Paciencia es la primera novela gráfica original de Daniel Clowes en un lustro, la más larga de su carrera y uno de sus mejores trabajos. Paciencia es la historia de un amor imperecedero y un thriller a caballo entre el noir y la ciencia ficción. La espera ha merecido la pena. Las 180 páginas de Paciencia contienen la historia más compleja y emocionante de Daniel Clowes hasta la fecha y algunas de sus páginas más espectacularmente dibujadas. Paciencia es un destilado de todos los elementos quintaesencialmente propios del autor, aquellos que lo han convertido en una de las figuras esenciales del cómic contemporáneo y uno de los responsables de que la escena independiente haya cobrado la importancia que tiene hoy en día. Al tiempo, es una obra netamente distinta de cualquiera de sus anteriores trabajos, un viaje a través del tiempo y el espacio frenético y reflexivo, brutalmente violento y profundamente emotivo. O, en otras palabras, es una mezcla imposible de géneros de serie B que se amalgaman para dar lugar a lo que ya podemos llamar el "género Clowes". Paciencia combina la magistral revisión de los orígenes y consecuencias de la angustia adolescente y los ritos de paso de Ghost World con la complejidad argumental y literaria de David Boring, retrata con escalofriante precisión el alma de sus torturados personajes pero logra trascender hasta alcanzar ecos de resonancia universal. Como de costumbre, Clowes incide en los pequeños detalles de las personalidades individuales -especialmente los que tienen que ver con los comportamientos más irritantes y los instintos más bajos- e intenta encontrar respuesta a las grandes preguntas. Si en casi todos sus anteriores libros el dibujante llegaba a conclusiones poco optimistas, en Paciencia abre la puerta a la esperanza. Puede que, al final, la existencia tenga algún sentido.

Las páginas de este libro trasladan al lector el contenido de la interesante y riquísima conversación mantenida por Mauro Barberis (y, en momentos puntuales, Giorgio Pino) con Luigi Ferrajoli a finales de 2012. Versa sobre una gran variedad de asuntos, que van de la peripecia vital-profesional de este a sus tesis en materia de teoría del derecho y de la democracia, pasando por toda una multiplicidad de cuestiones polémicas, entonces y ahora, de candente actualidad. Entre estas, las que hoy suscita el ejercicio de la jurisdicción, convertida en verdadero rompeolas de muchos de los graves conflictos que afligen a nuestros atormentados estados de derecho. En tal brillante ejercicio de interlocución, y con frecuencia de inteligente provocación por parte de Barberis, este tiene la virtud de sacar fuera -en el que, a pesar de la densidad de los temas, es un ágil coloquio- no solo al penetrante estudioso, sino también al intelectual comprometido activamente con su tiempo que hay en el entrevistado. Ello permite ver de manera ejemplar que ambas dimensiones no solo pueden convivir a la perfección, sino que idealmente se implican. Y aquí también eficazmente, pues la reflexión teórico-formal (nunca ensimismada) de Ferrajoli sobre el derecho en el contexto político-cultural que le es propio trata, en su nivel de abstracción, sobre problemas bien reales, nacidos en la interacción y la experiencia colectiva de las personas de carne y hueso. La obra, sugerente y movilizadora, se cierra con un índice de autores y, en especial, de materias, que permite al lector extraer el máximo provecho de su estimulante contenido.

El discurso apocalíptico ha perdido eficacia porque parece que nada acaba de terminar. Desde la postmodernidad a la globalización se ha extendido una experiencia cultural "estrictamente bipolar" que pasa de lo ultra-banal a lo hermético o alejandrino, de lo grotesco y, en algún caso divertido, a eso que es al mismo tiempo sesudo y aburridísimo. No faltan los intelectuales que braman contra todo aquello que pasa en el "pantano" contemporáneo con una mezcla de nostalgia pseudo-aristocrática y perplejidad frente a las transformaciones tecnológicas. Si superamos la inercia glaciar que nos llevaría a escribir siempre lo mismo, tendremos que asumir que hay nuevos lugares de intervención, medios y zonas de discusión híbridas (propios de la sociedad red) y acontecimientos artísticos singulares e intensos que, sin ningún género de duda, nos afectan. En Estética a golpe de like se "reacciona" (intentando evitar el impulso reaccionario) al magma actual de fenómenos culturales y visuales con una perspectiva crítica que no elude lo anecdótico, lo escandaloso o, incluso, las manifestaciones de un ridículo sin asideros. Tenemos que hacer el autorretrato o, para ser más preciso, el selfie peligroso del presente que nos impulsa a elevarnos hasta el pedestal freak. Sabemos que en este rizoma estetizado podemos ahogarnos pero tampoco necesitamos un salvavidas (en forma de notas a pie de página).

