidez la realidad que lo circunda, Jonathan Franzen es el novelista contemporáneo que más se ha atrevido a explorar las fronteras que condicionan nuestra existencia. Con Pureza, Franzen ha logrado superar el listón marcado con su anterior novela, Libertad, que en su momento supuso un hito admirado y reconocido en todo el mundo tanto por voces expertas como neófitas. A partir de las vidas entrecruzadas de un puñado de personajes retratados con un grado de realismo que hipnotiza al lector, el relato gira en torno a una joven de nombre dickensiano, Purity «Pip» Tyler, que tras su paso por la universidad se afana en encarrilar su vida acorde con unos principios que considera irrenunciables. Atrapada en una relación malsana con su madre, que nunca ha querido revelarle el nombre de su padre ni por qué se cambió el apellido antes de que ella naciese, Pip sobrevive con trabajos intrascendentes hasta que el encuentro fortuito con una mujer involucrada en el activismo antibelicista se traducirá en unas prácticas en el Sunlight Project, una organización radicada en Bolivia que se dedica a revelar secretos de personas, corporaciones y gobiernos. El fundador y artífice del negocio es Andreas Wolf, un carismático agitador de la ex RDA reciclado durante el caótico período posterior a la caída del Muro de Berlín. El sospechoso interés de Andreas por Pip trastocará sus ideas convencionales sobre el bien y el mal, empujándola hacia un destino que no figuraba ni remotamente en su imaginación. El talento excepcional de Jonathan Franzen para volcar en palabras las hebras más finas del pensar y del sentir se pone de manifiesto una vez más en esta trepidante historia cargada de humor, por momentos sombría, inquietante, osada, incisiva, pero siempre cautivadora y de amplitud universal, confirmando su sitial entre los más importantes escritores de nuestro tiempo.

La escritora bielorrusa Premio Nobel de Literatura 2015 da voz a aquellas personas que sobrevivieron al desastre de Chernóbil y que fueron silenciadas y olvidadas por su propio gobierno. Este libro les da la oportunidad de contar su historia. Chernóbil, 1986. «Cierra las ventanillas y acuéstate. Hay un incendio en la central. Vendré pronto.» Esto fue lo último que un joven bombero dijo a su esposa antes de acudir al lugar de la explosión. No regresó. Y en cierto modo, ya no volvió a verle, pues en el hospital su marido dejó de ser su marido. Todavía hoy ella se pregunta si su historia trata sobre el amor o la muerte. Voces de Chernóbil está planteado como si fuera una tragedia griega, con coros y unos héroes marcados por un destino fatal, cuyas voces fueron silenciadas durante muchos años por una polis representada aquí por la antigua URSS. Pero, a diferencia de una tragedia griega, no hubo posibilidad de catarsis. «[...] por su escritura polifónica, que es un monumento al valor y al sufrimiento en nuestro tiempo.», palabras del Jurado de la Academia Sueca al otorgar a la autora el Premio Nobel de Literatura 2015. La crítica ha dicho... «Alexievich describe de manera muy elocuente la incompetencia, el heroísmo y el dolor: mediante los monólogos de sus entrevistados crea una historia que el lector, por muy distante que esté de los acontecimientos, será capaz de palpar.» The Daily Telegraph «Terribles y grotescas, las historias se consolidan página tras página como los radionúclidos instalados en los cuerpos de los supervivientes.» The New York Times «En sus libros es capaz de rescatar lo que quedó bajo los escombros de la historia para escribir con ello una crónica del futuro.» Carmen G. de la Cueva, Ahora