Relato policíaco en el que se siguen los pasos de Javo, pequeño delincuente, involucrado en un misterioso desdoblamiento personal que le hará llegar a las más altas cumbres de la mafia barcelonesa. El hallazgo de un misterioso cadáver y la pérdida de mem

Monólogo cómico-familiar que nos transporta a los pensamientos de un viejo millonario en su lecho de muerte, alrededor del cual merodea su codiciosa y patética parentela. Dos personajes, aparentemente secundarios, se revelarán como esenciales: Olvido, la

Lucas Condró y Pablo Messiez reúnen en este ensayo un conjunto de notas sobre pedagogía y movimiento surgidas de su dilatada experiencia impartiendo talleres sobre el trabajo con el cuerpo. Una investigación que pretende rescatar un cuerpo sabio, liberarlo de todo lo que no le es propio, descolonizarlo [...] y des-adiestrarlo para recuperar un cuerpo salvaje, inocente, fuerte, sensible y en relación a su infinita potencia.

Al igual que la pintura no está dirigida a los pintores, ni la música a los expertos en música, la filosofía tampoco es para los entendidos. La filosofía es para los profanos. La colección «Filosofía para profanos» quiere facilitar el acceso a la filosofía de algunos autores, no explicando sus vidas o resumiendo sus teorías, sino ofreciendo, para cada uno de ellos, una clave en la que pueden ser leídos. A la felicidad se llega por la vía de la alegría desbordante y de la acción. Hay que saber descartar los encuentros tristes, reconocer aquellas cosas que nos convienen y transformar lo inevitable que nos es contrario: en definitiva, cargarse de buen humor y gozar del conocimiento de sí y de los demás.

Obra fundamental para comprender el teatro del absurdo y para los estudiosos del teatro. Witkiewicz influyó enormemente sobre kantor y Grotowski.

Una nueva mirada a nuestra historia y a la manera de contarla. «La rendición de Breda no ocurrió nunca. No hubo entrega de la llave de la ciudad ni homenaje caballeroso a los derrotados, porque no hubo derrotados. Ni siquiera hubo batalla.» La historia no es un buen argumento para discutir sobre el presente. Eso es lo que este libro trata de demostrar, y no solo porque la historia sea subjetiva o «la escriban los vencedores», sino porque nuestro conocimiento del pasado no es tan completo y preciso como imaginan la mayor parte de las personas. Utilizando la historia de España como ejemplo, el autor nos va mostrando de manera sorprendente cómo lo que llamamos «el pasado» es un relato lleno de lagunas y de hechos mal conocidos, sospechosos o claramente inventados, y que ese relato va cambiando en función de los intereses de cada generación. El resultado inevitable es que la historia es siempre un relato mítico que contiene mucha más ficción que realidad, y que refleja más nuestro presente que nuestro pasado. La crítica ha dicho... «Léanlo, reflexionen, disfruten de la polémica. No les dejará indiferentes y les permitirá acercarse a la historia con menos prejuicios.» La Opinión de Málaga «El libro de Murado se lee con auténtica delectación.» ABC «Un breve compendio, riguroso y enterado, de las mentiras y mistificaciones con que todavía vivimos en relación con nuestro pasado.» Alejandro Gándara «Una vacuna preventiva para inmunizarse contra usos desinteresados del pasado... Riguroso y divulgativo... Una lección de sano escepticismo.» La Vanguardia

Dentro del monumental legado literario de Federico García Lorca (1898- 1936), el mismo que lo consolidó como un prosista de excepción y lo encumbró como uno de los poetas más relevantes del siglo xx, quizá sea en su vertiente como dramaturgo donde logró llevar más lejos su visión trágica del mundo. El suyo es un teatro descarnado y poético, tradicional y moderno al mismo tiempo. Marcada a partes iguales por la elegancia del teatro modernista y la aspereza del neopopularismo, la obra dramática de Lorca se desarrolla desde las farsas y las comedias de juventud, Mariana Pineda (1927) o La zapatera prodigiosa (1927), hasta las tragedias y los dramas de la madurez, Bodas de sangre (1933), Yerma (1934) o La casa de Bernarda Alba (1936). Todas ellas obras fundamentales de la historia de la literatura española y firmadas por un autor según el cual: 'El teatro es la poesía que se levanta del libro y se hace humana.' El presente volumen recoge toda la producción teatral de Lorca así como textos inacabados, apéndices, versiones alternativas y canciones.

Este no es un libro más, es el libro de la autoficción. Te orienta ante la duda: "¿Quiero escribir mi autobiografía o una quiero escribir novela que contenga aspectos de mi experiencia vivida?". Te aclara por qué ambas opciones forman parte de la autoficción. Contiene las claves que te orientan paso a paso para escribir tu vida a tu manera, así sea en un libro autobiográfico o llevada a la novela. Toda vida merece ser contada de alguna manera y en alguna dirección. ¿Pero la opción que quieres es la que necesitas? Por consiguiente, te ofrece pistas para recrear tu mundo y "escribirte" en libertad, para enterarte de lo que te pasa y para la creación literaria. Para ello, no hay nada más mágico que las palabras: te llevan al centro de tu Yo y a tus mejores fuentes de ocurrencias, a la parte de ti en la que radica la esencia de tus ideas motrices. Imposible discernir cuánto hay de imaginario en la narración de la experiencia vivida y cuánto de autobiográfico en una novela. El placer de escribir tu biografía está en la autoficción, el género actual, un territorio apasionante en el que el protagonista eres tú más los otros personajes que te habitan y pugnan por salir. Contiene ejercicios inspiradores, claves, fuentes, maneras de tomar nota, de destacar y recortar, de ampliar y conectar, ideas clarificadoras de diversos escritores y notas de la autora acerca del proceso de su autoficción.

En la breve nota inicial de Estrellas negras, el autor cuenta que en 1962 viajó a Dar es-Salaam (Tanzania) «con el fin de abrir la primera corresponsalía polaca de prensa en África, que en aquel entonces se hallaba en pleno proceso de liberación nacional, de descolonización». De ahí surgiría una larga relación con el continente que daría pie a obras fundamentales del reporterismo del siglo XX como Ébano, Un día más con vida o El Emperador. Pero la vinculación de Kapus?cin?ski con África había empezado un poco antes, cuando entre 1959 y 1961 estuvo primero en Ghana y después en el Congo, que vivían la efervescencia de sus procesos de independencia. De regreso en Polonia, empezó? a escribir sendos libros sobre los respectivos líderes nacionales, Kwame Nkrumah y Patrice Lumumba. Pero el encargo de volver al continente para cubrir esa corresponsalía dejo? el proyecto a medias, y sus editores reunieron el material ya publicado en la prensa sobre los dos carismáticos políticos en el volumen que ahora tiene el lector en sus manos. En estos textos tempranos se muestra ya todo el músculo del gran periodista polaco, su capacidad de convertir la crónica en una pieza literaria y al mismo tiempo en un ensayo de calado histórico. Hay en este libro retratos afilados y memorables, empezando por el del tío Wally, el colono empapado en alcohol a quien conoce en el Hotel Metropole. Pero el protagonismo es sobre todo para Nkrumah y Lumumba, porque, como dice Bogumi? Jewsiewicki en el epílogo, en el que compara la mirada de Kapus?cin?ski sobre África con la de Conrad en El corazón de las tinieblas: «Chinua Achebe, uno de los escritores africanos más conocidos, gustaba de sub- rayar que hasta que los leones no crearan a su propio historiador, la historia de la caza sólo glorificaría al cazador. Es la diferencia fundamental entre la mirada de Kapus?cin?ski y la perspectiva de Conrad. Los reportajes de Kapus?cin?ski describen a África y los africanos desde el punto de vista de los leones, y no de los cazadores.»

La dramática y truculenta vida de Jerry Lee Lewis es una de las más legendarias de la historia de la música popular norteamericana. Considerada una de las mejores biografías jamás escritas, "Fuego eterno (Hellfire)" es un fascinante relato que bascula entre la ficción más oscura y desatada y una precisión documental quirúrgica, y que desde su publicación en 1982 no ha dejado de ser aclamado y reivindicado. Nacido en Luisiana de una dinastía que se remonta a los primeros colonos -una estirpe de jugadores y bebedores empedernidos-, Jerry Lee Lewis se debatió desde su temprana juventud entre el Espíritu Santo y las tentaciones del demonio; entre la Salvación y el sexo, las drogas y el rock and roll, y fraguó junto con otros muchachos indómitos una de las grandes revoluciones culturales y musicales de Occidente. Empezó a tocar a los catorce años, cuando descubrió que el piano -que tocaba como un poseso- podía ser un instrumento diabólico y espiritual, y a los veintiuno grabó «Whole Lotta Shakin' Goin' On» para la mítica discográfica Sun Records de Memphis y se convirtió en leyenda. Poco después vendrían la provocadora «Great Balls of Fire», las drogas, el arrebato, la fama desmesurada, el matrimonio con su prima de trece años, la infamia y el escándalo... Y cuando parecía que su carrera estaba acabada, renació como artista country a finales de los 60. "Fuego eterno" ilumina el alma atormentada de uno de los salvajes más perdurables de la cultura popular y da cuenta de la gran revolución que supuso la eclosión del rock and roll, cuyo estruendo y revulsivo han llegado hasta nuestros días.

La estética se ha enfrentado con los grandes problemas de la vida individual y colectiva, se ha preguntado por el sentido de la existencia, ha fomentado desafiantes utopías sociales, se ha sentido implicada en los interrogantes propios de la vida cotidiana y también ha individuado sutiles distinciones cognitivas. Asimismo, ha examinado con profundidad temas y cuestiones filosóficas y teológicas de trascendencia histórica, ha indagado sus afinidades y divergencias con la moral y la economía, ha establecido relaciones con las restantes disciplinas filosóficas, con las ciencias humanas e, incluso, con las naturales, como la física y las matemáticas. Además, la estética ha traspasado las fronteras de Occidente, dando lugar a pensadores muy originales, quienes, tras familiarizarse con los métodos de la disciplina, han generado teorías y conceptos que, a su vez, han modernizado el modo de entender sus respectivas tradiciones sin romper por completo con ellas. De este modo, han conseguido sustraerse el colonialismo euroamericano y a la pesada herencia histórica que este arrastra. Finalmente, la globalización ha convertido a la estética en algo más parecido a una filosofía de las culturas que a una reflexión sobre la esencia de lo bello y sobre el arte.

«Se invita a los jóvenes artistas de Zúrich para que acudan con sus propuestas y aportaciones sin que importe su orientación particular.» Así decía el llamamiento que Hugo Ball publicó en un periódico de Zúrich el 2 de febrero de 1916 cuando decidió fundar el mítico Cabaret Voltaire, la cuna del dadaísmo. Y lo hizo sin saber quiénes acudirían ni qué llevarían. Tres días más tarde, el Voltaire abrió sus puertas sin ninguna planificación previa. «Mítico» es un adjetivo que suele asociarse, con frecuencia, al dadaísmo y a algunos de sus geniales representantes: Tristan Tzara, primero en Zúrich y luego en París, junto a André Breton, futuro padre del surrealismo; George Grosz en Berlín, donde también destacaron artistas como Raoul Hausmann y Hannah Höch, pioneros del collage y del fotomontaje, y Richard Huelsenbeck, autor del insustituible Almanaque dadá; la pareja Duchamp-Picabia con su dadaísmo neoyorquino? Pero, como oportunamente se pregunta el autor de este libro, ¿qué hubo de verdad y qué de mito en el origen y la evolución del dadaísmo? En cualquier caso, esta amena y documentada biografía colectiva, en la senda de los trabajos de historia narrativa de Barbara Tuchman y Peter Gay, retrata las figuras y los momentos más brillantes de un movimiento que transformó radicalmente el arte del siglo XX y cuyas ramificaciones llegan hasta nuestros días. Una revolución antiacadémica y provocadora que, partiendo de la idea de destrucción, logró construir obras artísticas y literarias de una frescura y una vitalidad que aún no se han apagado. Sin dadá, nos dice Jed Rasula, hoy no tendríamos collages musicales, ni fotomontajes, ni happenings? Y ni siquiera habrían existido el surrealismo, el pop art y el punk. «Sin dadá, la vida moderna tal como la conocemos difícilmente podría calificarse de moderna.»